La critique la plus assassine de tous les temps

... et perdant encore un peu plus de temps sur Internet, je tombe sur cette critique assassine d'un album mal nommé, The Best of Vanilla Ice...

"If you decide to buy this CD, wait patiently by the mail box till it arrives. Upon arrival, quickly open the box, then pull the security tape from the jewel case. Open the jewel case and place the CD in one hand. Break the CD in half, then slit your wrists with the remaining shards. As you begin to die look at your reflection in the mirror-like surface of the broken CD, and ask your self what you were thinking when you ordered this CD!"

Le "pacing": un art pas si compliqué

Perdre son temps sur Internet... et tout à coup tomber sur ça.
J'adore ce truc...

The Way We Were

C'était une autre époque. L'avenir n'existait pas encore, le passé se résumait à quelques lignes; seul comptait le présent. Jouer aux osselets dans le cour d'école. Les pratiques de hockey, à l'extérieur à Sainte-Ursule le mercredi soir et à Bernières, à l'intérieur, le samedi, aux aurores. C'était aussi l'époque des 45-tours à moins de un dollar, des doubles longs-jeux concept et surtout, pour celui qui s'éveillait à la musique et se foutait complètement du son, des compilations K-Tel...

Ah, le charme de ces coompilations tout croche qui compressaient une quantité effarente de pièces sur chaque face. J'ai commencé à fréquenter les Rolling Stones sur une compil' de ce genre, et jamais 2000 Light Years From Home ne m'a semblé sonner aussi bien que sur ma compil' double "tel qu'annoncé a la télé", sur ma table tournante JVC, dans mon système anonyme...

Le responsable de cet élan de nostalgie débile et sincère? Un blogue, que je vous reproduis ici... en attendant de retrouver des traces de mes premiers frissons musicaux sur le site K-Tel Classics, bientôt sur la toile.

In Praise of K-Tel Albums

Written by Kit O'Toole

Published February 18, 2009
Part of The Cutout Bin

The album covers featured primitive graphics. The titles were often cheesy. The songs lacked great sound quality and sometimes were sloppily edited. Yet K-Tel albums introduced me to a number of great artists and ultimately helped form my musical tastes.
K-Tel albums compiled the hits of the day into one album, offering convenience for the consumer who lacked time or money to purchase individual singles. These compilations were organized by theme—rock, R&B, new wave, country, or dance—and ranged from well-known artists to one-hit wonders. Today, Now That’s What I Call Music CDs fill this role, but in the 70s and 80s K-Tel dominated the American market.

Founded by Canadian entrepreneur Philip Kives, the company sold items such as nonstick fry pans, the Veg-O-Matic, and the Feather-Touch Knife (similar to Ron Propeil’s Ronco). In early 1966 Kives decided to branch out into the music business, releasing his first compilation album, Twenty-Five Country Hits, that same year. He named his company K-Tel in the late sixties, and went on to sell half a billion albums worldwide by the eighties, according to K-Tel’s website. Like his products, Kives also created splashy TV ads to announce the latest record releases (such as the below example).

http://www.youtube.com/watch?v=QQPPKH6roS8

As a child, I loved receiving the latest K-Tel collections for Christmas or birthday gifts, and would play the LPs until the grooves wore down. Many years later I realized that my first introductions to rap and various seminal rock artists came from K-Tel.

The first two albums I remember receiving were Wings of Sound (1980) and Dancer (1981). The former’s cover featured, appropriately enough, multicolored wings and offered a selection of top 40 hits. Most notably, this album introduced me to Nick Lowe and Bob Dylan, along with the still-catchy one-hit wonder “Driver’s Seat” by Sniff ‘n The Tears. Lowe’s “Cruel to be Kind” remains one of the most clever rock songs of the early 80s, and Dylan’s “Gotta Serve Somebody” marks his overtly religious phase. As a kid I couldn’t quite grasp Dylan’s sound, but of course later learned of his tremendous influence on rock and folk.

Dancer focused, not surprisingly, on what turned out to be the dying days of disco. While it may have marked disco’s last gasp, it also signaled the gradual rise of hip hop. Frankie Smith’s “Double Dutch Bus” and Lakeside’s “Fantastic Voyage” have since become old-school (and heavily sampled) classics, but back then I heard nothing like them on the radio. In addition, the album introduced me to the gritty funk of the Gap Band, with “Burn Rubber (Why You Wanna Hurt Me)” remaining one of my favorite funk hits.

A year later, The Beat exposed me to then-alternative or “new wave” music. While the terms seem laughable now, the artists on the album existed on college radio or MTV, if you were lucky enough to have cable.

Sure, some of the selections hardly seemed edgy—The Go-Go’s perky “We Got the Beat” being the prime example—but there were a few gems as well. Graham Parker’s “You Hit the Spot” introduced me to the quirky singer-songwriter (do track down his serious reading of the Jackson Five’s “I Want You Back”), and The Waitresses’ sneering “I Know What Boys Like” still sounds unusual today. Depeche Mode also made an appearance here with “Dreaming of Me,” and Bow Wow Wow’s enthusiastic cover of “I Want Candy” combined punk with just a hint of ska.

Christmas 1982 also brought me Blast Off, a collection of pure pop.

While the cover art portrayed—yes, you guessed it—a spaceship taking off, the music ranged from classic rock to R&B. Then-John Cougar’s “Hurts So Good” opened my eyes to his brand of roots rock, while I continued my R&B education with Ray Parker Jr.’s “The Other Woman.” Blast Off also brought me my first taste of Van Halen with their cover of “Dancing in the Streets,” with David Lee Roth’s screaming vocals front and center. It remains one of my favorite Van Halen tracks.

My next purchase, Get Dancin', proved to be crucial in my rap education. Amazingly I first heard the masterpiece “The Message” by Grandmaster Flash and the Furious Five courtesy of K-Tel! At 11 years old, I couldn't quite grasp the song's grim message about inner-city life, but I could still chant “Don't push me/'Cause I'm close to the edge/I'm tryin'/Not to lose my head.” As an example of K-Tel's editing practices, Get Dancin's version of “The Message” featured a long beeping noise during the lyric “People pissing on the stairs/You know they just don't care.” Imagine my shock when I heard the unedited version for the first time! To this day, I cannot listen to that song without hearing “people [beeeeep] on the stairs.” Nevertheless, I can thank this 1983 album for showing me how rap lyrics can effectively shed light on serious issues.

Get Dancin' is where I first heard Luther Vandross's velvety voice on “Never Too Much,” converting me into an instant fan. Countless old-school classics abounded on this compilation: “Forget Me Nots” by Patrice Rushen; “I'm So Excited” by the Pointer Sisters; “I Really Don't Need No Light” by Jeffrey Osbourne; and “Love Come Down” by Evelyn “Champagne” King. I think I can trace my passion for R&B to this album. Strangely, Get Dancin' also included Laura Branigan's “Gloria” and Toni Basil's “Mickey.” Perhaps this apparent hodgepodge represents the variety of music on the charts at the time; after all, Dexy's Midnight Runners, Musical Youth, and Eddy Grant scored unlikely hits around that time.

In contrast to Get Dancin's more urban feel, Hit Explosion (also 1983) contained general top 40 fare. Interestingly this compilation contained more classic rock figures that were relatively unknown to me at the time, such as Rod Stewart (“Young Turks”), Steve Miller (“Abracadabra”), Santana (“Hold On”), and Rush (“New World Man”). Soon-to-be classic rock staples included Survivor with their massive hit “Eye of the Tiger” and REO Speedwagon's “Keep the Fire Burnin'.”

At that time I had little idea of the significance of Stewart, Miller, or Santana, but this album gave me an initial taste of their work. Among these songs was the still outstanding single “Steppin' Out” by Joe Jackson, which inspired me to investigate more of Jackson's work. His Night and Day album still exemplifies some of the more creative work of the 80s.

Hit Explosion also contained some girl power, as Pat Benatar (“Shadows of the Night”) and Joan Jett and the Blackhearts (“Do You Wanna Touch Me [Oh Yeah]”) proved that women could rock just as hard as the men. At a time when the Go-Gos were once introduced on TV's Solid Gold as “an all-girl band...and they all play their own instruments!” hard-rocking female artists were a bit of a revelation.

1984 marked the final year I would purchase K-Tel albums. Sound System represented another top 40 sampling, combining established artists with up-and-coming British acts such as the Fixx (“One Thing Leads to Another”) and Spandau Ballet (“Gold). While one-hit wonder Frank Stallone made an appearance with the kitschy “Far from Over,” the album also noted the emerging careers of Bryan Adams (“Cuts Like A Knife”) and Huey Lewis and the News (“Heart and Soul”).

Most interesting is the Kinks, whose “Don't Forget to Dance” was included. At the time I had no clue of the long history (and superlative writing skills) of the band, merely knowing their single “Come Dancing.” Since then I have become an admirer of Ray Davies, and love the band's work from the 60s and 70s. If K-Tel can be credited for further exposing me to the Kinks, I cannot blame them too much for putting Stallone on the same album.

My last K-Tel album, Street Beat, defined itself as presenting “new music, hot sounds” on its cover. It turned out that this album provided the best balance of pop, rock, and R&B, along with a few curiosities. Old-school music was in evidence with “Stay with Me Tonight,” the very danceable Osbourne classic, and the fantastic “Ain't Nobody” by Rufus and Chaka Khan. I thank K-Tel for introducing me to Khan, who possesses one of the best voices in soul. Of course she went on to even greater success with “I Feel for You” a short time later. However, “Ain't Nobody's” funk recalled her earlier work with Rufus, and is representative of her best work. As for Osbourne,”Stay with Me Tonight” perfectly exemplified K-Tel's tendency to edit music down to cram as much as possible onto a record. I later learned that the song contained extra verses that provided better transitions to the chorus; now, when I listen to the Street Beat version, the song seems awkwardly edited.

The token one-hit wonder made an appearance, this time “Just Got Lucky” by the JoBoxers. Huge hits also dominated: Irene Cara's “Flashdance;” Men Without Hats's “Safety Dance;” and Madness's “Our House” were just a few examples. But Elton John's defiant “I'm Still Standing” further educated me in John's work, and Eurythmics's haunting “Love Is A Stranger” showed me that all pop music need not be conventional.

After that, I drifted away from K-Tel collections, instead purchasing individual artists' albums and 45 RPM singles. But I look back on those compilations fondly, as they served as overviews or Cliff's Notes for current music. Having no access to MTV and listening to top-40 radio stations aimed at teens, I would never have heard definitive rap tracks like “The Message” if not for these albums. I also gained an education in classic artists that later inspired me to investigate their back catalogs.

K-Tel also exposed me to creative artists that buck the mainstream, such as Joe Jackson, Nick Lowe, and Graham Parker, later converting me into fans of these musicians. At a time when female rockers were seen as an anomaly, these collections proved that they could rock just as convincingly.

Today K-Tel exists as a music licensing company, customizing compilations for companies. They also sell products such as the Clever Cutter, marketed by the same kinds of late night TV commercials that helped establish their reputation. Sadly, many K-Tel albums are unavailable, although the K-Tel website promises a chronicle of their albums and commercials on a separate page, K-Tel Classics. Hopefully the company will follow through on this promise.

While some music fans may scoff at compilation albums such as today's Now That's What I Call Music series, these collections serve a purpose: in addition to saving the consumer time and money, they provide listeners an introduction to established and upcoming artists, and expose people to new sounds. Through these overviews, fans can develop their own music tastes. Despite corny cover art, silly album titles, and dubious song edits, K-Tel will always have my gratitude for furthering my music education.

L'amour de la poésie est l'amour de la beauté: Douze hommes rapaillés

Vous avez passé une bonne St-Valentin?

Les fleurs, les cupcakes, les petits coeurs rouges partout sur la table, les cartes pleins de X et de O des enfants, le petit mousseux à table... chez nous, ce fut familial cette année. J'ai eu une vague de déception lorsque mes enfants ont transité vers le Nintendo DS et le DVD aussitôt le souper avalé... Quelle culture! Alors, j'ai replongé dans l'amour, mais l'amour grand A, comme mystérieux moteur de l'être humain, comme voisin émotionnel de l'Art, de la Beauté, de la Poésie. Ma douce avait eu un super-flash en m'offrant le disque "12 hommes rapaillés chantent Gaston Miron"... J'ai plongé dedans et depuis ce temps, il joue en boucle et enterre les sons électroniques poches des jeux vidéo et les paroles vides des cartes Hallmark.

Gaston Miron, pour ceux qui ne le connaissent pas, est un immense poète qui sévissait sur le Plateau Mont-Royal il y a quelques années et qui a laissé une oeuvre immense (non en quantité, mais par son intensité) et immortelle (parce que ses thèmes sont les thèmes en majuscules cités plus haut) et universelle (parce que son nationalisme n'a rien de géographique)...

Ne vous laissez pas abuser par la pochette, où les douze hommes rapaillés du titre sont un heureux mélange de chanteurs qui, tous, sont aussi des auteurs-compositeurs qui n'ont pas à rougir de voir apparaître leurs noms dans le même 12 centimètres au carré que Miron. Douze homme rapaillés est d'abord l'oeuvre d'un homme: Gilles Bélanger. Le très discret Gilles Bélanger, qui, déjà, a mis en musique tant de poèmes et a donné vie à la magnifique carrière d'interprète de Chloé Ste-Marie. Il poursuit son oeuvre (majeure) en donnant cette fois les devants de la scène à des voix masculines (Miron écrit une poésie très mâle) et c'est tout aussi réussi.

Coup de génie: la réalisation a été confiée à Louis-Jean Cormier (Karkwa), donnant aux poèmes des enrobages musicaux au mordant moderne et une tension parfaite pour la poésie (incantatoire) de Miron.

Alors nous avançons, de poème en poème, comme des nomades-artistes dans un monde à deux doigts de la débilité avancée, et ça donne des strophes comme:

Nous reviendrons nous aurons à dos le passé
et à force d'avoir pris en haine toutes les servitudes
nous serons devenus des bêtes féroces
de l'espoir

Excusez-moi mais des strophes comme ça, ça réduit en purée tous les petits poèmes moralisateurs sur le quotidien qu'on se tape à longueur d'albums depuis plusieurs années au Québec. Je ne vise personne, tout le monde a droit à sa purée; mais des Miron dans le décor, ça fait du bien comme un coup d'Obama dans la merde républicaine, et on doit remercier Bélanger pour nous décrasser les oreilles...

Le disque n'a pas de temps mort, mais ça lève drôlement à partir de "Ce monde sans issue" de Daniel Lavoie (quel interprète, capable de tellement de nuances dans son chant) et la pièce interprétée par Louis-Jean Cormier ("La route que nous suivons") qui suit est le climax, intense et karkwaïen, d'un parcours le poing fermé, suivi, contraste habile, idéal, d'un air irrésistible, folk, Pour retrouver le monde et l'amour, interprétée par Richard Séguin, jamais plus touchant que dans la simplicité, et dont la voix est comme celle d'un ami retrouvé...

Après un Plume solennel ("Nous marchons, ignorants de la trappe des gouffres, Vers l'horreur des demains sans paix ni charité. Désemparé.") arrive le moment du maître d'oeuvre, l'épilogue: la dernière pièce est interprétée par Gilles Bélanger lui-même... Après deux strophes, ma douce s'est retournée vers moi, les yeux ronds: "C'est Bori" elle s'exclame. Bon sang, mais c'est vrai: le débit, ce vibrato à la Reggiani, cette richesse dans les basses. Avons-nous la berlue? L'élusif Edgar Bori serait-il Gilles Bélanger? Ou Bélanger serait-il simplement immensément influencé par le plus mystérieux et poétique des chanteurs québécois?

Un dernier mot sur le son. Il est dit sur la pochette que le disque fut enregistré "live" en studio. On peut dire que Cormier et ses arrangeurs ont fait mouche presque continuellement, en créant un son riche et cohérent. S'il n'y a vraiment pas d'overdubs là-dessus, je trouve le travail exceptionnel et le mixage habile, réussissant à singulariser les voix (pas facile de suivre du Miron sans le lire) sans jamais nous priver de la richesse des arrangements. On suppose que la production aurait pu aller encore plus loin sans cette contrainte (choix artistique et/ou financier?). Le mastering est-il moderne (i.e. compressé)? Euh, je pense que oui. Pas de manière désagréable. Mais Guy Hébert, de Karisma, ne va pas contre le vent. On peut le regretter. Mais pas vraiment le critiquer.

Le PIANO et RUDY VAN GELDER: quel est le problème?

Je le dis, et je sais que je ne suis pas le seul: il n'y a pas beaucoup d'enregistrements musicaux qui me donnent autant de plaisirs que les enregistrements de jazz acoustique de la fin des années '50 et du début des années '60, enregistrés (mais non remasterés!) par Rudy van Gelder. On dirait que ces titres immortels sont le passage obligé de la musique pop et rock à un monde plus audiophile... Les titres sont dans presque toutes les collections de disques un peu sérieuses: la série des Workin', Steamin', Cookin' et Relaxin' du Miles Davis Quintet; les Blue Note de Sonny Rollins (Tenor Madness, Saxophone Colossus); Something Else de Cannonball Adderly; Horace Silver; Art Blakey; John Coltrane; Eric Dolphy. La liste est longue, le musicianship inégalable et le son, le son! On pourrait mordre dans le son des cuivres tellement il est vivant et dense.

Pourtant, à chaque fois que j'écoute un enregistrement de RVG, un instrument me fait grincer des dents. Le piano. Le piano, étrangement gringalet, famélique, dénué de densité, une sorte d'instrument fantôme dans des enregistrements pourtant tellement musclés.

Je viens de tomber sur un échange de posts entre Jamie Tate (un ingénieur de son) et Steve Hoffman (une légende du mastering qui vient de travailler sur des rééditions 45-tours des enregistrements RVG), où Hoffman explique pourquoi, entre autres et pour reprendre les termes de Jamie Tate, le piano de Bill Evans est

distorted and usually have a weird, midrange heavy sound to them.

sur l'excellent Everybody Digs Bill Evans.

Voici l'explication de SH:

The piano is always the hardest instrument to record. Back in the day, it always showed the flaws in any recording system. Usually you had a Neumann mic hooked into a mic pre console that wasn't compatible with it. You got overload (listen to BILL EVANS title mentioned above). When everything matched correctly there was no overload distortion but then engineers like Van Gelder wanted the piano to sound "better" or louder or more able to cut through. So they started EQ'ing the keyboards and running it through a separate compressor, putting the mic right inside the piano, etc., still with overload or the sound of cardboard. Never worked for these guys because they didn't understand that in order for a German mic to "do piano", ya needed SPACE between the mic and the instrument. These small studios didn't want leakage, etc. so they couldn't or wouldn't do it. Columbia or RCA in their big ol' rooms in the late 1950's didn't have this problem and they recorded the piano just like they did in the 1920's, from a short distance (sometimes taking the lid of the piano.)

Listen to a Duke Ellington VICTOR from 1932. Nice, natural piano sound, no distortion, no overload.

(....)

Van Gelder was always searching for a way to get the piano "out there". He tried almost everything and was never happy with any of them. Jack Higgins and the Reeves people seemed to just ignore the blatant distortion of the piano on many famous Riverside albums like Kelly Blue, Everybody Digs Bill Evans, etc. Like it didn't matter or didn't exist. Weird.

When Bill Evans recorded at Bell Sound or Nola Penthouse or whatever, the sound improved (piano overload-wise). Of course, this has nothing to do with performance or "feel" or anything of a musical nature, just sound reproduction. Bill hated the actual piano at Reeves and wouldn't record there after PORTRAIT..

Roy DuNann or Howard Holzer in Los Angeles never had a problem recording a good, distortion free piano sound at the Contemporary Records' mailroom studio. Listen to JAZZ IMPRESSIONS OF MY FAIR LADY from 1956 in stereo to hear what could be done by a small (tiny) studio setup..

Le gospel selon Thelenious Monk

Je ne sais pas si c'est authentique, mais les images suivantes seraient en fait des notes prises à la volée par Steve Lacy, alors que Thelenious Monk, le grand prêtre du bop et le plus célèbre compositeurs de thèmes bop, lui prodiguaient ses conseils..

Gospel selon Thelenious Monk, une lecture qui ne peut qu'être lumineuse!

Bonne soirée à vous!





Transcription...

• Just because you’re not a drummer, doesn’t mean you don’t have to keep time.

• Pat your foot and sing the melody in your head, when you play.

• Stop playing all those weird notes (that bullshit), play the melody!

• Make the drummer sound good.

• Discrimination is important.

• You’ve got to dig it to dig it, you dig?

• ALL REET!

• Always know….(MONK)

• It must be always night, otherwise they wouldn’t need the lights.

• Let’s lift the band stand!!

• I want to avoid the hecklers.

• Don’t play the piano part, I’m playing that. Don’t listen to me. I’m supposed to be accompanying you!

• The inside of the tune (the bridge) is the part that makes the outside sound good.

• Don’t play everything (or every time); let some things go by. Some music just imagined. What you don’t play can be more important that what you do.

• A note can be small as a pin or as big as the world, it depends on your imagination.

• Stay in shape! Sometimes a musician waits for a gig, and when it comes, he’s out of shape and can’t make it.

• When you’re swinging, swing some more.

• (What should we wear tonight? Sharp as possible!)

• Always leave them wanting more.

• Don’t sound anybody for a gig, just be on the scene. These pieces were written so as to have something to play and get cats interested enough to come to rehearsal.

• You’ve got it! If you don’t want to play, tell a joke or dance, but in any case, you got it! (To a drummer who didn’t want to solo)

• Whatever you think can’t be done, somebody will come along and do it. A genius is the one most like himself.

• They tried to get me to hate white people, but someone would always come along and spoil it.

I Came So Far For Beauty

La beauté est un concept universel je crois.

Chaque fois que j'entends ce mot, je pense à la chanson I Came So Far For Beauty de Leonard Cohen. Surtout chanté par Jennifer Warnes. La beauté s'incarne mieux chez la femme. Je vous l'affirme, que vous soyez d'accord ou non. Leonard, qui a donné sa vie à la chasse à la beauté féminine, et qui l'a exprimé si mélancoliquement dans ses chansons, serait sûrement d'accord.

La beauté est bien sût une émotion esthétique dont l'objet varie selon les individus, selon les cultures. Mais c'est une émotion universelle. Comme la peur.

La beauté peut faire peur.

Les femmes vous font-elles parfois peur? Elles ont une beauté effrayante. Surtout lorsqu'elle est très incarnée.

J'écoutais quelque chose de vraiment très beau ce midi. Mais peut-être aussi d'un peu effrayant. La beauté, comme sortilège.

Une heure en apnée, plongé dans l'univers très singulier de Joanna Newsom, une (belle) harpiste, tendance sirène noire qui aurait frayé avec Björk, par oppositon à musicienne angélique tendance Lorenna McKennit.

L'abum Ys.

J'ai peine à exprimer en mots ma fascination pour cet album.

Harpe, voix très très singulière, presque indescriptible, imaginez un croisement Björk et une sorte de féline nasillarde, orchestrations somptueuses de Van Dyke Parks.

Cinq pièces longues, sinueuses, épiques (comme Bob Dylan savait en faire, vers les 65-66, tendance Sarah of the Lowlands, avec une poésie qui déboule, strophe après strophe).

L'enregistrement de la voix et de la harpe ont été confiés à nul autre que Steve Albini (Pixies, Nirvana): laissez-moi vous dire que le son est très réaliste et prenant.

Mixé par Jim O'Rourke de Sonic Youth!

La jeune femme a des relations.

C'est tout à fait exceptionnel... Si vous n'avez pas peur de fouiller dans les marges.
#2 de l'année 2006 sur le site AcclaimedMusic, qui recense les listes de fins d'années de centaines de critiques.

Ys de Joanna Newsom.


Continuons notre plongée dans la beauté. La beauté sonore de la harpe, remplacée par celle du vibraphone. Avez-vous, comme moi, profité des soldes ECM à 7.99 $ chez Archambault à l'automne dernier? Alors peut-être avec-vous acquis ce disque magnifique, le Dreams So Real du Gary Burton Quintet.

La beauté, c'est celle de ce son cristallin, captée avec tellement d'éclat par Martin Wieland que j'en ai les oreilles qui résonnent encore comme si elles étaient de verre... On dit souvent des systèmes sonores qu'ils font (ou pas) de la basse sérieuse. Personnellement, de plus en plus, c'est les hautes qui m'intéressent. Votre système rend-il tout l'éclat de la trompette de Dave Douglas? Donnez-lui un sérieux test drive avec le vibraphone de Gary Burton. Qui est souverain sur tout cet album, avec ici et là les ponctuations pleines de retenue et de feeling de Pat Metheny, encore tout jeune, et de son mentor Mick Goodrich. Le tout sur les mélodies délicates, au blues subtil et mélanco, des compositions de Carla Bley (une femme, encore!), qui s'accordent merveilleusement à cet instrument. Il y a trois pièces sur cet album qui se qualifient comme des choses de toute beauté: Dreams So Real, Jesus Maria (vibraphone seulement) et Vox Humana.

Sur la platine: John Mayall and the Blues Breakers

Pour une raison étrange...

je me repasse en boucle un single avorté de 1965 de John Mayall et les Blues Breakers (avec Eric Clapton à la guitare électrique)

On Top of the World

et ça me rend tout guilleret!

Comme si la crise économique n'existait pas, ou quelque chose du genre...

(avez-vous reconnu Eric The God? 3e en partant de la gauche)...

John Mayall and the Blues Breakers ont animé le mouvement blues-rock anglais au milieu des années '60. Les albums de l'époque sont vraiment des trucs qui ont admirablement vieilli, synthèse du rock anglais et du blues électrique de Chicago. Cream, les différentes formations de John Mayall, Fleetwood Mac (excellent Peter Green's Fleetwood Mac, qui n'a soit dit en passant rien, mais alors rien à voir avec la pop californienne ensoleillée qui devait faire la fortune du groupe beaucoup plus tard), et évidemment, le Jimi Hendrix Experience, les Rolling Stones et, par extension, Led Zeppelin sont tous descendants de la fesse gauche de cette merveilleuse musique...

Mayall, quant à lui, est un peu le Art Blakey du blues-rock anglais, au sens de mentor et leader des talents les plus prometteurs de l'idiome... Les Blues Breakers ont eu comme guitariste soliste, tout à tour, en l'espace de trois ans seulement, Eric Clapton (qui devait quitter former Cream), Peter Green (qui a quitté former Fleetwood Mac avec John McVie, 4e sur la photo; c'est Green, un grand talent perdu à la drogue, qui a écrit Black Magic Woman, le grand hit de Santana) et Mick Taylor (qui est devenu le meilleur guitariste jamais aligné par les Rolling Stones à partir de 1969)... On appelle ça du flair... et de la malchance.

J'ai une pensée pour les Expos de Montréal tout à coup... Fouillez-moi pourquoi...

Vous voulez vous payer trois tranches de blues-rock anglais? Ces trois disques sont inusables: