Le mur du son

Ce blogue déménage...

2011-07-18T13:10:00.003-04:00

Ce blogue déménage...
... dans un autre quartier virtuel...

En espérant vous y retrouver...

Charles Lloyd... intense, spirituel, lyrique

2011-07-04T01:46:00.000-04:00

Je suis tellement impressionné par cet album...

72 minutes d'un voyage dans ce que le jazz offre de mieux: la communion sensible, à la fois pleine de force spirituelle, de lyrisme musicale, de blues intime, entre quatre musiciens en conversation modale... Leur entente doit être totale, leur confiance réciproque au plus haut point.

Dans un sens, ce quatuor me rappelle celui de Wayne Shorter, avec Danilo Perez et l'extraodinaire Brian Blade, qui nous avaient visité au Festival de Jazz il y a quelques années. Vous avez le vieux sage, la légende vivante qui porte en lui l'héritage immense du jazz des cinquante dernières années; et vous avez les jeunes loups qui prêtent la force de leur jeunesse, et je dirais la force de leur humilité, dans un dialogue intergénérationnel passionnant.

Mais je dirais que ce quatuor-ci est peut-être encore plus émouvant: alors que Wayne Shorter s'appuyait sur scène énormément sur le dynamique Perez, et que ses solos ont la concision de celui qui n'a plus de forces à gaspiller, on a l'impression, à l'écoute de ce magnifique opus ECM, que Charles Lloyd, à 73 ans, a la force tranquille du volcan (à peine) assagi. Et le duo qu'il forme avec le pianiste Jason Moran est béni des dieux. Leur communion semble d'une facilité déconcertante, leurs forces en équilibre; le lyrisme un peu sec de l'alto idéalement complété par cette sorte d'impressionnisme swingant que Moran dégage à chaque solo.

Ma découvert de Lloyd est récente: sa version de Ne me quitte pas (de Brel, bien sûr), sur son Jumping The Creek de 2005 (avec entre autres la pianiste Geri Allen) est ce genre de morceau dont la beauté est absolument impossible à esquiver; une pièce d'anthologie. Un petit survol de sa bio sur Wikipedia révèle une longue feuille de route parsemée de longues disparitions; on constate avec surprise qu'il fut leader d'un quatuor-phare chez Atlantic, dans les années '60, avec un tout jeune Keith Jarrett au piano, et Jack DeJohnette à la batterie. Mais alors que ses équipiers connaîtront fortune et gloire chez ECM dans les années '70, Lloyd disparaît de la scène jazz, se contentant de faire partie d'un groupe-hommage aux Beach Boys et s'adonnant à la médiation transcendentale!

Dream Weaver, 1966, avec Keith Jarrett

Ah, les années '70 furent bien cruelles pour moultes jazzmen.

Sa résurrection s'entame en 1989, chez ECM justement, et il faut saluer cet autre coup de génie de Manfred Eicher, le gourou allemand du jazz contemporain. Près de 15 albums en 20 ans suivront, et son aura qui ne cesse de grandir.

Et arrive ce sublime Mirror.

Dès le deuxième morceau, une relecture sublimement minimaliste et profonde du gospel Go Down Moses, nous comprenons que le voyage dans l'âme de ce vieil homme sera empreinte de cette qualité presque spirituelle que le jazz sait si bien rendre (et que son ancien partenaire Keith Jarrett sait communiquer au plus haut point). Rien de factice, de facile ou de mondain dans ces lectures à la fois tendues, généreuses et lyriques. Rien du sentimentalisme easy-jazz tant à la mode non plus. Teintes ocres ou sépia, reflets hautement contrastés; il y a une densité dans l'expression qu'on pourrait rater par une écoute inattentive. Car enfin, ce disque est presque uniquement composé de ballades et avouons qu'à ce jeu, l'alto et sa sonorité un peu pincée font un drôle d'effet. Mais écoutez la musicalité exceptionnelle de La Llhorona (oui, oui, le même morceau arrangé par Llhasa), la sonorité presque orientale du cuivre, la force impressionniste du soli de Moran. Fermez les yeux, imaginez la performance "live": impossible de rater la communion profonde des deux musiciens, et le côté voluptueux de la rythmique. Évidemment, on a aussi droit à un son exceptionnel. Bravo à l'ingénieur Dominic Camardella, inconnu au bataillon, et à l'ingénieur au mastering, le bien connu et respecté Bernie Grundman. ECM maintient ses standards exceptionels.

On a l'habitude des reprises de Thelenious Monk dans le jazz, ça en devient presque lassant, avouons-le, et j'étais tout à fait prêt à "skipper" Monk's Mood et Ruby, My Dear, deux titres archi-connus de "Sphere", de ma liste de lecture. J'aurais eu tort. Ruby, My Dear, en particulier, m'a impressionné. Comment peut-on extirper des idées neuves de ce titre mille fois joué, je l'ignore; ça à certainement à voir avec la manière dont Moran réussit à souligner le lyrisme profond des conceptions angulaires du regretté prêtre du be-bop.

Bref... Réussite totale, quant à moi. Un disque qui a tout ce qu'on peut demander d'un disque de jazz. Voyage merveilleux que je vous recommande absolument. Si vous accordez à ce disque l'attention qu'il mérite, il vous le rendra.

Cigarettes et cafés

2011-06-25T19:43:00.001-04:00

La cohorte des anges compte un nouveau mauvais garnement.

Gageons qu'il est en train de prendre un verre avec Solveig Dommartin.
RIP Peter Falk.

Perdre le temps... au bon moment... la beauté des Idle Moments de Grant Green

2011-06-16T01:18:00.001-04:00

Paraît-il que lorsque Grant Green, le mythique guitariste de Blue Note, entama la 33e mesure de son solo, le pianiste Duke Pearson, compositeur de cet "Idle Moments", et qui dirigeait le trafic à cette session, fut le premier surpris, car il était entendu que la pièce-titre de cette session Blue Note ne devait pas dépasser sept minutes. Et conséquemment, selon les calculs de Pearson, Green avait droit à 32 mesures et ses acolytes à 16 chacun.

Mais, est-ce par erreur de calcul ou par la force de son inspiration tranquille, Green doubla la longueur de son langoureux et séduisant solo. Par souci d'équilibre, Pearson donna donc 32 mesures, puis passa le relais à un tout jeune Joe Henderson, qui fit de même dans un solo de ténor envoûtant, à la sonorité suave et addictive. Le vibraphoniste Bobby Hutcherson suivant l'exemple, Pearson regardait, légèrement inquiet, le producteur Alfred Lion à la console. Mais celui-ci souriait, parce que la musique, la bonne musique, n'est-ce pas, module le temps à sa volonté, et puis tant pis, on referait la prise, et on terminerait celle-ci dans l'amour de ce moment parfait.

Sauf que les musiciens ne réussirent jamais à recréer la magie de cette prise en 7 minutes, et c'est donc cette version de 15 minutes qui, depuis, constitue la pièce-phare de ce magnifique disque de fin de nuit...
Que je vous conseille dans sa nouvelle version Analogue Productions, SACD. Petit moment de perfection, avec entre autres deux versions de "Django" du Modern Jazz Quartet. L'une d'elle fait 13 minutes, et n'est pas en reste de blue note.

À ranger dans votre discothèque, tout près de Midnight Blue de Kenny Burrell.

Claude Léveillée - RIP

2011-06-11T11:29:00.001-04:00

Alors que mon vinyle crépite... et que la passion, presque violente, de Claude Léveillée envahit ma salle d'écoute ("Ne me parlez plus de vos chagrins" me donne toujours des frissons, plus de 35 ans après sa parution)

Je me scandalise à nouveau, une autre fois, de constater l'état déglingué, misérable, de la réédition discographique du Québec. Consternant de savoir que je peux trouver et télécharger en quelques minutes un obscur live montréalais de 1963 de Bob Dylan mais que les grands disques de Léveillée ne sont pas disponibles en CD.

À quand un Rhino québécois?

Pourquoi personne ne peut-il prendre la relève des Guylaine Maroist et Patrice Duchesne qui ont fait un travail considérable dans ce domaine mais qui ont depuis quitté l'industrie musicale?

Notre SODEC, si prompte à se pêter les bretelles du moindre demi-succès cinématographique, pourrait-il mettre ses ressources considérables à pied d'oeuvre pour résoudre les difficiles problèmes liés à la mise en valeur des bandes maîtresses qui accumulent la poussière sur les tablettes des "majors" et ex-boss de maisons de disques aujourd'hui assis sur leur patrimoine?

Notre ADISQ, si prompte à dénoncer les internautes mélomanes et à les culpabiliser, pourrait-elle cesser de se traîner les pieds devant l'évolution inéluctable de la distribution musicale et utiliser les possibilités inouïes de la distribution digitale au lieu de la rejeter?

Voilà c'était ma montée de lait du samedi matin!

MIX TAPE 66: "Black Guitar": Blonde Redhead, "autotuner" angélique, Patrick Watson, Cinematic Orchestra et beaucoup d'autres découvertes

2011-06-03T11:04:00.003-04:00

Séquestré dans un espace mental, pour fins de création.

Rien de tel que de se créer un "Mix Tape" pour préserver les conditions favorables.

Quoi que vous pourriez vous inquiéter de l'état mental de celui qui vous propose cette Bouillabesse Musicale.

Ce Mix Tape pige abondamment dans des découvertes musicales récentes que je veux vous partager. Merci à LittleNemo, Zézette et bien sûr Mimi, vous saurez vous reconnaître!

Le Mix Tape suivant sera en-ligne pour une à deux semaines.

Mais laissez-moi vous parler des protagonistes...

D'abord, pas moins de trois pièces de l'hypnotisant dernier opus de Blonde Redhead, Penny Sparkle. Une chanteuse japonaise, deux alchimistes sonores italiens, la ville de New York comme bassin créatif... Hautement intoxicant, avec quelque chose de salement sensuel au coeur du rythme moite. La pièce Black Guitar, qui donne son nom à mon petit "mix tape", est certainement un des trucs les plus collants que j'ai écouté de mémoire récente. En boucle, en boucle, en boucle... Achetez-le, en plus c’est un des plus beaux "packagings" que j'ai vu en CD.

Immédiatement après Oslo, qui ouvre le bal, j'ai placé mon titre préféré sur le dernier Radiohead, le (légèrement décevant, admettons-le) King of Limbs. Concernant ce dernier, puis-je vous suggérer de refaire le "pacing" à votre manière, en y intercalant les deux excellents titres de leur single Supercollider - The Butcher?

Impossible de faire un "mix tape" cette semaine sans un titre du regretté Gil Scott-Heron, décédé la semaine dernière. La figure emblématique du "Spoken Word" restera une victime tragique de l'urbanité. Il a fini sa vie dans un sous-sol sombre où le temps s'est ralenti au rythme du crack qui lui servait de soupape. New York Is Killing Me, chantait-il sur son magnifique et sombre dernier disque, I'm New Here., que je vous recommande toujours aussi chaudement. RIP Gil.

Vous ne connaissez pas le Cinematic Orchestra? J'espère que leurs deux titres sur cette compil' vous donnera envie de les explorer. Dès les premières notes de leur acid-jazz vigoureux et chaleureux ("Motion"), on savait que ce collectif mené par J. Swinscoe n'était pas un combo acid-jazz comme les autres. Leur deuxième opus, Every Day, est simplement un des meilleurs albums toute catégorie confondue des 10 dernières années. Leur palette, depuis, semble s'élargir sans cesse, au point de se distendre. Peut-être l'énergie folle des débuts s'est-elle quelque peu perdue. Je vous propose ici deux titres, dont ce "redux" extrêmement réussi de "Evolution" sur la bande son de "The Man With A Movie Camera". Énergie, soul et liberté musicale maximum.

On entre par la suite dans la zone hypnotique de plusieurs titres en mineur, mettant en vedette, entre autres, des musiciens associés à la scène montréalaise, si extraordinairement vivante et diversifiée depuis une décennie... Intercalés parmi deux titres du Blonde Redhead déjà évoqué...

un titre lynchien de Timber Timbre, pièce-titre de leur prometteur et inquiétant Creep On Creepin' On
une miniature satienne de Gonzales, le pianiste iconoclaste qui accompagne tout ce qui est hip à Paris
un triptyque de notre Patrick Watson, avec deux morceaux fameusement mélancos de son groupe, mais aussi la magnifique fusion de sa voix et de la grâce soul du Cinematic Orchestra sur le très impressionniste "Ma Fleur" de ces derniers;
et comme la voix chaude de la regretté Llhasa se fait entendre sur le Wooden Arms de Patrick Watson, j'ai pensé mettre en lien un morceau de l'extraordinaire album solo piano+voix que Arthur H. lui a dédié récemment, Mystic Rhumba. Même John Derek n'a jamais évoqué sa femme Bo de si poétique manière!
et pour ceux qui se demandaient à quoi ressemble le duo que forme Sean Lennon avec son étourdissante petite amie (The Ghost Of A Saber Tooth Tiger), un titre de leur Acoustic Sessions qui prouve hors de tout doute que le don mélodique se transmet par ADN. Tout le disque est de cette eau, si vous aimez, laissez-vous bercer par les autres titre de cette séduisante galette musicale.

On passe par la suite aux choses sérieuses: trois titres à la fois follement ambitieux et incroyablement réussis qui prouvent hors de tout doute que la musique ne s'est jamais si bien portée. D'abord, un titre absolument ahurissant d'un groupe danois que je ne connaissais ni d'Eve ni d'Adam il y a tout juste une semaine, Mew, une sorte de Prog-Rock Meets Muse Meets Radiohead, un truc massif qui va vous faire planer... Désolé pour la distorsion à la fin, Mew sont comme tant d'autres musiciens victimes de la "Loudness War", ce qui ne doit pas nous faire bouder notre plaisir. Neuf minutes de frisson assuré.

Transitons vers Muse, justement... Bel hommage au son Radiohead de OK Computer, vous trouvez pas? Référentiel ou pas, Blackout est magnifique.

Maintenant, le très ambitieux, très talentueux et très flyé Sufjan Stevens, dont je vous ai déjà tartiné mon admiration viscérale... Impossible Soul s'étire sur près de 26 minutes (!) mais je vous présente ici les 13 premières, avec la plus belle utilisation de Autotuner de ce côté-ci de Madonna, un truc qui devrait, à mon avis, faire école et montrer que même les instruments de studio de son les plus diaboliques peuvent donner des résultats angéliques parfois...

Histoire de bien enfoncer le clou, on reste dans la poésie autotunesque avec un titre du EP de Bon Iver, Blood Bank, lequel prouve ici, si c'était nécessaire, qu'il est plus, beaucoup plus, qu'un ermite barbu en peine d'amour dans sa cabane en bois rond...

Et si je ne vous ai pas convaincus encore, pour l'autotune, vous allez savoir pourquoi mon entourage me trouve particulièrement têtu... Si Bon Iver, Sufjan Stevens et la Madone ne suffisent pas à réhabiliter la chose, voici de quoi enfoncer le clou: le redux aventureux que Kate Bush a fait de son Deeper Understanding. C'est sur son récent Director's Cut, un exemplaire exercice de révision de certaines de ses compos méconues.

Je ne vous ai pas perdus encore? Tant mieux, car le meilleur s'en vient, en fait de musique pure.

Après Andreya Triana (sorte de trip-hop/soul très joli) et le toujours émouvant Anthony & the Johnsons (bravo pour les magnifiques orchestrations de son dernier disque Swanlights), un triptyque marqué par les thèmes de Radiohead.

D'abord, une version acoustique de leur tout premier hit, Creep (qui se trouve sur le EP de My Iron Lung). Puis, une version ahurissante de ce même titre par la chorale belge de Scala & Kolacny Brothers. Ils sont parfois un peu sucrés, mais faut admettre que leur Creep donne des frissons. On a même entendu Christiane Charrette pleurer en ondes après une interprétation "live" en studio.

Et au finale, attention, quelque chose de grand. Un extrait (long) du plus récent Brad Mehldau, Live At Marciac; Mehldau, pianiste de jazz absolument fabuleux, possiblement en ce moment au sommet de sa carrière, qui reprend avec fougue son Goodbye Storyteller (tiré du très beau Elegiac Cycle) avant de transiter vers un des nombreux titres de Radiohead qu'il interprète magiquement, ici le magnifique Exit Music de OK Computer.

Ceux qui pensent que le jazz est une musique de musée n'ont jamais entendu Brad Mehldau.

Au final, deux heures de musique que j'espère vous apprécierez!

Index	Artiste - Titre	In	Out	Durée
1	Blonde Redhead - Oslo	00:00:02:00	00:03:49:38	00:03:47:38
2	Radiohead - Little By Little	00:03:49:38	00:08:08:69	00:04:19:31
3	Scott-Heron, Gil - I'm New Here	00:08:08:69	00:11:39:14	00:03:30:20
4	Cinematic Orcherstra - Evolution (Versao portuense)	00:11:39:14	00:17:18:36	00:05:39:22
5	Blonde Redhead - Everything Is Wrong	00:17:18:36	00:19:58:21	00:02:39:60
6	Timber Timbre - Creep On Creepin' On	00:19:58:21	00:23:51:73	00:03:53:52
7	Gonzales - Gogol	00:23:51:73	00:25:43:38	00:01:51:40
8	Watson, Patrick - Daydreamer	00:25:43:38	00:30:12:72	00:04:29:34
9	The Ghost Of A Saber Tooth Tiger - Shroedinger's Cat	00:30:12:72	00:32:59:48	00:02:46:51
10	Patrick Watson - Wooden Arms	00:32:59:48	00:35:56:70	00:02:57:22
11	Arthur H - Bo Derek	00:35:56:70	00:39:15:13	00:03:18:18
12	Cinematic Orchestra, The - To Build A Home	00:39:15:13	00:45:17:27	00:06:02:14
13	Blonde Redhead - Black Guitar	00:45:17:27	00:50:25:17	00:05:07:65
14	Mew - Comforting Sounds	00:50:25:17	00:59:06:21	00:08:41:04
15	Muse - Blackout	00:59:06:21	01:03:14:70	00:04:08:49
16	Sufjan Stevens - Impossible Soul (Edited)	01:03:14:70	01:16:07:62	00:12:52:67
17	Impossible Soul (loop)	01:16:07:62	01:16:52:04	00:00:44:17
18	Iver, Bon - Woods	01:16:52:04	01:21:33:07	00:04:41:03
19	Bush, Kate - Deeper Understanding (Director's Cut Version)	01:21:33:07	01:28:00:08	00:06:27:01
20	Triana, Andreya - Draw The Stars	01:28:00:08	01:31:56:06	00:03:55:73
21	Antony & The Johnsons - The Spirit Was Gone	01:31:56:06	01:35:04:07	00:03:08:01
22	Radiohead - Creep (Acoustic)	01:35:04:07	01:39:21:02	00:04:16:70
23	Scala & Kolacny Brothers - Creep (Live)	01:39:21:02	01:44:10:04	00:04:49:02
24	Brad Mehldau , Goodbye Storyteller (For Fred Myrow) (Marciac Live Version)	01:44:10:04	01:51:40:08	00:07:30:04
25	Brad Mehldau , Exit Music (For A Film) (Marciac Live Version))	01:51:40:08	01:59:26:49	00:07:46:41

Scott-Heron: ça n'aurait pas dû finir comme ça...

2011-05-30T11:23:00.003-04:00

En écoutant un remix du, malheureusement trop approprié New York Is Killing Me:

Extrait d'un article remarquable du New Yorker,

Scott-Heron calls himself a bluesologist. He is sixty-one, tall and scrawny, and he lives in Harlem, in a ground-floor apartment that he doesn’t often leave. It is long and narrow, and there’s a bedspread covering a sliding glass door to a patio, so no light enters, making the place seem like a monk’s cell or a cave. Once, when I thought he was away, I called to convey a message, and he answered and said, “I’m here. Where else would a caveman be but in his cave?”
[...]

Sometimes when I spoke to people who used to know Scott-Heron, they told me that they preferred to remember him as he had been. They meant before he had begun avidly smoking crack, which is a withering drug. As a young man, he had a long, narrow, slightly curved face, which seemed framed by hair that bloomed above his forehead like a hedge. The expression in his eyes was baleful, aloof, and slightly suspicious. He was thin then, but now he seems strung together from wires and sinews—he looks like bones wearing clothes. He is bald on top, and his hair, which is like cotton candy, sticks out in several directions. His cheeks are sunken and deeply lined. Dismayed by his appearance, he doesn’t like to look in mirrors. He likes to sit on the floor, with his legs crossed and his propane torch within reach, his cigarettes and something to drink or eat beside him. Nearly his entire diet consists of fruit and juice. Crack makes a user anxious and uncomfortable and, trying to relieve the tension, Scott-Heron would sometimes lean to one side or reach one hand across himself to grab his opposite ankle, then perhaps lean an elbow on one knee, then maybe press the soles of his feet together, so that he looked like a swami

Vous pouvez lire ici la suite: New York Is Killing Me The unlikely survival of Gil Scott-Heron. by Alec Wilkinson

Ray LaMontage au St-Denis: No-Frills Ray! [AJOUTS]

2011-05-30T01:10:00.003-04:00

http://teezayyy.deviantart.com/art/Ray-Lamontagne-42438441

Intéressante soirée au St-Denis hier, avec le plus stylé et lumineux des folk-singers modernes, Raymond LaMontagne, troubadour du New Hampshire ayant grandi au Maine, tout près d'ici.

Dans le quatuor des barbus aux voix de cendres qu'il forme (bien involontairement) avec Bonnie "Prince" Billie, Bon Iver et Samuel Beam (Iron & Wine), Ray LaMontagne est mon préféré. Je n'ai qu'un album de l'homme, Till The Sun Turns Black, mais je connais peu de disques plus envoûtants, plus majestueux dans leur poignante musicalité: compos aériennes, arrangements luxuriants, et cette voix qui comprend plus d'harmoniques qu'un choeur bulgare... il y a dans son art une luminosité d'aurore, et une musicalité dénuée de toute gimmick, de tout artifice: c'est profondément émouvant. Un peu comme si Nick Drake avait survécu à son spleen et avait trouvé la sérénité... et une inspiration folk américaine.

L'histoire de l'homme est tout aussi intéressante que son art: se détournant de la musique à cause d'un père musicien violent qui a éventuellement abandonné sa famille, le jeune Ray se réfugie dans la forêt pour lire de la littérature fantastique. Employé d'une manufacture de chaussures, il se réveille un matin au son d'une pièce de Stephen Stills, ce magnifique guitariste et folk-singer, et comprend instantanément que sa vie a changé. Il se réconcilie avec son ADN musical et se met au travail.

Et nous voici, quelques années plus tard, à avoir rempli le Saint-Denis (sold-out!) pour cet artiste effacé, absent des ondes radios, et pourtant récipiendaire d'un Grammy, doté d'une voix unique et d'une vision artistique tout aussi unique. Dont l'art est si précieux qu'il a trouvé son chemin, simplement, "old style", à force de tournées et de disques; le lit d'un ruisseau s'est creusé et est devenu rivière.

Et donc, nous étions nombreux à l'attendre impatiemment, et il a fallu effectivement s'armer de patience; ce n'est pas un, mais deux "premières parties" qui ont précédé le folk-singer.

Au lever de rideau, une dynamique jeune Mexicaine de 25 ans, ex-actrice de telenovela , Ximena Sariñana, seule avec son clavier, son ordi et un batteur décidé à lui donner tout le support nécessaire. Difficile de ne pas la trouver sympa: elle a fait taper du pied ceux qui ont bien voulu l'écouter: beat vitaminé, des arrangements futés aux claviers, et une voix puissante et expressive qui rappelle vaguement une Sinéad O'Connor qui broirait de l'Ecstasy plutôt que du Pain Noir. Sans trop se laisser démonter par un public en plein transit, elle nous a donné cinq ou six chansons bien envoyés, avec en finale, seule au piano, une "torch song" assez émouvante, façon Fiona Apple. Je l'aime bien, allez, je vous invite à écouter son clip. Elle a failli gagner un Latin Grammy l'an dernier, et je me dis que peut-être en entendrons-nous beaucoup parler dans le futur. Et pourquoi pas? Une Björk sud-américaine ne ferait pas de tort au paysage musical, non?

En seconde partie, il faut honnêtement le dire, la très dynamique chanteuse de Seattle Brandi Carlile a fait tout un tabac. Allait-elle refaire à Ray le coup qu'avait fait Melissa Etheridge à Bruce Hornsby il y a plusieurs années dans ce même théâtre, en lui volant son public? Peut-être pas, mais miss Carlile a une voix magnifiquement texturée, des musiciens complices, un solide sens de la scène et un folk-country-rock bien foutu. Sentant le public réceptif et le flattant dans le sens du poil (You're such great listeners!), elle s'est lancée dès la troisième pièce dans un numéro complètement "unplugged" qui lui a valu une ovation. Variant bien le rythme et les ambiances, très à l'aise, on a cru un moment qu'elle allait s'incruster (deux rappels!) et s'est arrangée pour qu'on se rappelle d'elle. Rien de foudroyant ou d'indispensable, mais du solide, du pro, du senti. Avis aux ambitieux: la jeune femme n'est pas signée! Bizarre quand même. On peut dire qu'en fait de premières parties, Ray a du goût!

Mais on était là pour Ray...

Et passé 22 heures, Ray nous a finalement gratifiés de sa présence. Une présence toute différente de miss Carlile: se plaçant en périphérie du demi-cercle de musiciens, le corps tourné non pas vers la salle mais vers son "band", Mr LaMontagne n'a rien d'une bête de scène ou de l'entertainer, et tout de l'artiste qui s'appuie d'abord et avant tout sur la musique. Sa voix évidemment splendide, sa présence musicale, la solidité évidente de ce groupe, les Pariah Dogs, voilà tout ce qu'il fallait pour remplir le St-Denis de bonnes et généreuses "vibes". À un fan qui voulait entamer la conversation, il avoue placidement: Talking is not really my style... Sobriété voulue (et d'ailleurs, pas un mot de français), mais interprétation sentie.

Ray a quand même raconté une expérience d'enregistrement récente, dans une immense grange sans électricité ni eau, mais grandiose et lumineuse qu'il aurait donc acquéri, où il a enregistré deux nouvelles pièces qu'il nous a joués. Et l'écoutant raconter, avec un plaisir évident, ce moment passé à faire de la musique avec son "band", on imagine très bien son quotidien. On le voit très bien, entrer dans le grand espace vide de la grange, se tourner vers son band, taper le rythme au talon et remplir la salle d'accords de guitare et de sa voix lumineuse... Et on comprend que, public ou pas, la musique permet à Ray LaMontagne d'entrer dans un espace sacré, dans une dimension intérieure qui rendent son art unique, et son country-folk incroyablement stylé.

(D'ailleurs, on peut croire sans peine que le prochain Ray est déjà sur le liste d'achats de chaque spectateur au spectacle, tant la première des deux nouvelles pièces interprétée était superlativement émouvante).

Un mot rapide sur le groupe, les Pariah Dogs: un guitariste, une bassiste, un batteur, un joueur de lap-steel coiffé d'un couvre-chef à la Stevie Ray Vaughn. Solidité à tous les niveaux (bien que la sono ait transformé la basse en one-note bass), batterie à la fois fluide et solide, et une lap-steel exactement à mi-chemin entre la terre et le ciel, pas si loin des ambiances cinématographiques de Daniel Lanois, avec sans doute une assise country plus affirmée. Un groupe aussi à l'aise dans le folk céleste que dans un rock plus carré ou dans un blues-rock bien gras (dans lequel l'ami Ray nous a fait entendre de l'harmonica juste assez sale). Avec un groupe aussi solide et soudé, Ray LaMontagne peut aller à la guerre.

Alors, voilà. Moins de 90 minutes plus tard, c'était fini. J'ai vu Ray LaMontagne, et je vous dirais qu'il ne vous donnera guère sur scène plus que sur ses disques. Mais quand notre musique atteint ce niveau de qualité, ce n’est peut-être pas nécessaire.

No-Frills Ray est son surnom, dorénavant.

Voilà à quoi ça ressemble...

Allez, parce que je vous aime bien, un lien vers un blogue très intéressant où vous pourrez entendre un duo entre Ray et une jeune artiste du nom de Rachael Yamagata. Avouez que c'est joli. Je parle de la musique, bien évidemment. Da...

http://luxilluminates.com/wp-content/uploads/2009/11/Rachael+Yamagata.jpg

RIP Gil Scott-Heron

2011-05-27T22:57:00.001-04:00

La voix hantée de Gil Scott-Heron résonnera doréanavant dans un autre univers.
RIP.

Kate Bush REDUX - fascinant...

2011-05-24T08:53:00.001-04:00

Drôle de manière de lancer son propre label... Mais évidemment, de la magnifique Kate Bush, on en peut attendre que du singulier!

Director's Cut, c'est une artiste qui décide de revisiter une partie ingrate de son répertoire et d'en tirer la sève musicale. Pour une artiste au parcours aussi relevé que Kate Bush, il est facile de trouver à quel moment se situe l'unique faux-pas de sa magnifique carrière: le très inégal Red Shoes, album de rupture au demeurant assez déchirant, et qui allait être suivi d'un silence assourdissant de... 12 ans! Non seulement un album où, pour une rare fois chez elle le médiocre côtoie le sublime, mais aussi un des albums les plus désagréables au niveau sonore que j'ai eu l'occasion d'entendre. Digital, strident et dénué de toute chaleur.

Après le parcours absolument inégalable de Kate Bush dans les années '80, la chute qualitative fut si brutale que toutes sortes de rumeurs ont circulé, certaines pas très jolies: personnage romantique par excellence, la rupture amoureuse aurait plongé Kate Bush dans la folie: You're The One, qui clôt The Red Shoes de manière dramatique, serait le testament amoureux d'une passionnée condamnée à s'arracher les ongles dans une cellule capitonnée!

Eh bien non. Kate Bush a pansé ses plaies, a eu un enfant, a rencontré un guitariste et a probablement eu le retour en grâce artistique le plus réussi qu'on pouvait espérer avec le magnifique double Aerial, en 2005, un album d'une grande beauté sonore et émotive.

Et alors qu'on annonce déjà (!) que la composition du prochain album est pratiquement achevé, voilà que sort cet étrange Director's Cut.

Revisiter son propre répertoire n’est rien de très nouveau. Les résultats sont parfois catastrophiques (vous vous rappelez les versions sur CD des vieux hits de Robert Charlebois, enregistrés pour résoudre un vieux problème de droits d'auteur?), parfois intéressants (Joni Mitchell et son somptueux "Travelogue"). Mais "corriger" un album passé sous le radar? Voilà qui est déjà plus intéressant.

Director's Cut reprend donc sept pièces de Red Shoes (1993), mais aussi quatre pièces de The Sensual World (1989), l'album précédent de Kate Bush, album riche et audacieux, dont les arrangements très chargés avaient dérouté plusieurs des amateurs de Hounds Of Love (1985) (considéré par plusieurs comme le pinacle artistique de sa carrière). Toutes les voix ont été ré-enregistrées (à part les voix bulgares). Disparus, les batteries synthétiques typiques des années '80, remplacées par de nouvelles pistes rythmiques "analogues". Parfois, la relecture va beaucoup plus loin. Mais commençons par le début.

Le point de départ c'est la relecture de la pièce-titre de The Sensual World. Rebaptisée "Flower of the Mountain", la pièce a permis à Kate Bush de réaliser un fantasme: celle d'apposer à sa musique les mots de James Joyce, permission qui lui avait été refusée à l'époque pour lui être accordée récemment par les héritiers. Parions que ce fut même le point de départ de l'aventure. Et, avouons-le, la chose démarre plutôt mal.

Car la voix de Kate Bush a changé; et pour parvenir à réenregistrer les pistes vocales, elle a dû chanter dans une clé différente. La voix aérienne se pose sur les magnifiques arrangements quelques tons plus bas; probablement pour permettre à la voix de ne pas disparaître dans l'opulence des arrangements d'époque, on a dépouillé ceux-ci et considérablement augmenté la présence de la voix au mixage. Résultat: une voix qui semble presque étrangère à la pièce, et dont la sensualité semble évacuée. Mixage raté, impact presque nul. Misère... L'aventure tournera-t-elle au désastre?

Que non... Car dès The Song Of Solomon, une des très belles pièces de Red Shoes, on perçoit un peu mieux où l'aventure nous mènera. Kate Bush n'a pas caché avoir commis une erreur lorsqu'elle a transformé son studio à la fin des années '80 et passé de l'analogue au numérique, une méthode d'enregistrement qu'elle maîtrisait fort mal. The Sensual World en souffrait; pour Red Shoes, ce fut encore bien pire. Director's Cut vient corriger en partie l'erreur historique. Le son et la voix, autrefois stridents, ont repris des couleurs, de la rondeur, de la chaleur, de la physicalité. La pièce suivante, l'ésotérique Lily, le démontre encore bien plus clairement: inécoutable par sa stridence aiguë sur The Red Shoes, la pièce gagne une rythmique bien pesante, une nouvelle partie de guitare et une interprétation passionnée plutôt qu'hystérique. Soudainement, la plongée psychanalytique et mystique de la jeune femme qui perd pied ("Lily, Oh Lily I don't feel safe, I feel that life has blown a great big hole through me") nous prend au ventre plutôt que nous prendre la tête. Émotion.

Et ça continue de mieux en mieux. Deeper Understanding, de Sensual World, est débarrassée de ses batteries synthétiques au profit de véritables peaux. L'interprétation de la voix de 1989 est inégalable (et inégalée), mais Kate Bush, en exploratrice passionnée du son, nous réserve une surprise: rappelant Sufjan Stevens et Bon Iver sur leurs récents albums, elle utilise l'autotune de magnifique façon pour créer une nouvelle partition vocale qui vous surprendra. Vous comprendrez que l'autotune n'est vraiment pas utilisé ici dans son but habituel. Un coda basse, voix, harmonica et synthé clôt la pièce de très belle manière.

Le reste est à l'avenant: des versions neuves, surprenantes, nous montrant que ces titres du passé avaient un potentiel plus grand que ce qu'on aurait imaginé.

Certains fanatiques ont frémi en voyant This Woman's Work dans les titres. On parle ici d'une pièce que les amateurs tiennent pour sacré, peut-être la plus belle interprétation de Kate Bush dans sa carrière, qui n'en manque pourtant pas. Ici, la refonte est poussée très loin: synthé délicat rappelant un Fender Rhodes, choeurs angéliques noyés dans un écho glacé. Désolé pour les puristes mais cette version est une des plus belles réussites de Director's Cut; un voyage sonore inattendu, et sans doute la plus belle interprétation vocale de l'album. Comme si Kate Bush avait fait un overdose de Tomita avant d'entrer en studio. Beautiful... J'achète, j'adore, j'adhère.

Kate Bush n'est évidemment plus l'ingénue qui a fait une entrée fracassante dans la musique pop à 19 ans à la fin des années '70; elle n'est plus cette artiste "cutting edge" qui faisait jeu égal dans l'audace avec Peter Gabriel dans les années '80 et dont chaque album était un évènement artistique; elle est entrée dans une sorte de maturité tranquille, sereine. Ainsi, le "pacing" de Director's Cut rappelle Aerial: éloge d'une certaine lenteur, d'une délicatesse d'émotion et d'un travail sonore d’orfèvre. On est loin de la frénésie contemporaine, du bombardement sonore, du patchwork d'influences.

Grande réussite? Non, peut-être pas. Mais refonte fort intéressante qui vient remettre en lumière quelques titres mal aimés d'un répertoire presque sans taches.

À noter qu'une version Deluxe de Director's Cut comprend aussi l'album The Sensual World (un "must" à mon avis) ainsi qu'un remastering (drôlement nécessaire) de "The Red Shoes", dont j'ai pu entendre (et apprécié) un très court clip sonore. Peut-être après tout cet album mérite-t-il aussi une ré-audition dans ses arrangements originaux.

En attendant donc le prochain album, un prologue surprenant...

MIX TAPE 65: 80s - White Punks On Dope Vol. 1

2011-05-20T16:34:00.005-04:00

Mix Tape 65 - White Punks On Dope Vol. 1

Je n'aurais pas cru si difficile de faire un mix-tape des années '80, années honnies des puristes du classic-rock pour avoir amené plusieurs calamités dans le monde du rock. Je veux dire: faire un mix-tape raisonnablement court. Je croyais détester les années '80.
C'est la décennie où les consoles digitales et le CD ont détruit le son analogue . La décennie où, emportés par la pompe de plus en plus insupportable de leurs propositions et leurs egos boursouflés, les grands groupes de rock progressif et de hard-rock ont sombré dans l'insignifiance et l'oubli. La décennie où même Dieu, nommé Bill Bruford sur son baptistère, a transité vers la batterie électronique. Autre Dieu qui a failli sombrer: Bob Dylan, qui, n'eut été d'une rencontre brève et foudroyante avec le Franco-Canadien Daniel Lanois, aurait disparu de la carte. C'est aussi la décennie où des non-musiciens se vantent de faire des albums sans savoir jouer, munis de leurs synthés et de modes d'emploi japonais.
Et pourtant...
Quel incroyablement déferlement créatif.
Après avoir bastonné le rock avec hargne, le punk laisse dans son sillage une terre brûlée, ouverte à toutes les possibilités. La compétence technique, qui semblait une condition sine qua non au rock des années '70, disparaît dans un déferlement d'idées artistiques audacieuses. Le terreau est vierge, mais riche de cadavres musicaux qui seront récupérés dans un bordélique foisonnement. Tout est possible, les règles servent à se torcher.
Deux super-groupes se partagent les stades, The Police et U2. Mais pour le reste...
On ne peut pas résumer les années '80. L'idée de faire un mix-tape de l'époque sans Police, sans U2, sans Peter Gabriel, sans Kate Bush, sans Bryan Ferry, semble risible. Mais à 3h20, j'ai arrêté les frais! J'aurais pu continuer des heures et des heures.
J'aurai beau dire: les années '80 furent formidables.

#	*Titre*	Artiste	*Album*	Durée
1	Tv-Glotzer (White Punks On Dope)	Hagen, Nina	Nunsexmonkrock / Nina Hagen Band	5:31
2	Mothers Talk	Tears For Fears	Songs from The Big Chair	5:08
3	Caribou	Pixies	Come on Pilgrim	3:14
4	How Soon Is Now	Smiths, The	Hatful of Hollow [Rough Trade]	6:44
5	It's no Game (Part 1)	Bowie, David	Scary Monsters [Ryko]	4:16
6	Slow	My Bloody Valentine	You Made Me Realise [EP]	3:10
7	Kansas	Wolfgang Press	Bird Wood Cage	3:54
8	Born Under Punches (The Heat Goes On)	Talking Heads	Remain In Light	5:49
9	Hot Hot Hot!!!	Cure, The	Kiss Me Kiss Me Kiss Me	3:34
10	The Art of Parties (Single Version)	Japan	Tin Drum	6:47
11	Running Up That Hill (A Deal With God)	Bush, Kate	Hounds Of Love	5:02
12	Living In Another World	Talk Talk	The Colour Of Spring	6:58
13	This Is The Day	The The	Soul Mining	5:00
14	Need A Man Blues	Bronski Beat	The Age Of Consent	4:19
15	Vanishing Point	New Order	Technique	5:17
16	Nummern	Kraftwerk	Computerwelt	3:20
17	Oh Yeah	Yello	The New Mix In One Go (1980-1985)	3:04
18	Pump Up The Volume	M.A.R.R.S.	The Pitchfork 500	7:08
19	Fight The Power	Public Enemy	The Pitchfork 500	4:42
20	Moral	Numan, Gary	Dance	4:31
21	Disintegration	The Cure	Disintegration (Deluxe Edition) (Disc 1)	8:21
22	The Killing Moon	Echo And The Bunnymen	The Pitchfork 500	5:47
23	There Is a Light That Never Goes Out	Smiths, The	The Queen Is Dead [Rough Trade]	4:03
24	Sister Europe	Psychedelic Furs, The	All Of This And Nothing	5:41

Mix Tape 64: En Mineur Vol. 3

2011-05-09T12:30:00.003-04:00

Seq	Titre	Artiste	Album
1	Oppenheimer	Pook, Jocelyn	O Vertigo - Deluge
2	Spider Monkey	Gibbons, Beth;Rustin Man	Out Of Season
3	Black	McLachlan, Sarah	Solace
4	Down is the New Up	Radiohead	In Rainbows (CD bonus)
5	touch me I'm going to scream, pt. 2 / Good Intentions	My Morning Jacket	Evil Urges
6	No One Just Is	Miranda, Holly	The Magician's Private Library
7	I'm New Here	Scott-Heron, Gil	I'm New Here
8	Un commencement de rage	Minière, Jérôme	La nuit... éclaire le jour qui suit
9	Le Chat du Café des Artistes	Gainsbourg, Charlotte	IRM
10	Things Behind The Sun	Drake, Nick	Pink Moon
11	John Wayne Gacy, Jr.	Stevens, Sufjan	Come On Feel The Illinoise!
12	They Won't Go When I Go	Wonder, Stevie	Fulfillingness' First Finale [Audio Fidelity HDCD] [20 bits]
13	Here Comes The Flood	Fripp, Robert	Exposure [First Edition]
14	Peaceful Valley Boulevard	Young, Neil	Le Noise
15	Drive By	Duran Duran	Thank You
16	New World	Björk	Selmasongs

Brad Mehldau - sommets de virtosité pianistique

2011-05-08T21:13:00.004-04:00

Parlant de Bill Evans récemment...

Il a été longtemps présenté comme l'héritier naturel de Bill Evans, particulièrement pour son travail au sein de son trio. Et sans doute pour le très émouvant album solo, Elegiac Cycle, qui a beaucoup fait pour sa popularité. On a aussi beaucoup parlé d'une parenté artistique avec Keith Jarrett, sans doute pour la fougue de son lyrisme. Mais aujourd'hui, nous ne pouvons plus parler ni de l'un ni de l'autre pour parler de son travail: Brad Mehldau est, dans sa jeune quarantaine, au sommet de son art, et le tout récent Live In Marciac en est, de nouveau, l’éclatante démonstration.

Deux CDs denses, mais surtout un DVD qui nous permettent une plongée visuelle sur l'incroyable virtuosité technique d'un pianiste qu'on a d'abord appris à aimer pour son lyrisme.

Live At Marciac - 2 CD + 1 DVD

Mehldau a beaucoup changé physiquement avec les années. Sa carcasse, que je me rappelais rachitique au temps de son travail avec Joshua Redman, comme en déséquilibre, s'est "plantée" pourrait-on dire. Il a épaissi et son jeu est devenu très physique. Ses improvisations se déroulent dans une architecture complexe et riche, sa main gauche construisant un monde contrapuntique qui ne fait pas que soutenir le mélodisme de la main droite: au contraire, les deux se livrent à un double-discours étourdissant: les idées se forment à toute vitesse, mais toujours au sein d'une assise solide qui ne nie jamais le thème qui leur a donné leur élan initial.

Au contraire d'un Keith Jarrett, qui démarre souvent d'une page complètement vierge et semble emporté par un mysticisme musical absolument magique, Mehldau évolue dans un monde architectural très solide.
Ce live est particulièrement intéressant, car Mehldau y revisite plusieurs des thèmes de son Elegiac Cycle, justement, sans aucune doute son disque le plus élégiaque (évidemment) et accessible; or, la relecture qu'il en fait est riche, complexe, puissante; le blueprint est devenu une architecture . Peu de ballades: une relecture de Secret Love (qui était à mon humble avis plus émouvante sur Progression, en trio) et un My Favorite Things, en rappel, très beau thème auquel il donne un traitement qui nous rappelle son Art Of The Trio 3, quand on découvrait encore ce jeune pianiste différent.

Elegiac Cycle (1999)

Keith Jarrett aime railler le goût de Mehldau pour son utilisation de thèmes rock, lui qui a choisi depuis longtemps de se cantonner aux stardards de jazz. Encore une fois sur ce disque, Mehldau fait la belle part à des classiques "modernes": Radiohead, bien sûr (Exit Music), son groupe de prédilection, Nick Drake (Things Behind The Sun), Nirvana (Lithium) et les Beatles (Martha My Dear) ainsi qu'une relecture de Lilac Wine, qu'a fait connaître tour à tour Nina Simone et Jeff Buckley. La sensibilité de Drake, ce poète folk existentialiste si fragile, se marie toujours aussi bien à la sienne, mais on sent chez Mehldau une énergie rythmique nouvelle. Things Behind The Sun ouvrait son Live In Tokyo avec lyrisme; mais cette fois, il a trouvé dans la plage harmonique du morceau une sauvagerie insoupçonné; le martèlement de la main gauche évoque un Glenn Gould au swing agressif; et pourtant, plus loin, c'est la main droite qui amène le même thème vers de dimensions presque liquides. Lorsque sans s'arrêter il transite de Drake à Cobain et son Lithium, il crée entre deux des grands suicidés du rock une parenté musicale qu'on n'aurait jamais soupçonné.

Remarquable? Oui, plus que jamais. Agréable? Peut-être moins que par le passé. Une maturité nouvelle est entrée dans son jeu. Son travail en solo est le témoignage d'un pianiste qui, loin de tabler sur son succès passé, repousse toujours plus loin les limites de son expressionnisme. Moins élégiaque, plus viril; comme si sa sensibilité s'était imprégnée d'angoisses métaphysiques plus graves. Plus Beethoven que Chopin. Plus Hammerklavier que Clair de lune.

Disque qui, je le soupçonne, sera inépuisable.

Genesis: les commentaires continuent...

2011-05-07T13:04:00.001-04:00

Je n'ai jamais trouvé sur Blogger la manière d'indexer les commentaires de manière à ce qu'ils soient faciles à retrouver...
Mais bref les remix/remasterings du Genesis de la belle époque continuent de provoquer des commentaires... Genesis continue, plus de 35 ans après la sortie de leurs grands albums, à provoquer des réactions passionnées...

Allez-y voir...

La Laurie de Bill Evans se souvient

2011-05-06T17:13:00.002-04:00

With Bill, it wasn’t as though he was divided between two different personalities. He showed me that it was all one thing: creativity and destruction. You couldn’t separate out the beauty of his art and the ugliness of his addiction and physical state. They were one in the same, feeding off each other. [...] It’s like New York City. What has always attracted me about New York is the enormous amount of high culture set in a filthy grimy tension-producing place. But that’s what makes it special. The contrasts. The puzzle.

Entrevue avec la Canadienne qui aura inspiré à Bill Evans une de ses dernières compositions, Laurie. Laurie Verchomin fut l'amante de Bill Evans dans les 18 derniers mois de la vie du grand pianiste. Une lecture à la fois émouvante et très troublante sur l'extase artistique et la déchéance physique de l'immortel compositeur de Blue In Green. Sur l'excellent site JazzWax.

Sean Lennon est une île (et il n'est pas seul)...

2011-03-13T22:03:00.000-04:00

Well, dudes, tous les blogueurs ont besoin d'un break de temps en temps. J'ai eu l'excellente idée de me déconnecter du Net, complètement, pour un bon mois, et laissez-moi vous dire que cette rupture "cold turkey" remet les idées en place. Homicide sur le hamster mental plogué sur la Toile, avec juste une incartade de temps en temps à la bibliothèque locale, histoire de vérifier que la terre n'avait pas implosé.

Et puis, histoire de bien marquer le coup, j'ai aussi écouté, en boucle, un disque insulaire, un disque qui aurait pu exister dans les années '60, ou '70, mais qu'on ne s'attend pas à trouver sur MySpace (où il étend ses belles mélodies pourtant). Un disque qui surprend par sa beauté mélancolique, par son travail d’orfèvre mélodique, par ses suaves harmonies vocales qu'on croirait échappé d'entre deux couplets de If I Fell des Beatles, certainement un de mes morceaux préférés sur la planète quand je file smooth et familial et affectueux.

Le groupe, en fait le duo, porte le nom énigmatique, poétique et asiatique de The Ghost Of A Saber Tooth Tiger, et si vous commencez à tisser la toile entre la beauté mélodique, les harmonies vocales et un certain côté contemplatif asiatique, et que vous recoupez avec un timbre un brin nasillard, vous comprendrez peut-être que je parle de Sean Lennon et de la musique qu'il écrit et joue avec sa magnifique copine, Charlotte Kemp Muhl.

Imaginez la vie de ce jeune homme, éminemment doué, sensible... Son père, assassiné alors qu'il a 5 ans, devant la résidence familiale; sa mère, honnie et détestée par des gens qui ne la connaissent ni d'Eve ni d'Adam; un nom qui porte l'héritage le plus lourd de tous les artistes de la pop; une vie scrutée, à la fois à l'abri du besoin et privée de choses aussi élémentaires qu'un certain anonymat, un père et une mère qu'on peut aimer juste parce qu'ils sont nos père et mère, des dons qu'on peut développer tranquillos, à l'abri des milliers de critiques qui ont dévoré Julian, il y a une vingtaine d'années... Me semble que j'aurais soif de tranquillité, et que je marcherais dans un brouillard, bien à l'abri, si possible en tenant la main d'une copine belle à regarder, qui partage ma sensibilité. La vie simple, belle, comme le pas lourd du
tigre à dents de sabre dans le matin.

Ben The Ghost of a Saber Tooth Tiger, c'est tout à fait ça. Une promenade dans la brume matinale avec deux êtres au final pas mal beaux, même si énigmatiques, qui harmonisent magnifiquement, dans une sérénité qui étonne venant du fils de John. Une muse leur souffle à l'oreille un monde d'où toute agressivité, revendication, tension semblent absentes. Dans notre monde débile, je trouve ça plus que louable. Je trouve ça carrément audacieux!

Dans le spectre des couples musiciens, vous avez, à une extrémité, Trent Reznor et sa copine (How to Destroy Angels). À l'autre extrémité complètement, ce projet-ci, qui me tient complètement sous son charme.

Un petit dix dollars qui vaut bien des séances de méditation.

Aucun créateur n'est une île...

2011-02-09T17:02:00.004-05:00

Je le dis immédiatement: j'adore Karkwa. Dès les premières notes de "La fuite" sur le premier album, je suis devenu un "fan". Je l'ai dit à ma blonde en revenant de chez Archambault: je viens d'entendre un grand groupe. "La fuite" est même la bande sonore d'un film que je veux faire depuis longtemps.

Mais lorsque aujourd'hui j'ai (finalement) reçu et entendu le mini-classique-culte de Bon Iver, "For Emma, Forever Ago", enregistré dans sa cabine de chasse au Wisconsin, à l'hiver 2006-2007, j'ai eu un petit choc.

OK, aucun créateur n'est une île. Ça arrive. À tout le monde. Même les meilleurs.

Mais je pourrai jamais plus entendre "Marie tu pleures" sans avoir une pensée pour l'ermite barbu du Wisconsin.

Excellent album d'ailleurs. Ceux qui ont apprécié The Flume sur le dernier Peter Gabriel, portez l'oreille: c'est du Bon Iver! Imaginez un Ray Lamontagne (très) dépouillé, ou un Bonnie Prince Billy dans un shack de chasse.

Les joies du vinyle enfin sur digital!!!

2011-02-01T00:33:00.002-05:00

... grâce au formidable plug-in gratuit VST ou DirectShow de iZotope, iZotope Vinyl.

A mettre dans la chaîne DSP de votre lecteur media préféré. Imaginez: vous pouvez même choisir le niveau de "gondolage" de votre vinyle, la quantité de poussière ou l'année d'origine. Qui a dit que le digital n'était pas le fun???

Midnight Cowboy perd son père... RIP John Barry

2011-01-31T17:53:00.001-05:00

C'est le compositeur d'un de mes thèmes préférés, l'inoubliables mélodie de Midnight Cowboy (grand film, grand thème), joué à l'époque par Toots Thielemans. Il a aussi mis en sons les James Bond de la grande époque. Bref, parmi les grands compositeurs du XXe siècle.

RIP John Barry.

Mix tape No 63 - Electro-Crush Vol. 1

2011-01-30T21:30:00.003-05:00

... And now, for something completely different...

001 Flying Lotus - ...And The World Laughs With You ft. Thom Yorke.

Thom Yorke (Radiohead) semble ajouter un surcroît d'âme à tout ce qu'il touche. La meilleure pièce d'un disque électro (Cosmogramma) qui a pas mal fait parler de lui l'année dernière.

002 How to Destroy Angels - The Space in Between

Le véhicule musical de Trent Reznor (Nine Inch Nails) et de sa jolie petite copine. Surprenant!

003 Nine Inch Nails - The Four of Us are Dying

Trent Reznor encore...

004 Faust - Four Plus Seven Means Eleven remixed by Dax & Pieper

Freispiel: formidable collection de remix de titres récents du célèbre groupe krautrock Faust

005 Steven Wilson - Abandoner

L'inépuisable Steven Wilson (Porcupine Tree) a besoin en plus de sortir des albums solos!

006 Steven Wilson - Abandoner [Engineers Mix]

... et de sortir une très belle compilations de remix du même album (NSRGNTS RMX)

007 Björk - Come To Me (Black Dog Mix)

L'indispensable Bjôrk, dans un album de remix de son tout premier album solo (The Best Mixes From The Album-Debut)

008 Faust - Wir Brauchen Dich #6 remixed by Gel- Dave Ball (Soft Cell) & Ingo Vauk

De nouveau, Freispiel

009 Faust - T-Électronique remixed by Mathias Schaffhäuser

.. et de nouveau

010 Infected Mushroom - Smashing the Opponent (feat. Jonathan Davis)

Pas nécessairement mon truc, mais ce titre est assez irreésistible

011 Portishead - Plastic

Un des nombreux formidables extraits du plus récent Portishead.

012 Nine Inch Nails - 4 Ghosts I

Un des nombreux projets récents de Trent Reznor.

013 Hans Zimmer - Dream Is Collapsing

Formidable bande-son du formidable Inception avec le formidable Johnny Marr (The Smiths) à la guitare

014 Air - Brakes On

Un des premiers titres du duo français. Sur Premiers symptômes.

015 Radiohead - Packt Like Sardines In A Crushd Tin Box

Le plus difficile, c’est de choisir! Le titre qui ouvre le sous-estimé Amnesiac.

017 How to Destroy Angels - A Drowning

Retour à Reznor et la sémillante Mariqueen Maadig

016 Hans Zimmer - Old Souls

L'hommage de Zimmer à la bande-son de Blade Runner de Vangelis.

Y'a quelque chose qui cloche là-dedans...

2011-01-27T21:36:00.001-05:00

"We were great," he [Paul Motian] said that weekend, at a Hungarian strudel-and-coffee spot on Amsterdam Avenue. "But look at this - I got one hundred and thirty-six dollars for the famous legendary record, one hundred and ten for the gig, and one hundred and seven for the second record."

- tiré du New Yorker, 13 août 2001

Jeff Buckley Live - Icare noyé

2011-01-26T18:15:00.002-05:00

Pour certains, pour la plupart des amateurs de rock, la musique est un peu morte le 5 avril 1994, lorsque Kurt Cobain, défoncé à l'héroîne et au désespoir le plus noir, a écrit une lettre à son ami imaginaire Boddahn avant de mettre fin à ses souffrances de la manière la plus violente, chez lui, à Seattle.

Mais pour moi, cette mort, prévisible, annoncée, aussi triste fut-elle, ne fut rien à comparer au gâchis de talent qu'a constitué la noyade, 3 ans plus tard, de Jeff Buckley, le 29 mai 1997.

En fait, est-il arrivé pareille tragédie dans le rock depuis la mort de Jimi Hendrix?

Je pose la question, comme ça, en écoutant, abasourdi, le live Mystery White Boy (Live 1995-96)... Un des multiples disques posthumes qui cherchent à combler le trou dans notre coeur depuis que Buckley a piqué une tête dans le Mississipi en chantant Whole Lotta Love, pour ne plus reparaître.

Ricanement de la Grande Faucheuse

Buckley était à Memphis, préparant le successeur à son unique album, l'extraordinaire Grace, paru en 1994, et un des albums les plus parfaits de l'histoire du rock. Comme si la passion d'un Van Morrison, la muse poétique d'un Jim Morrison et l'énergie d'un Robert Plant avaient migré dans un seul corps, celui de cet espèce de Rimbaud californien, chanteur de coffee-shop new-yorkais transfiguré en rock-star dans un scénario qui aurait pu être parfait, s'il n'y avait eu ce stupide accident.

Serez-vous surpris d'apprendre que Buckley brûlait les planches? Son Live At Siné est un témoignage magnifique de son travail solo, intime, celui d'avant Grace. Mais ce Mystery White Boy, malgré ses immenses défauts, c'est la preuve qu'on tenait là une véritable bête de scène rock.

Immenses défauts parce que ce n'était pas des enregistrements destinés à une circulation publique. Le son, préservé sur des DAT, est au mieux correct; mais on reste soufflé par le feu qui habite non seulement Buckley mais son groupe, soudé à son leader. Et si la plupart des pièces de Grace ne sont guères différentes des originaux en studio que nous avons appris à aimer, il y a sur ce live quatre pièces que tout fan de Buckley doit entendre. Deux nouveautés magnifiques, très rock, I Woke Up In A Strange Place (référence à ses années d'errance sur les routes à "dépendre du hasard et des rencontres"?) et la très émouvante What Will You Say, (qui rappelle vaguement le Kasmir led zeppelien, cri du coeur à l'endroit d'un père qu'il n'a vu qu'une fois dans sa vie?)... mais aussi une version presque punk et absolument saoulante de Eternal Life...

Et au final, un Buckley soudain fragile, à la voix peu sûre, presque maniéré, reprend le hit qui lui survivra à jamais, sa reprise du Hallelujah de Leonard Cohen. Et, idée magnifique, il intercale quelques lignes d'une des plus belles pièces des Smiths, I Know It's Over...

Eternal Life, Hallelujah, I Know It's Over...

Les Muses avaient-elles chuchoté à Jeff que son destin serait forcément tragique et sa vie brève?

Icare s'est noyé dans le Mississipi.

P.S. Peut-on interdire gentiment mais fermement les reprises futures de Hallelujah? Elles sont si nombreuses que ça en devient ridicule. J'en ai deux qui se sont ajoutés dans ma collection depuis une semaine (Ariane Moffat, Renée Fleming) et honnêtement que peuvent-elles ajouter? La version définitive existe.

Mix Tape 62 - En Mineur Vol. 2

2011-01-21T15:57:00.008-05:00

80 minutes bien serrées.

Et on pourrait faire un volume 3 sans problèmes.

01 Mercy Rocco DeLuca And The Burden. Superbe disque produit par Daniel Lanois, honteusement méconnu

02 Résident de la République Bashung. L'ultime Bashung

03 Miss catastrophe Biolay, Benjamin. Le play-boy Biolay à son plus acide

04 Tel que tu es Gainsbourg, Charlotte avec le duo Air et Nigel Godrick (Radiohead) à la production

05 Les Invectives Moffatt, Ariane

06 Invente une langue pour me nommer Perreau, Yann

07 Pour Retrouver Le Monde et l'Amour Séguin, Richard: la poésie de Miron, de l'album 12 hommes rapaillés Vol. 1

08 Bo Derek Arthur H: du magnifique Mystic Rumba, dédié à Llhasa. Je tiens à dire, pusique ma blonde me l'a demandé, que je n'ai jamais vu le film-culte Ten. Ni d'ailleurs Bolero. mais il n’est jamais trop tard!

09 Nightingale Rocco DeLuca And The Burden

10 28 jours Karkwa

11 Mad World Michael Andrews Feat. Gary Jules: reprise impressionniste de Tears For Fears

12 Somewhere In Between Kate Bush

13 I Believe In You Black Dub: le groupe de Daniel Lanois, et la formidable Trixie Whitley à la voix

14 Cursed Sleep Billy, Bonnie 'Prince': enregistré en Islande par l'énigmatique Will Oldham

15 Lord Of The Reedy River Bush, Kate: une rareté de Kate Bush, compo de Tim Buckley (oui, le père de Jeff Buckley)

16 Junky Valentine Rocco DeLuca And The Burden

17 Love Is Blindness Wilson, Cassandra: peut-être la meilleure reprise de U2 que j'ai jamais entendue

18 Calling You Buckley, Jeff: enregistrement live de Jeff Buckley, dans un café, avant la célébrité. Reprise du thème de "Bagdad Café".

19 Harvest Moon Wilson, Cassandra: reprise de Neil Young.

Mix Tape 61 - En mineur

2011-01-19T10:49:00.001-05:00

Ça fait longtemps, très longtemps, que je n'ai pas fait un "mix tape"... Avec les serveurs, le "playlist" en constante métamorphose et qui s'adapte en un clin d'oeil à nos humeurs, l'idée même d'un "mix tape" figé pour de bon est devenue complètement obsolète. L'idée de préparer une sélection de pièces, de les cadencer soigneusement, de trouver le point de mixage idéal, de synthétiser 80 minutes de musique spécialement pour une personne a été remplacée par l'échange de disques durs ou de clés USB débordant de fichiers digitaux.

Pour le moment...

Parce que comme tout tourne en rond... un jour, on peut prévoir que le "mix tape" et son parfum suranné d'éternité fera un retour.

Je l'espère en tout cas.

Parce que le modeste "mix tape", qu'il soit sur CD ou sur ruban, c'est un petit moment d'éternité émotive que l'on vent fixer; pour le mélomane non-musicien, c'est sa petite symphonie intime, dédiée normalement à quelqu'un...

Anyway, hier, j'ai eu envie de faire un "mix tape" pour ma soeur. Ma soeur aime la musique en mineur. Au sens musical du terme. La mélancolie du mineur vient pincer une corde intime, la connecte sur un sens enfoui.

Ça tombe bien, moi aussi.

Et comme j'avais envie de lui faire découvrir des trucs, j'ai essayé de trouver des trucs qui lui sont inconnues...

Donc, mon "mix tape" no 61, "En mineur".

01 Air – Playground Love : l'inoubliable thème de "Virgin Suicides". Le son du mellotron, ressuscité par le duo français

02 Smiths, The - Death Of A Disco Dancer: un disque que j'ai beaucoup écouté avec elle

03 Miranda, Holly - Joints: parfums du label 4AD et des années '80, avec la mise en sons du leader de TV On The Radio;

04 Jónsi - Tornado - le leader de Sigur Ros dans ce qu'il fait de mieux

05 Gabriel, Peter - Flume - interprétation fantastique de la pièce de Bon Iver

06 Radiohead - Sail To The Moon (live, NYC) - interprétation dépouillée et troublante

07 Gibbons, Beth;Rustin Man - Drake - le disque en mineur de la dernière décennie, par la chanteuse de Portishead et un membre obscur de Talk Talk, hommage à Nick Drake

08 Moffatt, Ariane - Brain Damage - qui aurait cru qu'on pouvait faire une version "unpluggeed" du grand classique pink floydien? Sur l'excellente bande sonore de "Trauma"

09 Egan, Coral - Breathe - un grand talent montréalais, mis en sons par Charles Papasoff

10 Jorane - Cucaracha - Jorane à son plus troublant

11 Massive Attack - Paradise Circus (feat. Hope Sandoval) - la liste des chanteuses ayant prêté leurs voix à Massive Attack est étourdissante. Cette fois, la discrète et sensuelle Hope Sandoval de Mazzy Starr

12 Stevens, Sufjan - Vesuvius - un extrait du meilleur disque de 2010. Mais que c'est dur à mixer avec autre chose, tellement c'est spécial!

13 Flying Lotus - ...And The World Laughs With You. Le groupe électro de l'heure, avec la voix de Thom Yorke de Radiohead

14 Scott-Heron, Gil - Me And The Devil. Parfums de prison et de descente aux enfers... Gil Scott-Heron restera-il dans la lumière ou retournera-t-il tutoyer le diable?

15 Massive Attack - Saturday Come Slow. L'omniprésent Damon Albarn (Blur, Gorillaz), un créateur inépuisable d'excellentes mélodies.

16 Drake, Nick - River Man. La figure tragique de la musique en mineur, le prédécesseur des Ray Lamontagne, Bonnie "Prince" Billy et de tant d'autres. S'il avait su...

17 De Larochellière, Luc - Un Toi Dans Ma Tête. L'égal de Nick Drake, dans une mélodie si belle qu'on voudrait qu'elle ne s'arrête jamais.

18 Lamontagne, Ray - Till The Sun Turns Black. Baume.

Sur la platine: Cassandra Wilson et son Silver Pony

2011-01-17T16:34:00.005-05:00

Bien sûr, Diana Krall et la perfection de ses conceptions; bien sûr, la fraîcheur de Norah Jones; bien sûr, Madeleine Peyroux, plus Lady Day que Lady Day; et bien sûr, la beauté vocale de Melody Gardot.
Mais se détachant encore du lot, prêtresse voudou distillant les parfums suaves de la swamp des origines, Cassandra Wilson et son hybride delta-blues-jazz-rock-pop...

Je découvre à peine le dernier Cassandra Wilson, Silver Pony, album vocal de l'année 2010 selon le Village Voice, et je suis de nouveau hypnotisé, comme par une blessure fascinante, ou une cérémonie religieuse nocturne, avec un sacrifice vivant qui se balance au bout d'une corde... Il y a quelque chose de si dense dans cette musique, dans cette voix noire, dans cet entrelacs serré de guitares sudistes, de percus... Fascinant.

Depuis Blue Light Til Dawn en 1993, la conception musicale de Cassandra Wilson évolue sans jamais perdre son unicité. Un monde qui se distingue par la préséance des cordes sur les cuivres (pratiquement absents), par un respect du blues du delta sans jamais que la sauce ne devienne stagnante; pop et rock s'incorporent sans peine, les reprises mirifiques de U2, de Hank Williams, de Neil Young et Van Morrisson trouvant leur place sans peine auprès des Robert Johnson et Charley Patton.

Ce Silver Pony est une curieuse bête, mi-live, mi-studio, qui nous offre un aperçu de l'organisation organique de la musique dans un groupe dirigé par Cassandra Wilson; les musiciens, loin d'être des accompagnateurs, sont au coeur de chaque chanson, comme cette guitare bottleneck de Marvin Sewell qui zèbre les ambiances rythmiques denses de la dame. Écoutez cette reprise à la fois trépidante et traînante de St James Infirmary, le long blues de Pony Blues, la reprise imaginative de Blackbird des Beatles, la très belle Watch The Sunrise au finale, avec John Legend aux voix et piano.

Laissant la conclusion au critique FRANK ALKYER de Downbeat:

Silver Pony is a record that begs listeners to suspend notions of what a live recording should be or what a studio recording can be. After a few spins, it doesn’t matter. There’s too much to like.

QUALITÉ SONORE:
Pour ceux qui, comme moi, sont préoccupés par la qualité sonore des albums, dont certains trouvent que les disques de Mme Wilson ont tendance à baver beaucoup dans les basses fréquences, laissez-moi vous annoncer une excellente nouvelle: masterisation (Bob Katz) sans compression dynamique, énormément de dynamique, bel équilibre des timbres: l'esthétisme "live" à son meilleur. Écoutez "Pony Blues", vous m'en donnerez des nouvelles: 21,58 dB d'écart dynamique moyen, et ça s'entend.

MusikLeaks - The Smiths et Kate Bush

2011-01-14T15:54:00.002-05:00

Pendant que Julian Essange et WikiLeaks défendent à leurs risques et périls le droit à la libre circulation des infos sur I'Internet et que les gouvernements et grosses corporatifs cherchent encore la parade à la danse libre qui s'y déroule, des pépites d'or musicales y circulent, plus ou moins confidentiellement, plus ou moins légalement; oeuvres retenues (contre leur gré) par des détenteurs de droits armés d'extensions légales démesurées, à 300$ ou 500$ l'heure...

Ainsi, Noël est arrivé un peu tôt cette année pour les très nombreux "complétistes" des Smiths, un des très grands groupes anglais des années '80, disparus en 1987 après 4 années d'une production frénétique, dont le rythme évoquait furieusement l'éthique des années "60, lorsque les groupes lançaient 2 albums et quelques 45-tours "qui ne se retrouvaient pas sur les albums" annuellement. Un mythique "coffret" sans cesse repoussé. comprenant "singles", "b-sides", prises alternatives, démos et "live" est régulièrement au centre de rumeurs depuis une dizaines d'années. Mais en vain: Morrissey et Johnny Marr ont vécu un divorce artistique brutal, et ce n'est pas la poursuite légale (victorieuse) du bassiste Mick Joyce contre ses anciens partenaires qui allait arranger les choses. Un remastering de leur matériel par Bill Iglot de Rhino n'aura finalement donné qu'une compilation, "The Very Best of The Smiths". Et le coffret, sans cesse remis, toujours espéré, accumule la poussière.

Jusqu'au 19 décembre dernier. Alors qu'un membre anonyme de l'entourage immédiat du groupe (plusieurs chuchotent d'ailleurs qu'il s'agit d'un membre du groupe!) et apparemment exaspéré par l'immobilisme de Johnny Marr a laissé sortir sur Internet d'excellents fichiers "lossless" réunis dans une compilation appelée Unreleased Demos & Instrumentals... on parle d'une qualité sonore tout ce qu'il a de plus professionnel, 16 pistes (y compris deux "originales") qui sont autant de pépites d'or, parfois assez proches des originales, parfois radicalement différentes (Sheila Take A Bow avec de la cithare???), et qui témoignent d'une recherche sonore fascinante. Prises directes de studio, commentaires des membres après les prises, mixages alternatifs... ce n'est pas sans rappeler la fascinante "Anthology" de John Lennon, et pour ceux qui aiment explorer le processus de création des musiciens et les oeuvres musicales sous différents éclairages, voilà un fascinant "bootleg"... Et paraît-il que ce n'est que le tiers de ce qui serait entre les mains du généreux donateur. Peut-être Johnny Marr (dont on peut entendre la céleste guitare sur certaines pièces de la bande-son d'Inception) prendra acte et lâchera-t-il un coup de fil au dandy poète Morrissey, dont la carrière solo continue d'aller bon train.

Plus d'infos ici: http://thepowerofindependenttrucking.blogspot.com/2011/01/mastered-smiths-stereo-demos-outtakes.html

Plus dur à trouver, mais à ne pas rater... le spécial de Noêl de la BBC4 de 1979 avec Kate Bush. La jeune protégée de David Gilmour n'avait que 21 ans mais était déjà une très grande star en Angleterre, grâce à ses deux premiers albums envoûtants et sensuels, The Kick Inside et Lionheart. Mais au moment de cette transmission, la jeune prodige est en pleine transformation: les mélopées "Bröntiennes" et les confidences romantiques de la jeune fille à son piano laissent maintenant place à une exploratrice sonore aussi ambitieuse que raffinée, et ce n’est pas un hasard si les très rock Violin et Wedding List et la superbe Egypt du chef d'oeuvre en gestation Never For Ever prennent une place spéciale dans ce "spécial". On sait la jeune Bush danseuse émérite; vous ne me ferez jamais avouer que c’est son côté que je préfère, même sous la torture, mais dans le genre, le petit numéro de "Them Heavy People" vous arrachera un sourire; "December Will Be Magic Again", qu'on ne trouve que sur son coffret This Woman's Work, est le rappel le plus direct à une pièce de Noël, mais miss Bush le fait à sa manière, assise au piano à queue: très belle chanson.

Mais le moment magique, pour moi, c'est l'apparition de son invité, un tout jeune Peter Gabriel (qui n'a pas 30 ans), à quelques mois du mythique Peter Gabriel (III) qui devait lui redonner sa pertinence artistique sur la scène rock mondiale... Gabriel a cette tronche tourmentée de thanatologue ou d'étudiant en philosophie qui correspond à la période la plus creuse de sa carrière, celle qui suit le très méconnu Peter Gabriel (II), produit par Robert Fripp. Gabriel commence par reprendre le pinacle émotionnel de son premier album, la magnifique Here Comes The Flood, mais à la manière Fripp, c’est à dire avec sobriété et émotion, seul au piano, tel que vous pouvez l'entendre sur l'excellent Exposure de Fripp, et à mille lieux de la symphonique version du PG I (que Fripp qualifiait d'américaine et vulgaire en entrevue).

Plus magique encore, le moment le plus fort du spécial télévisé: en duo, une reprise d'une pièce belle et triste à pleurer, une histoire de vieux couple appelée Another Day. L'oeuvre d'un artiste de folk anglais, Roy Harper (un bon ami de Jimmy Page, comme vous le constaterez en sortant votre copie de Led Zeppelin III). Deux magnifiques interprètes, réunis pour la première fois pour un moment de grâce musical, et qui renoueront sur le Peter Gabriel (III) ("Games Without Frontiers") et So ("Don't Give Up").

Un aperçu, en basse qualité:
http://www.myspace.com/video/vid/6181309

Cette rencontre n'est sur aucun disque officiel, malheureusement. La même pièce est chantée par la superbe Elizabeth Fraser (Cocteau Twins) sur le premier This Mortal Coil. Très conseillé.

Peter Gabriel et Kate Bush seront, pendant quelques années, les deux plus fascinantes bêtes à sons de l'Angleterre, deux âmes-soeurs artistiques qui repoussent les limites de la production "studio" (The Dreaming de Kate Bush est une sidérante exploration sonore que vous devez avoir dans votre discothèque, et hâtez-vous, car tous les Kate Bush sont discontinués depuis peu).

Bref, cette pépite de la BBC, un technicien de la place aurait décidé de la faire circuler sur Internet, dans une excellente copie car le bonheur, faut bien que ça se partage, non? En attendant que la BBC en fasse une véritable édition...

Les pièces:
Violin

Symphony in blue
Them heavy people
Here comes the flood (with Peter Gabriel)
Ran tan waltz
December will be magic again
The wedding list
Another day (with Peter Gabriel)
The man with the child in his eyes
Don’t push your foot on the heartbrake

Sur la platine: JUDAS DYLAN

2011-01-10T16:39:00.001-05:00

Il était une fois le bootleg le plus célèbre de l'histoire du rock.

Il était une fois Robert Zimmerman, alias Bob Dylan, Jésus-Christ juif du mouvement folk, "protest signer" acclamé dès son arrivée sur la scène, successeur auto-proclamé (et surdoué) de Woody Guthrie, qui, bourré aux amphétamines et éclatant sous la camisole de force des bien-pensants de la gauche musicale, décide de briser ses chaînes et de se "plogguer". Il engage un groupe canadien de rock pesant, les Hawks (avec à leur tête l'Amérindien Robbie Robertson) et part en tournée agresser ses adorateurs à coup de décibels électrifiés.

Et ça bardait.

Parce que les adorateurs, reconnaissant dans les guitares électriques la marque d'un AntéChrist musical, n'allaient pas le laisser s'en tirer comme ça.

Cohue, huées, objets lancés, une tournée aux allures de guerre de tranchées.

Lorsque Dylan débarque à Manchester le 17 mai 1966, il commence son spectacle par un "set" acoustique, seul, guitare et harmonica.

Et la différence de ton avec les enregistrements publics de deux ans (The Bootleg Series Vol. 6 Bob Dylan Live 1964, Concert At Philharmonic Hall) plus tôt est sidérante. Même dans le set acoustique. Lui qui était joyeux, sarcastique et moqueur en 1964, est maintenant recueilli, sombre, intense, Dylan nous donne 40 minutes de musique confessionnelle qui présagent les Neil Young et Nick Drake de ce monde de quelques années. Son interprétation de "Desolation Row" donne des frissons, son "Just Like A Woman" est d'une douceur inhabituelle chez lui, lui, le désinvolte suprême.

Mais lorsqu'il clôt cette première partie avec Mr Tambourine Man, on le sent qui mord dans les mots avec dédain, moquerie. Comme s'il regardait ses admirateurs folk dans les yeux et leur jetait quelque chose qui ressemble bien à du mépris.

Juste pour cette première partie, l'édition officielle de ce bootleg vaudrait son prix.

Il me reste à écouter ce qui a suivi, le deuxième disque, le "set" électrique. Lui qui dit Just Play Fuckin' Loud aux Hawks (qui deviendront The Band bientôt). Et un illuminé dans la foule qui rendra ce show immortel lorsqu'il lui hurlera: JUDAS. Un set que certains considèrent comme le meilleur document "live" jamais enregistré dans l'histoire du rock.

Judas n'était qu'un homme qui ne voulait pas être Jésus Christ.

Des nouvelles de Rocco DeLuca

2011-01-06T13:31:00.004-05:00

Son blogue étant resté inexplicablement vide pendant plus d'un an, j'avais cessé de fréquenter les pages de Rocco deLuca...

Rocco deLuca est ce troubadour rock magnifique, artiste du dobro, qui, sous une direction vachement inspirée de Daniel Lanois, a sorti un des grands disques de rock des années 2000, dans une confidentialité presque totale... Oui, dans mon livre à moi, "Mercy" (commentaire ici) se hisse près du niveau du "Grace" de Jeff Buckley... Une musique qui sent la route, l'errance, la poésie, l'amitié et l'amour - les combats inachevés de l'être humain... poésie et rock shootés à l'intraveineuse... Rimbaud californien doté d'un falsetto qui tue.

Malheureusement, la business musicale est dure ces années-ci, comme chacun sait. Comment ce disque a-t-il pu passer dans le beurre, je me le demande. Comment est-il arrivé à moi, je me le demande aussi. Pas de critiques, pas de concerts, et un label qui semble avoir oublié son existence... Ah oui, ma douce, après quelques notes entendues dans un Renaud-Bray, avait compris que j'allais être flipper, et me l'a acheté. Je vous souhaite une blonde qui déniche pour vous les pépites de l'orgie culturelle.

Rocco donc, les poches certainement vides, existe encore. Il tourne confidentiellement, seul... Entrée de blogue d'avril dernier...

in search of quality-

I've been tripping from Kingston to Oakland and a

few stops in between-

i've been collecting image of the villages, cities, and people who i have been fortunate enough to meet- blogging took a brief break because i do not carry a computer with me on my travels - only a few items which include: national, pocket knife, tape, small grab of clothes, book to read, book to write in, and the use of local talents to help document sight and sound-

i have written some words for the true kings, those who are fearless in the face of the conventional wisdom- i wanted to record where history, hope, and the drum lives- producer, engineer and friend Mark Howard aka "Dirty Howard" had done some work in Jamaica and was familiar with a talent from the area who went by the name Dizzle.

(who played along to what could be considered folk songs). The results were worth the trip alone, we felt as if we created a collision of the written word, beats from the ground, and the energy that only an eighty-year-old Duolian can create. The God's were with us-
we recorded the live sessions in seven nights- my friend and gorilla-skateboarding-film-geek Ted Newsome from "Two Headed Horse" decided to come and film the live sessions- along with our trips through Port Antonio, Kingston, and the Blue Mountains. i'm currently going through footage with Ted to let others experience the happening with us. Thank you to Mark and Daniel Lanois for there encouragement with this trip.
-when i arrived back home, as usual, i was a bit restless after having been creating music on a very focused nightly basis. i go through these cold depressions when a thing is finished. I miss the music, the laughs, the coffee, the weed, the water, the soil- i decided to strap my national to the back of my machine and take off for the East Bay for a while. i know i looked mad (with everything i own tied to the back) by the expressions on the faces of people i passed. I had never ridden that far and thought it would be something to see PCH without being in a cage- i stayed with a friend, and explored for two weeks (graffiti is alive and well), which is different from going straight to the show and leaving directly after- i came back down through the central valley which opened into big skies and great distances, so great you feel small, then smaller-
after dropping out of the commercial world i have had to be more resourceful- efficient- raw- however, i have been afforded the opportunity to live amongst those who place quality above the popular-
as a result i will be playing stripped down shows over the next couple of months until we are able to share this next record, which will take a minute to sort out how it will be shared- i've got hope in my veins- my grandma said i might be able to borrow her ride for the tour- i want to see you in your hood-
bless,
rocco

Voilà, je voulais partager avec vous ces mots, directs et simples, de l'artiste qui suit sa route, la seule qu'il connaisse.
Nous sommes souvent durs avec les artistes. Je ne parle pas des gens du show-biz, que j'exècre de plus en plus, je parle des artistes, avec qui nous les confondons souvent. N'allez surtout pas croire que les créateurs de ces galettes que nous faisons tourner négligemment en faisant autre chose n'ont pas payé un dur prix leur talent de composer des oeuvres.

RIP Mick Karn

2011-01-05T09:22:00.004-05:00

Ouf... on veut pas partir une chronique nécrologique, mais rude début d'année.
Quelques heures après Gerry Rafferty, voici Mick Karn, vaincu par le cancer.
Mick Karn, dont la basse ronde, enveloppante, si particulière, a tant fait pour le son de Japan, le superbe groupe synth-rock de David Sylvian.

Écoutez l'ultime album de Japan, Tin Drum, ou encore l'excellent et très méconnu Dance de Gary Numan, et vous aurez la juste mesure d'un musicien qui savait faire chanter et danser sa basse à la fois.

RIP.

Le site de Mick Karn vous offre 70 MB de musique à télécharger gratuitement...

RIP Gerry Rafferty

2011-01-04T18:34:00.002-05:00

Triste, mais le temps passe et emporte peu à peu nos héros de jeunesse.
L'auteur-interprète d'un de mes tout premiers 45-tours vient d'être emporté après une spirale descendante alcoolisée qui s’est étendue sur de longues années.
Vous vous rappelez Baker Street de Gerry Rafferty?
Formidable hit AM-FM, mis en son avec une science qui s’est peu à peu perdue dans le temps. Un solo de sax si populaire qu'onr aconte que les ventes de saxophone ont connu une hausse soudaine à cause de ce hiy!
Le nom de Gerry Rafferty est pour moi indissociable de ma découverte du rock et de la pop musik. Son disque "City To City" fut un des premiers 33-tours de mon grand copain de l'époque, Y.R., et Baker Street jouait, tout le temps, sur toutes les sonos.

D'autres parmi vous reconnaîtrez sa voix dans son tout premier "single", au sein d'un duo avec Joe Egan appelé Stealers Wheel, qui faisait partie de la bande son du Reservoir Dogs de Tarantino, grand amateur du rock façon seventies... Ça s'appelait Stuck In The Middle With You... et ça racontait sur un ton léger une sale moment à endurer un party de l'industrie du disque. Ironiquement, après la séparation de Stealers Wheel, Rafferty devrait se battre pendant trois ans avec l'industrie avant de pouvoir sortir son premier disque solo, le fameux City To City, qui s'accrocherait 49 semaines dans le Top 200 de Billboard.

Je passe la plume à un certain Nick Derisio de l'excellent site Something Else Reviews

Recent reports out of London have Rafferty turning to drink, busking for tips, trashing hotel rooms, suffering from a liver ailment.

No matter. Yearning yet forever young, my old vinyl version of "City to City" is a reverie that will always take me back. Back to "Baker Street," back to teenage dreams of flight -- to a place we could never be found, to a place far away from this town -- but then, importantly, to our inevitable return.

It's appropriate, for me, then that I still must dust off the old turntable -- carefully preserved, yet stored away from my every-day grownup life -- to get there.

Gerry Rafferty takes me full circle.

R.I.P.

Sur la platine: les premiers sédiments de "Little Wing"

2010-12-29T14:19:00.000-05:00

En ce moment, sur la platine...

Jimi, en jeune musicien de session, sur un beau slow rhythm & blues des Isley Brothers, Have You Ever Been Disappointed?... Un beau titre que je ne connaissais pas, bâti sur le patron des plus beaux Otis Redding, et cette tonalité absolument "killer" du jeune Hendrix... De toute beauté...

Quelques minutes plus tard, surprise d'entendre une intro de guitare qui évoque irrésistiblement "Little Wing" sur un autre "slow" de facture plus "Motown", signé The Iceman, qui s'appelle (My Girl) She's A Fox.
Les deux font partie des meilleurs titres du premier CD du coffret quadruple West Coast Seattle Boy du grand musicien.

Je n'ai pas encore exploré ce coffret et ces multiples découvertes, remixages et excavations d’artéfacts sonores, mais ce premier disque, présentant Jimi en tant que musicien de studio, est une brillante idée de Experience Hendrix, la compagnie de la soeur de Jimi, qui "manage" maintenant l'héritage artistique du grand guitariste de Seattle. Allez, on leur pardonne même les étranges remixages des années '80 qui polluent l'excellent Valleys Of Neptune, sortis en mars cette années.

Et on espère une réédition explosive du célèbre concert de 1969 au Royal Albert Hall pour 2011.

J'adore ces coffrets qui nous amènent derrière la scène des albums officiels et explorent tous les sédiments du corpus officiel de grands musiciens. Pour Hendrix, c’est déjà le deuxième coffret, après le formidable Purple Box du début des années 2000. Il y a aussi l'excellent Anthology de John Lennon, la très célébrée Bootleg Series de Bob Dylan.

Si seulement l'art de la réédition pouvait atteindre de tels sommets ici, au Québec.

Pink Martini de Noël

2010-12-22T11:07:00.001-05:00

Commentaire finalement assez acide d'Alain Brunet sur le dernier Pink Martini, best-seller de Noël de l'année auprès des mélomanes bien-pensants...

Parce que Pink Martini est au bon goût musical d’ajourd’hui ce que le Cirque du Soleil est au… cirque d’aujourd’hui. Ce que Gotan Project est au tango nuevo. Ce que Florence K est aux musiques du monde. Juste assez raffiné pour faire se sentir mélomane des dizaines de milliers de personnes qui ne le sont pas particulièrement. Juste assez tolérable pour que les «snobs» ne passent pas trop de remarques méprisantes lorsque ça flotte au-dessus des canapés et des apéros. Juste assez formaté pour se hisser au top des ventes commerciales sans que l’impression de format ne saute aux oreilles.

Vingt cinq ans plus tôt, il faut dire, cette façon de faire aurait été appréciée par des publics beaucoup plus branchés. Aujourd’hui, le grand public adulte à demi mélomane y voit un signe de bon goût, comme c’est le cas pour les émissions de cuisine haut de gamme.

Robert Fripp et les femmes...

2010-12-21T16:15:00.004-05:00

Hilarant "post" suivant un commentaire (fort pertinent) disant que King Crimson et les femmes ne vont pas ensemble.

I find Larks' Tongues in Aspic Part I very useful in terminating relationships with girlfriends.

If they're particularly stubborn, I move up to Part IV.

... de la business musicale, de l'empire Virgin et Mike Oldfield et de la condition d'artiste...

2010-12-21T11:08:00.003-05:00

Faisant un peu de recherche sur les magnifiques rééditions de la 40th Anniversary Series de King Crimson, que je ne peux que vous recommander chaudement comme exemplaire, ce bout du passionnant journal on-line de Robert Fripp...

10.51 Super Audio Mastering, Monks Withecombe, Chagford, Devon.

Our day began with Simon Heyworth, Mastering Master, indicating the copyright violations on theTubular Bells book…

… within the new special release package by Mercury UMG; comparable to our own copyright violations with Island UMG & the Keep On Running Island book. Simon was the co-producer ofTubular Bells & supplied several of his photographs, taken at the time, to Mercury UMG for possible inclusion in the book. Simon’s photographs were used without formal permissions being obtained…

… and Mercury UMG are, Simon mentions, in receipt of his solicitor’s letter.

It would be interesting were the business relationship of the time, between Richard Branson & Mike Oldfield, to be made available to informed public debate. It would be interesting were all the managerial relationships of all the main bands of the time to be made public & subject to discussion. But this is unlikely, often because of gagging orders & other activities that result in this information remaining outside the public arena. However, in his autobiography Mr. Branson explains the necessity of owning copyrights; that is, own the work of other people. And, in that frank account, Mr. Branson gave us a straightforward presentation of one good way to climb to riches: own the work of other people, in addition to owning the fruits of our own labours.

How the transfers-of-ownership of copyright interests took place, generally & historically, historically is worthy of study & reportage. What! I can imagine innocent DGM visitors expostulating.Managements & record companies unwilling to reveal details of their personal & financial dealings! Surely artists have handed over their work entirely consensually & without any undue influence or disproportionate force being applied to them by their managers & record companies to persuade these artists to submit to the distributive justice being dished out? And happy to do so!

What is not in doubt is that Mr. Branson’s Virgin empire was founded on Tubular Bells; that Mr. Branson made more money at the time from Mike Oldfield than Mike Oldfield, has more money today than Mike Oldfield, and has always had more money than Mike Oldfield – dating from around the release of Tubular Bells.

It is interesting that management & record companies always seem to make more money than the artists whose interests they, nominally, represent. The argument that some artists do well may be true; in which case, look at the distribution of income between artist and management, record company, publisher & agency, and then decide who has done well

Well.

Chaque fois que je lis Robert Fripp, je l'aime un peu plus. Et l'image du Négatron lourdingue qui rendait les autres musiciens de King Crimson fou se complexifie joyeusement.

Ce n’est pas par masochisme que Bill Bruford a laissé tomber fortune et gloire pour suivre Fripp dans son odyssée musicale...

Beck et sa semaine de rêve au Ronnie's Scott

2010-12-17T19:06:00.000-05:00

L'année s'achève, et pour les critiques du monde entier, c'est le temps de compiler les albums les plus marquants de l'année, d'en publier la liste et d'en découdre avec les mélomanes et autres exégètes de la scène rock, pop ou jazz... mais pour les blogueurs dans mon genre, c'est au contraire le moment d'un plaisir de glandeur: celui de simplement parler d'albums qui nous ont fait tripper dans l'année, qu'ils soient des éditions récentes ou de vieilles choses retrouvées, des découvertes de retardataires ou des choses sans importance qui, pour une raison ou pour une autre, sont devenues chères à notre coeur et à nos oreilles.
Parmi mes coups de coeur de l'année, indiscutablement, une fois n'est pas coutume, un DVD en spectacle: cette prestation "live" ahurissante de Jeff Beck au Ronnie's Scott de Londres, en 2008.

Ah, Jeff Beck... vous connaissez peut-être l'histoire. Deuxième des trois lead guitarist d'exception (le premier étant Eric Clapton, le troisième Jimmy Page) à s'être développé au sein des Yardbirds (1966), mythique groupe de blues-rock anglais, Beck semblait promu à un succès commercial massif lorsqu'il forma en 1968 le Jeff Beck Group, avec comme "frontman" un charismatique ex-joueur de soccer du nom de Rod Stewart. Mais il apparut bien vite que Beck était un guitariste beaucoup trop excentrique pour se bâtir une carrière de guitar-hero. Le départ de Rod Stewart et de Ron Wood, partis former The Faces, un grave crash en voiture et la mort tragique de Jimi Hendrix amenèrent Beck à réfléchir à ses rapports avec l'industrie et la musique. Sans oublier que la vague anglaise de hard-rock, dont Page est le point focal, le laisse complètement indifférent... Il ne voulait pas ressembler à ça... musicien jusqu'au bout des ongles, et le contraire d'un poseur.

Après un passage à l'ombre, voici Beck qui s'enferme en studio avec le producteur des Beatles George Martin et le claviériste du Mahavishnu Orchestra, Jan Hammer (futur compositeur de l'inoubliable et insupportable thème de Miami Vice), un virtuose des claviers au style absolument unique (jamais vous n'oublierez son son après l'avoir entendu). En deux ans, deux albums de jazz-rock fusion absolument remarquables refont la crédibilité artistique du magicien de la 6-cordes et l'établissent comme le guitariste des guitaristes, le virtuose que les autres regardent avec ahurissement, tant pour sa virtuosité que sa superbe indifférence au succès-à-tout-prix: les albums s'appellent Blow By Blow et Wired, et Beck ne regardera plus jamais en arrière.

La carrière de Jeff Beck s'est donc déroulée à l'abri des modes, des succès trop massifs mais aussi des descentes abyssales et stupéfiées de plusieurs de ses frères de route. Apparitions remarquables de musicien de session (écoutez-le opérer sa magie sur Lookin' For Another Pure Love de Stevie Wonder... et c'est à lui que revient la lourde tâche de faire un tant soit peu oublier David Gilmour sur le meilleur Roger Waters, Amused To Death), tournées distancées, on aurait presque pu l'oublier, le ranger dans les "has been" avec les autres anciens demi-dieux de la scène anglaise des années soixante... jusqu'à cette semaine magique au Ronnie's Scott, un petit club de jazz londonien de 250 places, dédié entièrement au jazz acoustique.

L'idée semble audacieuse à Beck lui-même, qui confie sa nervosité dans une entrevue en bonus sur le DVD, lui qui n'aime rien autant que l'anonymat. Or, l'anonymat, dans un petit club de jazz, n'existe tout simplement pas; le public est à quelques pas, et ce n'est pas le public abruti de stades de rock, dopé aux shows de lumière et aux fumigènes de toutes sortes.

Le quotidien des jazzmen représente pour n'importe quel rocker un défi incroyable. Improviser, bâtir chaque moment de la performance sans autre appui que son âme musicale et ses partenaires de scène... ouf!

Mais évidemment, l'art du jazz, (dérivé de jase... la conversation musicale) est aussi celle de l'écoute, de la générosité, du dialogue... et à notre regard nous est livré des moments inoubliables de complicité musicale entre ce grand musicien et son groupe... d'abord, un évident coup de coeur pour la superbe jeune contrebassiste Tal Wilkenfeld; l'admiration affectueuse que lui témoigne Beck lors de ses sensuels solos (écoutez-la sur Cause We've Ended As Lovers, Stevie Wonder encore) vous remplira les veines... cette fille est "the real thing"...

Ex-membre du groupe de Sting (musicien exigeant s'il en est un), le claviériste Jason Rebello accomplit quant à lui un exploit peu commun: lui qui était un musicien strictement de piano acoustique s'éclate sous nos yeux à triturer ses claviers électriques, créant une personnification de Jan Hammer absolument confondante... Il domine le fameux Scatterbrain de l'époque Blow By Blow avec une sorte de flair dramatique unique... Autre ex-compagnon de scène de Sting, le batteur Vinnie Colaiuta est une machine à rythmes enlevant. Bref... chaque moment de la performance est un plaisir musical total.

Mais évidemment, aussi modeste et joueur d'équipe soit-il, la vedette demeure cet interprète de choc, Jeff Beck... Le regardant imprégner chaque moment de son jeu avec un évident plaisir expressif, créant sans cesse de petits moments de magie, par la sonorité, par l'enchaînement des notes, par la manière sans cesse renouvelée qu'il a de partir en déséquilibre mélodique pour toujours retomber sur ses pattes, par ces moments de pure dérèglement des sens (accord furieux, ou arpèges déchaînés à la limite supérieure de l'instrument) entrecoupés de solis magnifiquement lyriques (Angel) , Beck se révèle d'abord et avant tout un interprète , au sens le plus noble du terme: donnant vie à des mélodies empruntées de la plume d'autres d'une manière unique; un guitariste tout simplement trop personnel dans son approche pour jouer les dieux du stade plus de quelques secondes. Au contraire, authentique jazzman, il n'est que musique, et on devine quel leader inspirant il doit être pour ses partenaires.

Quant à nous, nous sommes, grâce à la magie du DVD, des témoins privilégiés de moments musicaux qui auraient pu disparaître dans le temps.

Qu'il se lance dans un jazz-rock furieux (Scatterbrain), dans les souvenirs de son passé avec Rod Stewart (le fameux Beck's Bolero) ou dans des interprétations plus lyriques (A Day In The Life des Beatles!),le plaisir est constant. Et nous qui ne sommes pas nécessairement fanas de jazz fusion endurons avec patience la présence occasionnelle des obligatoires vedettes invitées (Joss Stone, Imogen Heap, Eric Clapton) n'attendant que le moment de retourner à l'exubérance instrumentale...

Évidemment, je vous le recommande FORTEMENT!

Life is full...

2010-12-17T00:36:00.003-05:00

Life is full of surface noises..
- John Peel

ps pour ceux qui se demandent ce que je fabrique, et pourquoi ce blogue est si désert ces jours-ci, je suis tout simplement en train de redécouvrir ma discothèque, comme ça arrive lorsque vous achetez une nouvelle pièce d'équipement.

Le Metric Halo ULN-2 est le seul responsable.

SUR LA PLATINE, en LOOP: Black Dub - "I Believe In You" Live Off The Floor

2010-12-10T17:21:00.002-05:00

La chasse aux vieux bucks est ouverte!

2010-11-23T08:52:00.000-05:00

Normalement, j'ai vraiment pas grand chose à f... des critiques cinglantes qui permettent à leur auteur d'étaler un humour saignant, sans égards aux victimes. Mais j'avoue que Jeff Dorgay de ToneAudio m'a arraché des sourires sur son tir groupé intitulé: Boomers Beware: Three To Avoid.

This is blues laxative. If this record doesn't make you lose your last meal out of one end or the other, nothing will.

First he killed Genesis. Now he murders Motown. What's next? I shiver to think about what debauchery Collins will attempt in the future.

... as it stands, The Union reminds me of that 60-something guy that finally gets an awesome sports car but is too weary to drive it at the pace it demands.

À ne pas inviter à la même démonstration de Viagra!

Le DIGITAL et les GIANT KILLERS! - Matrix Mini vs Behringer 'Légaremifié'

2010-11-12T16:26:00.007-05:00

Dans le monde hifi, l'expression "giant killer" attire autant l'oeil qu'une immense enseigne néon "Peep Show" sur la Ste-Catherine! Encore plus que "Saint Graal" (qui définirait la pièce audio ultime), le "Giant Killer" (David dans un monde de Goliaths boursouflés à la caisse enregistreuse), attire; c'est cette pièce d'équipement audio qui offre, pour un prix accessible au mélomane normal, une performance audio digne des plus grands.

Car ne nous le cachons pas, l'audio est un domaine épouvantablement subjectif, en même temps qu'un luxe s'adressant au sens esthétique. Bref, un terreau fertile pour snobs de toutes catégories, mythes à la vie dure, fumisterie et tape-à-l'oeil. Et comme nous le rappellent avec une constance de bourdon les membres du forum AudioAtrium, on n'écoute pas avec ses oreilles; les yeux dictent, plus souvent qu'autrement, ce qu'on entend. Vous n'avez pas des palpitations en voyant apparaître sur une pièce magnifiquement ouvragée les DCS, CJ, McIntosh et autres marques de fabriques célèbres? Moi, si! Absolument! Fantasme d'ado non fortuné qui approche aux portes du nirvana hifidéliste dans sa vie d'adulte, et qui recherche de vieux frissons dans sa nouvelle peau? Bien sûr!

La haute fidélité haut-de-gamme coûte cher. Trop cher. La musique mérite mieux que cette structure pyramidale de coûts qui la rend si inaccessible. Alors, les giant killers, c'est évidemment ces pavés lancés dans la mare glauque du maintream audio qui dit que plus on paye cher, plus on s'approche des degrés ultimes de performance dans la reproduction musicale. Les Giant Killers sont souvent Chinois et sont en train de balayer le marché d'entrée de gamme en hifi.

Comme je magasine un DAC en ce moment, quelqu'un m'a gentiment prêté un de ces giant killer: le Matrix Mini. Un magnifique petit DAC aux fonctionnalités pratiquement insurpassables à ce prix vraiment très amical: 325$, livré. Hires (24/192). Entrées digitales SPDif, USB (bridé), AES/EBU, Toslink... Sorties RCA ET balancées (!). Et on parle paraît-il d'un vrai circuit balancé. Circuit d'écouteurs. Contrôle de volume. Sortie digitale. En plus il est beau. Très beau. Comme les Chinois ont une conception assez élastique du droit d'auteur, on pourrait dire qu'ils ont généreusement emprunté le design du Bel Canto. Un DAC qui coûte six fois plus cher. J'ai lu quelque part le commentaire d'un audiophile qui disait qu'ils en avaient aussi emprunté la magnificence sonore. Bref, pourquoi payer 2000$ lorsqu'on peut avoir la même chose à 325$? Très bonne question.

Je n'ai pas le Bel Canto, mais je peux vous parler du choc que j'ai eu en écoutant le Matrix Mini au début! Mon vieux Micromega Stage IV et sa puce TDA1305T ont eu un petit choc, disons-le. Ses diodes rouges ont clignoté de désespoir en voyant ma main approcher de son power supply! Quand on vous raconte que la conversion digitale a franchi des bonds dans les dix dernières années, vous pouvez le croire. En terme de résolution, ça frappe. Détails. Des masses de détails, sous la lumière crue des nouvelles puces (AD1955 ici). N'est-ce pas la première chose que nous cherchons, quand nous écoutons une nouvelle pièce d'équipement audio? Est-ce que j'entends plus? Nous sommes tous des comptables désespérés. Nous voulons de la quantité. En terme de quantité, la Matrix est dure à battre!

Comme base à un beau petit système digital, qu'est-ce que vous voulez de plus? Le contrôle de volume digital (90 degrés!) vous dispense d'un méchant pré-amplificateur. Vous pouvez brancher vos écouteurs. Toutes ces entrées et sorties lui permettent de s'insérer dans presque toutes les configurations possibles, même cinéma-maison. Il est beau. Et le magasin e-bay qui les vend s'appelle coolfungadget. Je suis désolé, mais ce truc ne peut pas échouer!

Alors, pourquoi, après trois jours d'écoute plus ou moins constante, ressentez-vous cette fatigue auditive que vous reconnaissez entre mille? L'impression que dans cette masse de détails, dans toute cette résolution, cette dynamique sans faille, ces basses bien définies, se cache le grain digital, si abhorré!

C'est un peu le supplice de la goutte. Au début, la goutte d'eau est quelque part dans votre champ de conscience, en périphérie, petit irritant secondaire. À l'arrivée, vous n'entendez plus que lui. Son effet est cumulatif. Plus longue la session d'écoute, plus le grain vous apparaît. Y'a quelque chose qui cloche là-dedans. Vous regardez vos câbles, vos enceintes, votre pièce d'écoute non traitée. Allons donc, les reviews disent tous à quel point le Matrix Mini est formidable. Ce ne peut être ça.

Mais oui ça peut. Ça l'est. Putain de grain digital.

Il m'a fallu une longue session d'écoute double pour aller au fond du problème. Il me fallait surtout un point de comparaison.

Vous connaissez legarem? Je ne le connais pas personnellement, mais son nom est relié à plusieurs interventions intéressantes et assez pointues sur différents forums audio québécois. Sa spécialité, si je ne m'abuse: la modification de DACs commerciaux. legarem, me voyant en pleine "quête" audiophile, m'a prêté deux DAC de son cru, dont un Behringer Ultramatch Pro 2496 fortement modifié. Parmi les nombreuses modifications, retenons que tout l'étage de sortie opamp a été éliminé et remplacé par des transfos Jensen. Je n'y connais pas grand chose en électronique, mais dans le fond de mon subconscient, j'ai toujours associé les sorties opamp au fameux grain digital qui me fait tellement grincer des dents. Évidemment, d'autres facteurs entrent en ligne de compte, et les nombreuses modif' de legarem touchent aussi l'alimentation, les puces de réception, les condensateurs, etc.

Au niveau connections, le Behringer legarem me ramène au strict essentiel: entrée BNC, sortie non balancées, prise écouteurs inopérante, LED de niveau inopérant, pas de contrôle de volume.

Je me suis fabriqué un petit playlist audiophile, style nocturne... beaucoup de voix avec accompagnement épuré, un peu de jazz hybride...

Aperçu rapide:

Holly Cole: Don't Wanna Grow Up. Reprise épurée, piano, contrebasse, voix, de Tom Waits.
Cassandra Wilson: Lost. Guitare électrique et voix, une grande interprétation, enregistrement très trafiquoté.
Christian McBride: Spanky. Trio de contrebasses (gauche/centre/droit). Évidemment, un bon test de basse acoustique.
Roger Waters: Perfect Sense, Part I. Bien sûr, un bon test d'image sonore (soundtsage), avec une mosaïque de détails sonores intéressants. Mais j'aime surtout ce moment où la voix de Roger Waters entre en scène. Sur un système transparent, la voix de Waters est là, dans la pièce, à quelques pieds de vous. C'est un de mes tests préférés pour une source digitale.
Jordi Savall / Sainte Colombe: Les Pleurs (Version Viole Seule De Jordi Savall). Sonorité acoustique de viole de gambe, enregistrement hyper-détaillé. Et morceau anthologique.
Bob Walsh: Ma Toune. Performance "live" de Bob Walsh et de sa pièce la plus émouvante. Encore une fois, la qualité de la prise de son de la voix vous donne l'impression d'être sur place. Les harmoniques de guitare sont aussi hyper-détaillées.
Wayne Shorter: Bachianas Brasileras No. 5. Cette interprétation violoncelle-saxo (avec percus en arrière-plan) de la célèbre Bachianas Brasileras de Villa-Lobos est tout simplement superbe et échappe à toute catégorisation. Jazz, classique, musique du monde? Excellent enregistrement en plus.
Arvo Part/Gidon Kremer/Keith Jarrett: Fratres. Quoi qu'en pense Claude Gingras, un grand moment musical, et un superbe enregistrement ECM, impitoyable test sonore.

Dès la première pièce, le problème du Matrix est manifeste, surtout en comparaison du son organique du Behringer modifié. Bien sûr, tous les détails y sont, l'image sonore est précise, les tonalités justes, la dynamique irréprochable, la contrebasse solide. Et pourtant, tout se passe dans la voix. Posons la question simplement. Les moments "being there" abondent avec le Behringer; la surprise d'ouvrir soudain grand les yeux, parce que Holly Cole se pose, à quelques pieds. Le Matrix n'atteint tout simplement pas ce niveau de véracité, parce que l'électronique s'entend: légère sibyllance, un certain grain pas naturel. Comment se traduit cette perte de naturel en termes acoustiques? Harmoniques tronquées, distorsion légère? Aucune idée. Mais l'émotion se niche là, dans ce qui sépare les deux. Le Matrix me fait entendre un enregistrement. Le Behringer, parfois, me fait oublier cette réalité élémentaire. Et l'audiophile est un junkie de ces moments.

Aucune pièce musicale ne permettra autant de distinguer les deux pièces d'équipement la dernière, avec Gidon Kremer au violon et Keith Jarrett au piano. Bien sûr, on pourrait arguer que mon idée, à ce point, était faite, et que dorénavant, mon cerveau confirmerait à tout coup ce que mon esprit avait érigé en vérité. Possible.

Mais Frätres commence par cet enragé de Kremer qui massacre ses cordes de violon avec une passion dévorante. 60 secondes d'une intensité rare, suivie d'un délicat dialogue alors que le violon se hasarde dans les plus hautes fréquences, et que le piano avance calmement dans un paysage de vitrail. Vers la 4e minute, Kremer reprend ses arpèges torturés. Vers la 6e, grands accords dramatiques de Kremer, accords plaqués de Jarrett. Et c'est là que les choses se corsent pour le Matrix. Parce que soudainement, le grain digital mêlé aux fréquences agressives du violon finissent par atteindre vos nerfs. Vous n'écoutez plus la musique; vous crispez vos doigts sur l'accoudoir. Ça fait presque mal. Comme de la craie sur le tableau noir. Ce n'est pas parce que quelqu'un écrit PAIX sur un tableau noir qu'il apaisera sa classe; surtout s'il appuie sur les cordes comme un enragé.

Le Behringer, lui, restera musical. Vous sentirez la passion, l'agression, l'énergie folle du tzigane et de ses cordes, mais vous resterez dans une sphère musicale, et vous serez prêts à poursuivre le voyage.

Et ça, cette capacité à rester musical dans ces extrêmes, définit complètement le Behringer par rapport au Matrix.

Maintenant, il est possible que votre système oeuvre pour biffer cette différence. Roll-off dans les aigüs, et "bloom" exagéré dans les "mid", et peut-être ne sentirez-vous jamais les derniers atomes d'agression de Gidon Kremer dans sa passion mystique. Dans ce monde sonore légèrement diffracté, il est fort possible que le Behringer et le Matrix sonnent pareils. C'est là un choix tout personnel et qui ne regarde que vous.

Mais pour répondre à la question initiale: est-ce que le Matrix est un "giant killer"? Non. C'est une petite merveille de DAC, mais il ne sait pas se faire totalement oublier. Comme entrée en matière dans le monde des DAC externe, magique. Comme deuxième DAC, peut-on faire mieux?

Mais pour une véritable expérience audiophile, c'est un peu court. Juste un peu.

P.S. Autres variables du test:
source: sortie RCA du SPDif Module de Asus pour mobo P5GC-MX 1333 /
Logiciel: J.River Media Center v. 15 (avec Replaygain et contrôle de volume digital) /
Ampli: Atma-Sphere S30 Mk. II /
Enceintes: Nirvana 2-voies haute efficacité

Sur la platine: Paul Bley, le Montréalais qui a ouvert la route à Keith Jarrett

2010-11-01T00:45:00.002-04:00

Je ne suis pas souvent parmi vous ces jours-ci. Ceux qui me croisent sur les forums audios savent qu'entre deux contrats éreintants je prépare plusieurs changements dans ma chaîne audio, et que l'écriture a par conséquent pris la voie de traverse pour un temps. Ce qui m'empêche de vous parler des excellents albums que j'écoute en ce moment, le magnifique et automnal Letting Go de Bonnie Prince Billy (William Oldham de son vrai nom, un auteur-compositeur superlatif et mystérieux, qui a donné à Johnny Cash une de ses plus déchirantes interprétations tardives, l'émouvante I See A Darkness), ou ce magnifique coffret quadruple de Otis Redding, le chanteur préféré de Peter Gabriel (vous ne faîtes pas le lien? Écoutez un après l'autre Washing of the Water de l'archange, puis Try A Little Tenderness de Otis, et vous aurez tout compris sur l'admiration profonde de l'un pour l'autre)...

Enfin bref, j'écoute beaucoup de musique, mais très peu d'albums. Et ce soir, au gré des choix spontanés sur le serveur, rien ne m'a paru plus beau que l'ultime Mondsee Variations de Paul Bley...

Un disque qui, ultimement, me résiste. Difficile, parce que somme, et que moi, je suis plutôt déficitaire. Un peu déficitaire de l'attention, et que ce disque, les Mondsee Varations, demandent toute votre intellect et votre coeur. Somme d'une vie consacrée au piano, d'un Montréalais qui approche les 80 ans (dur à croire) et qui a marqué le piano jazz.

Les plus potineux d'entre vous ont déjà remarqué qu'il partage le patronyme de Carla Bley, la géniale et rouquine arrangeure-compositrice, qu'il aurait rencontré alors qu'elle vendait des cigarettes au Birdland. Presque trop jolie anecdote. Paul Bley a aussi fait ménage avec Annette Peacock, une des femmes les plus fascinantes que vous n'entendrez jamais sur disque. Mettez la main sur X-Dreams, et vous comprendrez que le David Bowie des grandes années la voulait dans son groupe. Mais je m'égare. Encore.

Paul Bley était aux avants-gardes de la révolution free-jazz avec Ornette Coleman, ceci expliquant peut-être cela: cet anonymat relatif dans lequel beaucoup de protagonistes de l'inécoutable mouvement des années soixante sont plus ou moins tombés. Disons qu'on ne les voit pas souvent dans notre vénérable Festival de Jazz.

C'est pourtant au sein de la très respectable et lumineuse étiquette ECM que Paul Bley va tracer un chemin dans lequel pourront s'engouffrer à sa suite plusieurs générations de pianistes, Keith Jarrett en tête. L'étiquette était toute jeune, on est en 1971, le pianiste n'a pas encore 40 ans et il offre, avec Open, To Love, 43 minutes de piano solo, sans cadres, sans swing, juste la liberté de créer des paysages rythmiques et sonores qui seront la quintessence du label plus tard. La présence de compos de ses femmes (dont la magnifique Ida Lupino de Carla Bley) ne nuit pas. Le Facing You de Keith Jarrett allait suivre peu de temps après, et ECM ne regarderait plus jamais en arrière.

Bley non plus, qui ne renouvellera à peu près jamais le cadre du piano solo, laissant le chant (sic) libre à d'autres. Jusqu'à ce disque. Les Mondsee Variations. Enregistré en 2001, lors d'un Festival en Autriche, pour ECM justement... Voyez,ça fait la boucle. Les Mondsee Variations sont 10 impros et 55 minutes de piano solo qui renvoient, comme un miroir, l'écho de son Open, To Love, avec sans doute moins de lyrisme et plus de méditation, plus de questionnement métaphysique, de silences abstraits et d'emportements genre fin-de-vie. C'est pas une oeuvre facile. Ce sont dix pierres polies par une vie au piano, à exprimer la gamme des émotions compliquées qui nous traversent et des peurs métaphysiques qui nous envahissent.

Et on pourrait causer longtemps, comme j'ai tendance à le faire sur ce blogue. Mais ce soir, quand la 10e Variation a joué sur mon serveur, au milieu de plein d'autres choses, c'était comme le moment, pour que ça connecte, pour que chaque note, chaque jeu sur le temps, chaque tressaillement des touches me parle... me fasse sentir la mortalité, les amours fatigués, et l'automne qui fait comme une huile grise sur nous. Comme si la BP nous avait pissé dessus. Un dialogue croisé entre deux êtres reliés par le fil ténu d'un CD rippé. C'est fou ce que la musique peut faire.

Est-ce que c'est beau, ce disque? Mets-en que c'est beau. Mais c'est la vraie beauté: pas l'aguicheuse, ni la romantique. C'est la beauté minérale de l'âge. Et elle est pas toujours facile à aimer.

Let's talk about WAF...

2010-10-25T00:38:00.001-04:00

Les blogues sont-ils l'aventure littéraire la plus extraordinaire depuis l'invention de l'imprimerie?
Surfant sur la toile sans véritable but, voici un blues, sur un blogue croisé au hasard... http://twogoodears.blogspot.com/

Let's talk about WAF: when I showed the two ways system pixes with the kilim, now in my studio;-), she also moaned about... "we were happier" or "I was able to keep plants in music room"... and, sadly, she was right!

The tears, sincere, came as I well remembered that years... yes, I already was VERY fond of music and audio, ONLY younger, having regular sex and sport - Crosscountry skying, Rollerblades, bike three-four times a week and offroad motorbiking, every weekend, doesn't matter winter or summer, after job... also playing a lot with friends, at least one time a week.

Now, twenty or so years after, ALL is reduced: the above and my savings which shortened due to heavily investing in audio, more and more, as a never ending story.

Only dimensions of my audio system increased...

Why? I have several friends who had completely similar experiences than mine... WHY do we ALL get nuts?

Feeling fine with a 50hz-15Khz system - more or less the ears average hearing capabilities - or trying to copycat bats and their hearing;-)?

Going (someway) further and further, needing to go "beyond": is it in DNA or is it (a sort of) illness?

Bob Dylan wants you to embrace mono

2010-10-19T21:18:00.002-04:00

Les remix de GENESIS: des commentaires fort intéressants

2010-10-16T14:09:00.002-04:00

On aime bien Blogger comme éditeur de blogue, mais faut admettre que ce n'est pas le plus puissant, ni le plus facile à configurer. J'aimerais bien savoir comment mettre les "Commentaires" les plus récents bien visibles, sans égard à quel article les a motivés.

Toujours est-il qu'il y a une série de commentaires très fouillés sur les remix stéréo de Genesis que j'ai commentés il y a un bon bout de temps. Si ça vous intéresse, je vous invite vraiment à les lire, parce qu'on a affaire à un vrai spécialiste de l'oeuvre du groupe.

http://fredhammersmith.blogspot.com/2008/02/massacre-la-tronconneuse-genesis-remix.html

SUFJAN STEVENS: RÉVOLUTION?

2010-09-29T01:30:00.001-04:00

Si vous fréquentez quelque peu ce blogue, vous savez déjà que j'ai un amour sans bornes de la musique. Que c'est pour moi une plongée extraordinaire dans l'âme humaine, dans ce qu'elle a de plus créative, de plus enthousiasmant. C'est pas mêlant, on écoute la musique et on se dit qu'il y a de l'espoir pour l'espèce humaine.

Pourtant, après peut-être 35 ans d'écoute musicale active, il faut bien l'avouer, notre intérêt devient plus... académique? La musique et notre âme sont ce vieux couple, pleins d'habitudes, de rituels, de conventions, et parfois on soupire après nos frissons d'adolescence, alors que tout ce monde était nouveau pour nous.
Notre oreille s'aiguise, mais alors qu'on voudrait se laisser toucher plus profondément, on n'y arrive pas. Car voyez-vous, 35 ans d'albums, ça vous laisse des sédiments dans l'âme auditive, une sorte de croûte épaisse qui ne se laisse plus transpercer très facilement.

Disons-le plus simplement: on ne se laisse plus beaucoup surprendre.

Ah! Entendre A Day In The Life de nouveau pour la première fois! Planer au son de The Great Gig In The Sky après avoir décollé en orbite autour du Dark Side of the Moon. Prendre un pouce la nuit entre deux ville et entendre Glassworks une première fois, hypnotique, obdésant. Le solo de Hackett dans Firth Of Fifth, quelques notes de pure feelin', quelque soit le sens de ce mot qui ne veut rien dire, mais qui veut tout dire. Sunday Bloody Sunday, la voix de Bono, la guitare de The Edge. How Soon Is Now et la voix torturée de Morrissey. La voix de Björk. Bref... voyez le topo.

La dernière fois que j'en ai pris plein la gueule, c'est, comme plusieurs autres personnes, en 1999, quand OK Computer m'a fait sonner les tympans. Onze ans depuis. Onze ans, c'est long. Pas mal de nuits à revivre de vieux frissons! On les approfondit peut-être; en réalité, on en creuse le même sillon qui s'émousse peu à peu.

Combien de fois le rock peut-il encore se réinventer? Combien d'albums ont vraiment changé les règles du jeu? Synthétisé leur époque et indiqué, par une approche novatrice de la production, du songwriting et de l'interprétation, la voie à suivre? On rêverait de revivre les première écoutes de Sgt Pepper's en 1967, ou de Dark Side of the Moon en 1973.

Longue intro. Plus fort que moi. Fast-Forward. J'aimerais déjà être le 12 octobre. Pour voir comment le monde va accueillir l'ahurissant nouvel album de Sufjan Stevens. Pour voir le Jour 1 de l'âge de l'Adz.

Car rien ne nous a préparé à ça. Ni son formidable Come and Feel The Illinoise (#1 de l'année 2005 sur le site qui collige les critiques du monde entier Acclaimedmusic), 2e tome de son ambitieux (et avorté) projet de réaliser un album par état américain, ni même son excellent EP (60 minutes quand même!) All Delighted People, sorti il y a à peine un mois.

J'avais pour projet de vous parler de ce EP, justement. Deux semaines que je mijote le texte dans ma tête. Des brides de phrase me venaient et repartaient. Je voulais vous parler de mon affection totale pour ces 60 minutes de folle équipée. Vous parler de ce foisonnement d'idées folles d'arrangements qui font tanguer le bateau ivre de la pièce d'ouverture pendant 11 périlleuses minutes (et qui ont semble-t-il dégoûté une certaine Laura Snapes du New Musical Express, qui a écrit une critique assassine sans trop s'attarder au reste)... un peu comme ci le créateur génial - mais avec quelque chose d'indiciblement juvénile de Illinoise - avait pris du coffre, de la confiance et pas mal de ganja depuis cinq ans. Je voulais vous parler des trois merveilleuses ballades folk au coeur du EP, au mélodisme magnifique, épuré, avec des arrangements d'une délicatesse et d'une beauté comme il s'en entend peu. Je voulais parler de cet art mélodique précieux, qui n'a rien à voir avec celui d'un McCartney, génie de l'air qu'on retient; ce sont plutôt des thèmes qui se prêtent à la transformation, la variation à l'infini; les pièces s'étirent, les thèmes sont répétés, triturés, psalmodiés, suggérés... jamais ils ne lassent, car ils sont servis par les transformations infinies d'un alchimiste génial.

Je voulais surtout vous parler des solis de guitare complètement tordus qui électrisent le disque; surtout, surtout ceux des 17 minutes hallucinantes de Djohariah, une élégie incroyablement émouvante à sa soeur Djohariah et aux mères seules en général, qui clôt le disque. Tour de force qu'il est difficile de décrire: faut le vivre (magnifique essai sur la pièce ici)!

Alors, oui, je voulais vous causer de tout ça. Jusqu'à ce matin, alors que dans ma boîte aux lettres électronique, je reçoit de Asthmatic Kitty (le label de Stevens) un lien vers le nouvel album, The Age Of Adz, en vente chez tous les bons disquaires à compter du 12 octobre. Devant les kilomètres (nombreux) qui m'attendent, et les inévitables bouchons montréalais, je télécharge, grave... démarre.

J'en ai pris plein la gueule. Une fois. Deux fois... Trois fois. Trois fois 80 minutes. Je ne fais plus ça. Pas à mon âge. Pas dans cet agenda fou. Jamais je ne m'astreins à écouter le même albums trois fois de file!

Hypnotisé. Submergé, noyé par ce torrent d'images sonores, de réfractions électroniques, de grooves lourds nappés de choeurs féminins, de glissando de violons, et toujours ces nappes de bruits électroniques qui rebondissent dans tous les sens. Collage après collage après superposition. Une oeuvre en dizaines de couches qui ne cessent de se métamorphoser, presque libres de gravité, et pourtant; centre de gravité il y a: c'est à la 3e écoute que j'ai vraiment entendu ce que je craignais manquant, les mélodies. Des thèmes à la Sufjan Stevens. Des mélodies qui supportent la répétition à l'infini.

Si le EP était toutes guitares électriques (ou électroniques?) sorties, le LP, lui, est un encyclique de l'électronique. Et du multi-pistes. Autant Sgt Pepper's ne pouvait naître qu'avec la magie du studio des ingénieurs d'Abbey Road et que Dark Side fut l'apothéose d'une certaine conception du son (même studio d'ailleurs!), autant l'Age of Adz appartient à son époque, celle de l'édition digitale à l'inifini, du collage, des fragments atomiques séparés et réassemblés. Chaque pièce est un voyage sonore, et on ne sait jamais vraiment où on va. Ce disque est du délire.

Et il y a les pièces, qui se cachent derrière tout ça. Référence directe à Kid A et aussi à Nine Inch Nails dans Too Much, probablement la meilleure pièce du disque, avec un bridge instrumental absolument merveilleux, qui m'a pris à la gorge dès que je l'ai entendu, et qui se met à gagner en intensité sans que vous vous en rendiez compte; c'ets ce que je veux dire par être surpris.Off guard. Au moment où je l'ai entendu, j'avais la conviction de ne jamais avoir entendu rien d'aussi beau. Ce qui est ridicule, bien sûr. Sauf que c'est là le pouvoir de la musique qui vous transperce soudain: de vous faire vivre le moment, totalement.

Je pourrais parler de la beauté poétique de Vesuvius. Je pourrais en tartiner des pages encore. Je vais couper court un peu.

Il y a, en clôture, 25 minutes qui viennent faire culminer les 50 minutes d'ascension qu'elles précèdent. Je ne sais pas si Impossible Soul a le souffle pour devenir le Supper's Ready d'une génération électro éclatée. Mais ouvrez grand les oreilles parce que des épopées musicales comme ça, il n'y a plus grand monde qui semble vouloir se donner la peine de les construire. J'étais déjà convaincu d'écouter un grand disque avant ça, le premier grand disque de la nouvelle décennie. Mais après avoir entendu cette suite, je me demande si on n'est pas devant une révolution sonore et musicale, annoncée par les Animal Collective, TV On The Radio et autres explorateurs sonores d'aujourd'hui. mais l'âme en plus.

Vous vous devez de prêter l'oreille. Parce qu'un disque comme ça, c'est rare.

Cratère sur ma rue

2010-09-25T07:35:00.001-04:00

Depuis un mois, il y a un gros cratère noir dans ma rue.
C'est comme une nuit qui s'est trouvé une résidence, juste de l'autre côté de chez-moi, là où j'aimais niaiser, niaiser le temps quant il tire sur ma laisse.
Ma fille et moi avions passé une matinée ensoleillée ensemble. Match de soccer, où elle avait marqué, café et chocolat chaud au Starbuck, petite saucette au pet-shop; ma fille est une vraie libellule, et y'a rien comme se promener avec elle au soleil, ça vous fait des ailes de vitrail qui vous éblouissent et vous étourdissent. Et puis on est entré se reposer un peu. Après tout, c'est samedi.
Mais du salon, ma libellule m'a lancé un cri inquiet.
Papa, y'a deux policiers armés qui sont rentrés chez Pierre.
Ma petite regarde souvent de l'autre côté de la rue. Inquiète. Inquiète pour Pierre.
Une autre voiture de police. Une ambulance. Fuck. Pierre vient de tomber dans le trou noir.
Je sors, en ordonnant à ma petite de ne pas bouger. L'ambulance se met de reculons dans l'entrée. Les policiers ont rangé leurs guns. Le dispatch au 9-1-1 a eu peur, parce que la douce de Pierre était incapable de parler au téléphone, alors que Pierre venait de tomber dans le cratère.
Mon pote sur un stretcher.
Les sirènes qui nous cisaillent les oreilles.
Ma voisine me fait un signe sans équivoque.
Mon pote ne remontera jamais de ce trou-là.
Et depuis ce jour, le cratère, de l'autre côté de la rue. Impossible de ne pas le regarder, ce trou qui s'est invité.
Alors Pierre, est-ce que tu l'as revu, le film de ta vie à l'envers? Quand la Grande Faucheuse s'est penchée à ton oreille et t'a dit: Arrête, je t'amène avec moi, tes souffrances sont finies... as-tu eu le temps de tout goûter à nouveau, une dernière fois? L'amour de ta douce, les joints de la fin - pour alléger tes souffrances écoeurantes - la pancréatite, le coma et la résurrection... et puis les années d'avant, avant que je te connaisse, la grosse vie, les mauvais compagnons, la bouteille un peu trop tutoyée, la soirée folle qui s'est terminée dans un lampadaire pour une certaine célébrité parmi vous, les vinyles détruits par une douce qui n'était pas si douce, et ce joint partagé avec un certain apache-black aux doigts interminables et au talent prodigieux à Woodstock... cette partie de touch-football chez ton ami Laporte, une heure avant qu'un commando ne vienne détruire une famille, un homme et tout espoir de la gauche québécoise... les années soixante... et avant ça, l'enfance turbulente... il y avait encore, dans les derniers jours, dans la morsure imbuvable du mal, un grain de malice d'enfant turbulent, accroché dans ton sourire... Gamin jusque dans tes derniers retranchements.
Pierre n'a pas eu une vie monotone.
Ça crée un trou encore plus grand.
Une des dernières soirées passées ensemble, on l'a passé à jouer de la musique ensemble, entre non-musiciens, avec nos douces, les joints de la compassion (pas le Club, il venait d'être fermé par les intégristes bien-pensants) et le héros de Pierre, celui qui l'a aidé à passer à travers les dernières semaines, Santana... Soirée de canicule dans cet été de canicule. Le doc lui avait dit: Passe un bon été, pis on se revoit en septembre... On va t'arranger ça en septembre...
Le temps s'est arrêté en août.

Sur la platine: les couleurs et le temps rythmé de Debussy

2010-09-12T23:42:00.003-04:00

Il y a un âge où on aime les choses floues, les choses qui réverbèrent, les chromatismes acidulés, le sol informe, la neige glacée, la nuit très noire et le temps élastique. Moi, c'était du temps de mon CEGEP. Le monde avait à cet âge quelque chose de poétique qu'aucune merde du quotidien ne pouvait achever; elle pouvait seulement lui mettre une cape mélancolique, une sorte d'aura émotionnelle douloureuse pas complètement détestable. C'est qu'on les ressent drôlement, les choses, à ces âges-là!

Et donc, c'est dans cet âge et dans cette ouverture de la tête et des oreilles, qu'un jour, entrant chez Musique d'Auteuil à Québec, j'entends pour la première fois les Préludes de Debussy, joués par Arturo Benedetti Michelangeli (juste le nom, ça en jette, hein?).

C'est au même âge que j'ai découvert Philip Glass, Erik Satie, Terry Riley, un tas d'autres choses. Alors, les Préludes, leur espèce de précision et d'élégance raffinées de haïku, leur liberté rythmique, le jeu constant des dynamiques et des tons, l'espace réverbérant que leur a ciselé les ingénieurs de Deutsche Grammophone, tout ça ne pouvait que me plaire, que dis-je, me faire planer.

J'ai toujours retenu ce nom, Michelangeli. Et lorsque, quelques cycles de vie plus tard, j'ai finalement acheté le cycle complet sur CD, je m'attendais à retrouver le même monde étrange de "cathédrale engloutie", de "pas sur la neige" et de "vent dans la plaine" (tous les noms très mallermiens de Préludes).

Mais le temps avait passé, l'âme pris quelques baffes et l'époque n'était plus vraiment à l'ouverture devant les miniatures informes dessinées par le piano trop raffiné de Debussy, ce génial coloriste de l'ivoire. Qu'est-ce que je me suis ennuyé à essayer de retrouver cette magie... Le monde de Debussy, d'informe, était devenu opaque, inconsistant, comme si je la voyais à travers une vitre sale.

Maintenant, expliquez-moi ce mystère, typique de la vie de mélomane. Ce soir, j'ai eu envie de les écouter ces Préludes. Une impulsion. Une humeur. Un délestage de tout ce qui est logique, efficacité. J'ai redonné le piano à cet Italien au nom grandiloquent, j'ai fermé les lumières, les tubes, qui réchauffaient depuuis trois jours, avaient finalement une raison de le faire.

Et soudainement, Les Préludes ont retrouvé leur touche cristalline. Leur beauté chromatique, leur poésie rythmique. Même les noms ne sonnaient plus aussi ringard. Les sons et les parfums tournent dans l'air du soir. Pourquoi pas.

Ce doit être l'automne qui approche. L'été s'achève. Si vous êtes jeunes, c'est un peu la mort des amours estivales. Si vous êtes un peu plus vieux, c'est le deuil de voir vos enfants quitter un peu plus le monde si incroyablement magnifique de l'enfance.

En tout cas, ce disque magique mais à la beauté subtile, je vous le recommande. Prenez le temps. Il va peut-être se dérober à vous la première fois. Mais il ne le fera pas tout le temps.

(Et pour me faire pardonner cette digression tout à fait informe, [sans doute dans le ton de Debussy, génie en moins!], quelques infos sur Michelangeli qui semble être tout un pistolet! Tiré de site http://sostenuto.piano.free.fr/A.B.Michelangeli.html

Arturo Benedetti Michelangeli est né le 5 janvier 1920 à Brescia (Italie) et mort le 12 juin 1995 à Lugano (Suisse)

Le personnage de Michelangeli prêtait souvent à des controverses. Il était souvent considéré comme un être fantasque, prêt à raconter toutes sortes d'histoires à son sujet. Il se déclarait notamment le descendant de Saint-Francois d'Assise. Le mythe qui tourne autour du pianiste, la rumeur, et la fascination ont pendant près de 50 ans attisé les foules du monde entier et ont fini par créer une icône qui n'avait pas toujours un lien avec la réalité. Michelangeli poss&eacutedait un charisme envoûtant grâce auquel il subjuguait son auditoire.La force de séduction du pianiste n'est plus à démontrer et le côté paradoxal du personnage réside dans son &eacutetonnante attitude vis à vis du public et de la presse. Particulièrement froid, distant et résérvé, la critique est exécrée par cet homme hautain et si sûr de lui. Mais il déchaîne les passions, on le trouve si fascinant. Michelangeli n'aimait pas divulguer sa vie privée.

Pourtant, on sait qu'il a donné son premier récital à 5 ans, qu'il a obtenu un diplôme de piano à 13 ans, et qu'il a même suivi des cours de médecine pendant 5 années sans jamais obtenir le diplôme. En 1938, il participe à un concours de piano à Bruxelles dont le jury comporte quelques personnalités du monde musical comme Artur Rubinstein. Michelangeli y sera classé en septième place et l'histoire raconte que Rubinstein lui-même a contribué à rétrograder le pianiste italien. Mais en 1939, c'est la consécration. La célèbre expression de Cortot qui suit la victoire de Michelangeli au Concours de Genève "c'est le nouveau Liszt, il rend le piano plus fluide !" le porte en triomphe et l'annonce comme l'un des plus éminents ambassadeurs du piano transalpin. Son interprétation des Préludes de Debussy reste une référence en matière de contrôle des masses sonores, d'analyse des phrases, de perspective impressionniste.

Sviatoslav Richter, qui n'avait pas le compliment facile, le jugeait "Incritiquable" tant son approche de la musique lui semblait profonde.

Meilleur que OK COMPUTER???

2010-07-28T21:05:00.003-04:00

Dans le genre hyperbolique, on peut difficilement faire mieux aujourd'hui...

La BBC vient de faire une critique dithyrambique du nouvel opus de nos Arcade Fire...

Lisez la conclusion:

it’s important to remember that Arcade Fire’s journey from underground obscurity to chart-topping acclaim has been at a trajectory decidedly different to many a music industry heavyweight, more happy accident than orchestrated intent. Emerging from a previously unexplored beyond, their story has always been theirs alone to tell. And The Suburbs is their most thrillingly engrossing chapter yet; a complex, captivating work that, several cycles down the line, retains the magic and mystery of that first tentative encounter.
You could call it their OK Computer.
But it’s arguably better than that.

Si cette conclusion s'avère justifiée, il sera permis de parler de Arcade Fire comme du groupe rock anglo-saxon le plus important des années 2000.

Dylan mono... WOW!

2010-07-27T23:51:00.001-04:00

Par contre, pour faire contre-poids au billet aigre-doux précédent, reconnaissons à Sony leur travail pratiquement impeccable concernant l'héritage de Bob Dylan. On parle de la magnifique série Bootleg Series, bien sûr. On parle des rééditions exemplaires sur SACD. Et maintenant, un an après les Beatles, on parle d'un coffret mono pour l'automne.

Each album in “The 8-CD set of Dylan’s earliest albums in mono” will have a paper sleeve and the set will be in a slipcase, with a booklet, including liner notes by Greil Marcus. The albums will be from “Bob Dylan” to “John Wesley Harding” and it is believed that all are being freshly mastered for this release, using first issue copies of the mono LPs for reference, in order to ensure that they get the sound to match that on the albums when they were first released. Back at that time, albums were principally mixed for mono release, with less care and attention being paid to the stereo mixes, and many collectors prefer the mono versions. None have been issued officially on CD in mono before, although mono bootleg CDs are not unknown.

http://www.bobdylanisis.com/Dylan%20Digest.htm

Ah, si seulement, maintenant qu'il en assurent la garde, l'héritage de Hendrix pouvait hériter du même respect...

Hires or not hires: ou comment l'industrie du disque se tire dans le pied 123e partie

2010-07-27T22:41:00.002-04:00

Ah je les adore...
Aux premières lignes des geignards anti-Internet.
L'industrie du disque.
Oui, oui, cette industrie incapable de gérer son hallucinant patrimoine culture avec ne serait-ce qu'un peu de discernement;
cette industrie qui n'a jamais hésité à tromper sa force vive, les musiciens, et son sang, les mélomanes.

C'est sur un fil de discussion de l'excellent site Computer Audiophile
et il y est question de la version haute résolution de Love Supreme, le chef d'oeuvre de John Coltrane, apparemment restaurée à partir des élusives bandes maîtresses originales, sûrement un des items les plus mythiques de l'histoire du jazz.

Toujours est-il qu'on y apprend que le site de fichiers digitaux haute-résolution HDTracks a dû faire tout un ménage dans sa discothèque, après que l'ingénieur de son Bruce Brown, qui prépare les conversions SACD => FLAC, ait découvert qu'une partie non négligeable du catalogue SACD était de faux fichiers haute-résolution.

Bruce at Puget Sounds, who does the transfer for HD Tracks from SACD, has said that they have recently realized that many SACDs are derived from 24/44.1 masters that are simply upsampled to 88.2 for SACD production. Apparently this is very common in the SACD catalogue.

Le clou de la nouvelle, c'est la ratio. Car après vérification systématique d'un grand nombre de SACD, quel ratio de faux l'ami Bruce aurait-il découvert?

Dîtes un nombre, allez!

Et si ce n'est pas le chiffre le plus élevé, vous vous trompez!!!

Incroyable!

Vélo dans la canicule, Arthur H et Jonsi en sono

2010-07-11T11:56:00.001-04:00

Mystic, Pigeon Hill, Québec (11 juillet 2010)

Share your bike routes @ Bikely.com

C'était une ride délicieuse au couchant. Point de départ: le magnifique petit village de Mystic, niché dans un coin retiré près de Bedford. Sur la sono, une drôle de bibite: le premier disque solo de Jonsi, chanteur de Sigur Ros.

Je ne connais pas beaucoup les Islandais Sigur Ros. Je les assimile au courant post-rock, genre Godspeed U Black Emperor, en version plus légère, plus lumineuse. À cause, entre autres, de cette voix elfique étrange de Jonsi.

Les Islandais sont des drôles de moineaux paraît-il, vivant des journées de plusieurs mois, férus d'art la nuit, de plein air le jour. Ça ne peut créer que des esprits libres, à la Björk, pour moi l'artiste majeure des 20 dernières années en musique pop. Eh bien, à l'écoute de son disque, on ne peut que conclure que JONSI est aussi un esprit libre, vivant carrément sur une autre planète.

Son premier disque est un curieux mélange de batterie à l'avant, martelant les rythmes, de cette voix falsetto forte et d'arrangements tantôt flyés, tantôt grandioses. On croirait par moments un Hobbit monté sur ressorts, avec un côté sucré halluciné, et par moments un volcan en lente éruption, comme dans le sublime Tornado.

Je vous dis pas l'effet de cette musique sur une petite route de campagne vallonnée, avec le soleil couchant qui vous aveugle et un héron perché là-haut sur son arbre, qui regarde pensivement St-Armand et qui se demande à quoi peut bien penser Foglia à cette heure-là.

Une fois l'effet de surprise des deux premières pièces passées, on se laisse gagner par cet univers singulier, qui ne semble référer à rien d'autre qu'à ses propres lois. Jonsi n'est pas facile à prendre au premier abord. Et il est inutile de l'écouter sur une chaîne haute-résolution, le mastering ayant opéré un petit massacre sonore. Mais c'est un créateur pop en train de jeter les bases d'un son si singulier que vous pourriez bien le mettre en boucles pour les moments ultra-lumineux.

Et il vous faudra que je vous parle de Mystic Rhumba, le bien-nommé disque solo piano-voix de Arthur H, dédié à Llhasa, que j'écoute en quittant Mystic (ce qui n'était pas du tout planifié) et qui, dans ses 4 premières pièces, touche trois fois au sublime... Ce diable d'homme, ce saltimbanque de l'émotion, ce Tom Waits dégingandé et si français, peut parfois trop en mettre, parfois trop nous la jouer bizarre. Mais quand il nous fait un Nancy et Tarzan, un Bo Derek, quand il chante les femmes, la beauté, de sa voix rauque un peu tout croche, seul au piano, dans un château plein de chandelles et pensant à notre dolorosa disparue (conditions réelles d'enregistrement du disque paraît-il), ben que voulez-vous, c'est si beau que j'en ai le coeur qui se serre et que je chante (très faux et très fort) par-dessus. Je suis ton Tarzan, ton Zorro, ton cow-boy, ton zéro, ton grigi, ton bad boy, ton Spider-man, oui, Nancy...

Et dans ce cas-ci, le son est fantastique Audiophile.

Original Master Tapes... Or Not? (The Sequel)

2010-07-08T21:14:00.004-04:00

Eh bien l'expression "From The Original Master Tapes" est appelée à devenir obsolète. Car si Audio Fidelity eux-mêmes ne l'emploient plus, qui le fera?

J'ai employé une expression un peu forte pour décrire le récent imbroglio de AF, pris, disais-je, "la main dans le sac" pour emploi de "dubs" pour la création d'une édition audiophile de Simon & Garfunkel. Eh bien, la controverse qui a fait rage par la suite a amené l'étiquette à retirer la mention de ses célèbres rééditions. Et c'est celui par qui l'expression a été consacrée, l'ingénieur de son Steve Hoffman (célèbre pour avoir retrouvé, au milieu d'un fatras de rubans oubliés, la véritable bande maîtresse de Highway 61) qui nous recommande de ne pas en faire trop de cas. Dans une véritable partie de ping-pong avec les visiteurs de son forum, il explique la décision de Audio Fidelity ainsi:

The artwork is done in advance, way, way, way before mastering. That is why AF took off all disclaimers in the first place. It's just not possible to look into the future while typesetting, sorry. (...)

How many times can I tell you guys that the art is printed long in advance? Then, it needs to BE APPROVED by the major record label. That usually takes MONTHS as well. They have the last word on what is to be printed. Do I gotta spell THAT out for you? (...)

Keith, the vault search is the last thing that is done before mastering. Months have gone by since the art was typeset and printed.

Is this not understandable?

10 years ago it was different. All those people have retired and the pencil pushers are in charge now. Do you think Sony Music will put on one of their discs: "Oh, we threw out this tape 25 years ago and are using a dub copy, dig it".

No, they won't and they won't and won't. (...)

George, 80 to 90 percent of the music in your record or CD collection is mastered from a dub. I doubt you could tell the difference. Heck, going from a 24 track tape to a 2 track tape is dubbing it. Or, what do you think two songs that run together are? They blend them by dubbing (Sgt. Pepper, Santana, Band On The Run, etc.)

You want to eliminate almost all of your collection because you are worried about pedigree? Better sit down first and take a breath...

You are not making any sense. (...)

The only pure recordings I have ever worked with are live to mono (like a Bill Haley) or live to two-track (like Art Pepper Meets The Rhythm Section). Everything else is NOT first generation. Heck, anything recorded after 1963 is not. So, we get the closest we can and go with it, it's usually tons better than what the majors use. Still, a master tape is not the Holy Grail (just listen to HOTEL CALIFORNIA raw if you want to be shocked). Everything is a copy, either from a multi or from a work part or whatever.

The words MASTER TAPE simply mean that THIS IS APPROVED FOR DISK CUTTING (OR DISK "MASTERING").

Doesn't mean it's going to sound wonderful. Usually it doesn't. The master tape is itself a work part. Played back "raw" is usually a disappointment, like watching "straight" footage from a movie shoot. The thing comes alive in the tweaking (mastering) which is what I do.

I haven't heard the new Stevie Wonder but it was cut from the MASTER which is a dub. (Say "master" like Dr. Evil sez "Laser", use your fingers and everything.)

This MASTER is a master not because I'm calling it that but because it was the only tape EVER USED IN CUTTING THIS ALBUM. Nothing else was used ('cept maybe a dub of this). So in essence it's the real deal. Doesn't matter if Stevie has the work parts, nothing was ever cut from his tape. Do you see? A master is only a master if it was ever used to MASTER ANYTHING. Stevie's tape wasn't. Stevie probably has 50 different mixes of YOU ARE THE SUNSHINE OF MY LIFE and 200 other songs sitting around. So what? None of them was ever used to master anything. (...)

You guys are way too puritanical in your approach.

Take Paul McCartey's RAM or VENUS & MARS. Those "final masters" are dubs. Heck, VENUS & MARS was redubbed just to add a layer of compression. That third generation tape was then labeled MASTER. Should we never listen to it again? No. Do we dig that album? Sure. Do we care that it is technically a dub? We shouldn't.

OK OK. We get the point.

Still...
Lui qui s'est fait l'avocat No 1 de l'utilisation des bandes maîtresses d'origine, pourquoi soudainement tourner le dos à cette conception simple?

Once again, the master tape is the original approved version. You go further back and it's only work parts that need to be massaged. Don't like that except in certain cases. The master tape is the real deal. You probably forget that for every master tape there are many dubs of THAT master that have been used over the years to "master" stuff. What we do is go back as far as we can and eliminate those EQ Dubs and copies. We want the real deal. Hopefully it still exists. In a few cases, it's worn out, lost or dumped. If the album is an important one it can still be worked on with alternate cutting material. It's either that or settle for some really bad sounding older CD's.

Audiophile labels try and make the best sounding versions of favorite and beloved albums. Sometimes the process isn't all fun and games. The end result is worth it though. If I can improve the sound compared to what is already out there, if I can crank it without my ears bleeding, restore lost dynamic range or remove old grating EQ moves, I'm a happy camper.

Les propos de Steve Hoffman ont par la suite été censurés... sur son propre forum!!!
Ainsi est donc révélé le secret honteux: Audio Fidelity ne peut plus utiliser l'expression From The Original Master Tapes parce que ça se trouve à faire ombrage aux rééditions des majors! Vous l'avez lu ici!

COLLISION FRONTALE ENTRE LOU REED ET MONTRÉAL CE SOIR!

2010-07-03T00:57:00.009-04:00

C'était certainement un des spectacles les plus intrigants du Festival de Jazz cette année. Mais en m'installant dans la salle remplie de la salle Wilfrid-Pelletier à 19h30, j'étais loin de me douter que le concert serait terminé, sous les huées, 75 minutes plus tard, laissant un Lou Reed ravagé quitter la salle d'un pas incertain, quelques pas derrière une Laurie Anderson visiblement furax et un John Zorn écartelé entre les deux conjoints.

Quelle étrange réunion entre trois des fers de lance de la scène musicale new-yorkaise, dans sa diversité infinie de mouvances. Un rocker-songwriter increvable qui aura traversé les années de débauche et d'errances pour arriver intact dans la soixantaine, la performer la plus célèbre de l'histoire et le saxo le plus azimuté du jazz actuel, réunis pour un concert de musique improvisée qui aurait certainement eu plus de chance de rencontrer son public au Festival de Musique Actuelle de Victo.

Pourtant, quant à moi, la soirée avait assez bien commencé. C'est Lou Reed qui part le bal, et il installe d'emblée une ambiance de noise-rock assez lourde, qui a dû rappeler à ses vieux fans de durs souvenirs: ses Metal Machine Music.. Et c'est sur ce drone plus près de Fripp ou d'un Michael Brooke atteint d'accès de violence que le saxo de Zorn peut commencer à souffler, couiner, crier, hurler et le violon de Laurie Anderson de construire ses architectures sonores...

Ce qu'il y a de magnifique en musique improvisée, c'est de voir à quel point les personnalités peuvent s'exprimer et se compléter, sans censure. Reed s'impose par sa violence, la rage intérieure des ambiances qu'il crée: son barrage sonore est une armure ou une toile de fond, un sfumato dense, lourd, plombé... de l'autre côté de la scène, Laurie Anderson (que j'avais vue en 1984 au Spectrum, et dont j'avais complètement oublié le jeu de violon) semble constamment trouver, au coeur de la tempête, une architecture naissante, une cohérence, un rythme, que son violon vient souligmer; quant à John Zorn, au centre, pied sur une chaise, alto en bouche, c'est le lyrique, le volubile, l'emporté, l'animé. Les trois semblent se compléter parfaitement, et je peux dire que, sincèrement, je goûte chaque seconde.

Mais c'est loin d'être le cas de tous. Et je soupçonne le public de Lou Reed, en premier lieu, d'assez peu goûter ces architectures sonores décousues. Dès la fin d'une première impro, peut-être 12 minutes, les huées fusent (et moi qui croit naïvement que ce sont des Lou, pas des Bouh!) et les rangs s'éclaircissent. Et ça repart: piqué dans son orgueil, peut-être blessé, le vieux Lou, qui a survécu à l'héroïne, à Andy Warhol et à quatre décennies new-yorkaises, ce qui n'est pas rien, en remet une couche, pendant que Zorn couine comme jamais. Plus agressif, strident, dissonant, le trio remet ça avec une sorte de ferveur noire, et cette fois, une partie du public devient nettement plus sonore. Une bagarre passe à un cheveu d'éclater derrière moi. Un spectateur crie: It's A Disgrace! Un autre: Play Some Music. Zorn répond: If you don't think this is music, then get the f*** out of here.. Les gens se lèvent par dizaines et quittent. La soirée prend une mauvaise tournure.

La suite est à l'avenant. Reed, qui tourne de plus en plus le dos au public, essaie de diriger du geste sa douce, et semble lui inspirer un solo tout à fait poétique (voir clip plus bas), mais il a dû se passer quelque chose entre eux, car après un morceau ma fois assez réussi, Reed se lève, visiblement harassé, fait mine de griffer Laurie, Zorn embrasse l'un, embrasse l'autre, mais n'arrive visiblement pas à les ramener sur la même longueur d'onde et le trio quitte en désordre, devant un public de plus en plus clairsemé et clairement abasourdi.

Ils viendront le temps d'un rappel; mais visiblement, le coeur de Lou Reed n'y est plus; il tombe dans la redite, le trio se rend difficilement au bout de ses idées, la soirée finit d'avorter et mes voisins me regardent, alors que les lumières se rallument: Is it over? Already???

La scène a quelque chose de cruelle. Au début du show, je ne pouvais manquer de m'émerveiller de la durabilité de Lou Reed: qui, à l'écoute de Heroin, en 1967, aurait pu se douter que ce junkie se rendrait à 68 ans, et continuerait de faire de la musique, et de la musique signifiante, 40 ans plus tard? Mais ce soir, ce "survivor", ce dur à cuire n'a pu vaincre une minorité bruyante et mal renseignée et est tombé dans le ring.

[AJOUT] Ouf... Patrick Gauthier ne les a pas ratés sur le site ruefrontenac. Mais il avoue être un fan du Lou Reed de Transformer. Peut-être ceci explique cela. Multipliez par peut-être 300 ou 400 spectateurs qui ont réagi de la même manière.

Parmi les fils de discussions les plus intéressants sur le sujet: http://www.stevehoffman.tv/forums/showthread.php?t=221093

Songs In The Key Of Life sur Audio Fidelity? [AJOUT]

2010-07-01T14:21:00.003-04:00

Courte nouvelle...

après l'excellent Talking Book, voici que le chef d'oeuvre reconnu et absolu de Stevie Wonder, le double Songs In The Key Of Like, sera également réédité par Audio Fidelity, à une date à déterminer.

Pour ceux qui ne le connaissent pas, Songs In The Key Of Life est un album-double de 1976 pratiquement inépuisable, #1 du Billboard dès sa sortie, mélangeant des hits radios mémorables de funk-soul-pop (Sir Duke, pour Duke Ellington, le magique Isn't She Lovely? pour sa fille nouvellement née, I Wish, etc) et des pièces d'album tout aussi mémorables (comme ma préférée Pastime Paradise, reprise par un groupe de rap il y a une dizaine d'années).

Voilà une excellente nouvelle. Avec le Innervisions de Mobile Fidelity d'il y a quelques années et le tout nouveau Talking Book sur Audio Fidelity, on peut dire qu'une partie du corpus le plus important du grand Stevie aura été couvert par les étiquettes audiophiles.

Trois notes:

après avoir refusé de laisser sortir les vraies bandes maîtresses de Talking Book, Wonder laissera-t-il Kevin Gray accéder à celles de Songs In The Key Of Life? Probablement pas...
après avoir semblé figer sur le rock le moins actuel des années '70 pendant quelques mois (Alice Cooper, Deep Purple, Styx, Asia (!), Joe Walsh et autres Grand Funk Railroad, on dirait que la catalogue AF prend du mieux: Simon & Garfunkel, Stevie Wonder, Laura Nyro et même une réédition vinyle du chef d'oeuvre de Kate Bush, Hounds Of Love.
Pour ceux qui aiment fouiller les disquaires usagés, notez que les CDs originaux de Motown des années 1980 ont une excellente réputation au niveau sonore. Éviter cependant les remasterings du début des années 2000, qui ont tous les défauts des remasters contemporains (maximisés, compressés, EQ pour malentendants).

P.S. Au fait, parmi les autres titres AF annoncés ou en route, le "remastering" de Rebel Yell de Billy Idol (un des grands hits des années '80) sera effectué la semaine prochaine (date de sortie inconnue); aussi annoncés, deux titres de Billy Joel: 52nd Street et Glass Houses

Original Master Tapes... Or Not?

2010-06-28T23:14:00.001-04:00

Depuis la sortie en 1985 de la mirifique compilation de Buddy Holly, From The Original Master Tapes (célèbre pour leur non-remastering de Steve Hoffman), l'appellation Master Tapes est entrée dans le langage audiophile comme un ingrédient indispensable à toute réédition qui se respecte. Certaines compagnies de disques s'en sont fait un Credo, et certains ingénieurs de mastering une garantie.

Mais voilà que la très audiophile Audio Fidelity vient de faire prendre la main dans le sac, lors de la réédition très attendue du mixage original de Parsley Sage Rosemary & Thyme, chef d'oeuvre de folk bleuté de Simon & Garfunkel, par nul autre que Jamie Tate, un ingénieur de son de Nashville. Lequel se montre diplomate, mais extrêmement convaincant dans ce post qu'on peut trouver sur E-Bay et sur le forum de Steve Hoffman...

Hey everyone,

When I first got this CD I thought it sounded really similar to the old CD I bought 20 years ago so I loaded a couple songs into Pro Tools to do some comparison listening. That's when I saw they were essentially the same thing. They sync'd up perfectly, the bits all lined up without drift and I could get a significant amount of null between them. The AF CD has been EQ'd slightly to reduce the upper midrange and give more emphasis on the bottom and top end.
I'm not saying this CD is poorly mastered nor am I suggesting you shouldn't buy it, but... it should be known that this rather expensive CD was not sourced from the Original Master Tapes as advertised. It's not even sourced from analog tapes. They were given the old Columbia CD from the 1980s to use as their source. I made a discovery about its origins and thought it was important to share.
And not only is it from a 20+ year old digital transfer they didn't even use the master tapes back then. It's a dub of some sort. Sounds like it's an EQ'd and limited LP tape. The song 'Homeward Bound' fades in on this CD unlike the recent Sundazed LP made using the true original analog masters. The AF came out after the Sundazed LP reissue so why didn't AF use them instead of an old digital dub that's at the very minimum three generations removed?
There's nothing necessarily wrong with issuing CDs from older digital tapes. Every label has done it. But when you market to a specific audience like audiophiles there's going to be higher expectations. Add to that the statements found on Audio Fidelity's own website and the writing directly on the CD's slipcase that the $30 disc you just bought is "From The Original Master Tapes" and then discover it's untrue you can't help but feel deceived.
I suggest Audio Fidelity would do a lot better if they were more open about these things. I have plenty of amazing sounding CDs that were sourced from tape copies. Nothing shameful in using safety dubs as long as you're not trying to pass it off as something it isn't. I'm sure everyone here agrees with that.

Le label a été plus prudent pour la réédition, très attendue, de Talking Book, le premier d'une série de chefs d'oeuvre de Stevie Wonder. Little Stevie n'autorisant jamais l'utilisation des bandes maîtresses originales qu'il garde scellées, le label a admis d'emblée utiliser une copie 30 ips préparée par Wonder à leur intention.

Tiens t'on là l'explication derrière l'absence de Steve Hoffman de plusieurs rééditions récentes chez AF?

Biolay, Gainsbarre pour une époque sans humour

2010-06-28T22:44:00.002-04:00

On aimerait bien prendre Benjamin Biolay en grippe... sa petite gueule de jeune David Gilmour atteint de womanizing aigu, accumulant les histoires d'Amour qui finissent mal, traînant sa gueule tourmentée et inexpressive sur tous les plateaux, jusqu'à nous l'imposer dans un film franchouillard insupportablement poseur (Sang froid, 2007)... et puis cette prétention à sauver la chanson française de la médiocrité...

Mais Biolay, après avoir particpé à la résurrention de Henri Salvador au début de la décennie, avec l'excellente Karen Ann (c'était Chambre avec vue), est maintenant un songwriter et un interprète substantiel... si substantiel qu'il lui a fallu coucher sa créativité sur un CD double l'an dernier, un double abondant, sans temps mort ni déchet... Ça s'appelle La Superbe, et ça fait un peu mal, parce que ça parle abondamment d'amour, mais d'amour qui s'épuise, qui se fixe mélancoliquement vers son auto-destruction... comme si la mélancolique et gainsbourienne Je suis venu te dire que je m'en vais avait trouvé sa voix contemporaine; ou comme si l'élégiaque Manon finissait de se noyer dans les eaux délétères du 21e siècle. C'est un Gainsbarre lourd et ma fois assez triste, sans le fun orgiaque des années soixante, avec juste cette pointe d'hédonisme contemporain, qui fait dire à Biolay qu'il a beau compatir avec la peine de sa belle (celle qu'il inflige bien sur), à partir de vingt et une heures, il n'a plus que sa queue.

Bref... mélodies sinueuses et qui s'inscrivent en vous, arrangements riches, somptueux, fouillés, variés, influences multiples mais parfaitement digérées (Bashung pour La Superbe, Gainsbarre pour tellement d'autres)... même lorsqu'il frôle le kitsch musical (Miss Catastrophe, Brandt Rhapsodie), son art du texte vient prendre la relève et vous mettre un une-deux dans le ventre..

S'il avait seulement une pointe d'humour, ou même d'ironie... bon, on peut pas tout avoir!

On aimerait l'haïr, ou au moins le jalouser en paix... mais on aime trop la chanson pour ça...