lundi 28 décembre 2009

STYX audiophile?



On a bien le droit de garder dans notre coeur une place spéciale pour nos tout premiers albums rock, ceux qu'on a usé à la corde avec l'aiguille d'une table tournante mal balancée qu'on alourdissait avec des sous noirs scotchés à la cellule, non?
Mon premier album rock et mon premier show, ce furent The Grand Illusion de Styx. Et il fait partie des projets annoncés par AudioFidelity pour 2010 pour le traitement audiophile.

Définitivement pas un grand album, et probablement pas le meilleur Styx, ce groupe de Chicago assis en équilibre précaire entre le classic rock et le prog le plus commercial  (Equinox ou Pieces Of Eight méritent le titre quant à moi). Mais Castle Walls continue de me faire tripper et demeure un des meilleurs titres spacey de Dennis DeYounget Fooling Yourself de Tommy Shaw demeure bien écoutable. Sans oublier le traditionnel titre de James Young (un par album), dans ce cas-ci Miss America, sans doute son meilleur rock FM. Et le CD domestique est un transfert assez médiocre.

Évidemment, comme en témoignage ce lapidaire post, certains ne partagent pas cette nostalgie...


dimanche 27 décembre 2009

Audio Fidelity rééditera un grand Simon & Garfunkel




Parsley, Sage, Rosemary & Thyme est un chef d'oeuvre intemporel qui, au milieu des années soixante, semblait tout ignorer de la fureur ambiante pour s'attacher à décrire une intimité de sentiments délicats, magnifiquement incarnée dans la voix angélique de Art Garfunkel et les compos extraordinaires d'un Paul Simon au sommet. Un disque pour revivre ses 20 ans.

Scarborough Fair-Canticle, 

The 59th Street Bridge Song (Feelin' Groovy)
The Dangling Conversation...

Au milieu des excès de Hendrix, des Beatles, des Stones, des Who, des Doors, Simon & Garfunkel font l'effet d'étudiants préservés d'un monde à feu et sang, obsédé par la guerre, les drogues et l'amour libre. Ce disque n'est pas cool. Sa simplicité est trompeuse.


... et la grande question est: quel mixage sera utilisé?


Car trois mixages existent. Croyez-le ou non, le CD stéréo que vous trouvez en ce moment chez les disquaires, remasteré par Vic Anesesi  est en fait un remix; on a longtemps cru les bandes maîtresses stéréo disparues et Anesesi s'est attaqué à les récréer à partir des multi-pistes originales.  De manière satisfaisante, dit-on, mais les puristes lèvent le nez.

Jusqu'à la réédition récente sur vinyle Sundazed, utilisant des bandes maîtresses mal identifiées, prêtes aux rebuts, qui se sont avérées être les vraies bandes maîtresses. Ce qui rappelle l'histoire des bandes originales des albums de Bob Dylan, mal identifiées elles aussi... même étiquette (Columbia), même histoire.

Si je ne m'abuse, ma copie personnelle, tirée du vieux coffret Collected Works, serait le mixage original, mais tiré de copies de bandes maîtresses, et d'assez mauvaise qualité avec ça. Je ne peux confirmer ou infirmer, n'ayant pas de points de comparaison.

Reste le mono. Le format des puristes absolus, toujours inédit en CD. Et soumis au veto de Paul Simon, qui n'aime pas ce mixage.

Infos ici. Et on vous tient au courant pour les dates de sortie!

SACD vs XRCD: le surprenant choix de Joe Harley


Lorsque vient le temps de servir le monde audiophile, les étiquettes spécialisées (Analogue Productions, Mobile Fidelity, Audio Wave, Sundazed, etc.) ont le choix des formats: vinyle 45-tours 180g et 200g, SACD, DVD-A, DAD, HDCD, FLAC et WAVES 24/96, etc.

Moins mentionné est le format XRCD, qui n'est pas en soi un format mais un procédé de mastérisation, lequel finit dans le format habituel du CD redbook (16/44.1) tant décrié par la gente audiophile.

Sauf que... sauf que dans ses nouvelles rééditions digitales de classiques de jazz Blue Note, AudioWave, qui vend par le biais du détaillant Elusive Disc a rejeté le format SACD, au profit de la magie de l'ingénieur au mastering Alan Yoshida sur le format XRCD. Choix d'autant plus surprenant que le format XRCD est plus coûteux que le SACD à la production... tout en offrant moins de résolution et en ne permettant pas le multi-couches.


Explication de Joe Harley, le maître d'oeuvre de ces rééditions?
You know....I've kind of avoided talking about SACD but what the hell. I've produced many SACDs...30+ easily. I know the format like the back of my hand. My own feeling is that what you get on the original hard drive with DSD is pretty much unimpeachable. It's damn good. BUT...something goes wacky when you bounce it down for production. I've noticed this for years...and I know some very smart people have tried to fix it. To my ears, the final SACD always sounds a bit "mechanical" for lack of a better word, certainly compared to the hard drive.
XRCD's, as mastered by Yoshida, never have this slightly artificial quality IMO. They have a naturalness and ease that is very appealing and true to the tonal balance on the master tapes. Someone here speculated that we went with XRCD due to some added "license see" with SACD. No. In fact it would have been considerably less expense to make SACDs. The decision to do these transfers with XRCD was an informed one.
(...) 

That pretty much sums up my feelings on SACD/XRCD. Ed Meitner, Tom Jung, Michael Bishop at Telarc....we've all heard this thing that happens once you bounce the data from the hard drive. I'm not knowledgeable enough on high speed digital theory to know how to even start addressing this issue....but these guys, especially Ed Meitner, are. To the best of my knowledge, no one has really solved this yet.
I recall doing a session at Bearsville NY...it might have been the Ronnie Earl and Friends sessions ("friends” being Levon Helm, James Cotton, Irma Thomas, Kim Wilson) where we were recording direct to DSD. We'd listen to the tracks off the hard drive and just be in awe. When the hard drive was full and we had to bounce to an AIT tape and played back, the whole band goes "what just happened??" It was that obvious.
Anyway, sorry for the diversion, but it got me thinking about my experiences mastering with Alan Yoshida and how the results ALWAYS impressed me for being SO close to the analog experience. As many others have mentioned, there are XRCD mastered by Alan Yoshida and there are XRCDs mastered by....let's just say "others". As with everything related to mastering, the driver of the car is far more important to the finished result than the particular engine being used.
SACD and XRCD are just tools. The guy using the tools is still, in my opinion, the key ingredient.
Think about it. I have a very good SACD/CD player, the latest Ayre CX-5eMP. I have SACDs that sound beautiful and I have SACDs the absolutely suck.

I have XRCDs that sound utterly amazing and I have XRCDs that suck.
The decision to use Alan Yoshida and use the XRCD process was simply that I find it, at this time, to be the most predictable way of getting the results that we (our team) want.
Hope this helps. If someone says "come hell or high water I'll only accept SACD" that's fine. Nothing I say will matter anyway.

lundi 21 décembre 2009

Les Blue Note XRCD, une série jazz exceptionnelle? Steve Hoffman le pense...

Hommage senti de Steve Hoffman pour un de ses confrères, l'ingénieur de la série des XRCD Blue Note Alan Yoshida, dont les quatre premières rééditions viennent de paraître.




Voici ce que l'ingénieur de mastering préféré des amateurs de classic rock avait à dire:

First off, I feel like a kid in a candy store with these XRCD's. My Music Matters 45 RPM LP versions of the Blue Note catalog will be buried with me but these XRCD's I can listen to any time, any where, even in the car or on my kid proof kitchen Scooby Doo disk player. Cool beans!

Now before I start, let's get one thing out of the way (the proverbial elephant in the room).

Reviewer:
"Would you have loved to master these XRCDs yourself?"

Steve: Of course. Who wouldn't?

Reviewer: "Are you mad or something that Alan Yoshida at Ocean Way got the gig?"

Steve: Not in the slightest. He is probably the best digital mastering engineer in the world today and will do the Blue Note catalog proud on XRCD.
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OK, now that we got
that out of the way, let's move on.

Joe Harley and Robert Bantz cooked up these XRCD releases and I'm glad they did. In the past I've been critical of some of the XRCD mastering but never of the format. My buddy Kevin (ex-DCC'er) used to work at JVC and gave me a giant stack of the jazz XRCD's a few years ago that I (for the most part) enjoy to this day. I remember back when I was cutting the Analogue Productions 45 RPM
"Greatest Jazz Albums Of All-Time" series we had the master tapes of Bill Evans "Village Vanguard" and Kenny Dorham "Quiet Kenny" in the studio. For a kick I brought in my XRCD's of those two albums and sync'ed up the masters with the XRCDs. I expected nothing and got everything. They pretty much MATCHED. Shocked, I took a GOOD look (I never read credits) at who mastered these JVC disks. Same guy did them all: Alan Yoshida.

So, I sez to myself, like Doug Sax, here is a name that can be trusted.

Flash forward a few years and Joe Harley and I are with the Music Matters Blue Note team working on some of our 45 RPM releases and Joe casually mentions to me about the XRCDs of the same material that he is working on over at Ocean Way (old United-Western). I was at first surprised that he wasn't doing them at AcousTech with Kevin Gray and I so I asked him who was mastering them. He told me it was Alan Y. and I immediately relaxed. Heck, I did more than relax, I made a mental note to grab them when they came out (a sincere compliment, trust me).

So, now the first four are here and they are fabulous, inside and out.

Hank Mobley/Soul Station
Horace Parlan/Speakin' My Piece
Sonny Clark/Cool Struttin'
Tina Brooks/True Blue.


First thing I did when the package arrived was to take them into my mastering studio (http://www.stevehoffman.tv/forums/sh...d.php?t=161236) and fire away. I was tense. I'm probably the first reviewer of these XRCDs that have actually heard first hand the true original Rudy Van Gelder master tapes. First note I heard of the Tina Brooks made me sink back on my couch and smile. Phew! Wonderful sound.

All four of them sound amazing, having been engineered by the prolific Rudy Van Gelder, live to two-track at 15 ips 1/4" tape (non-Dolby).

Alan Yoshida is fanatic about tape alignment and these Blue Note tapes have NO alignment tones on any of them so I'm sure the largest part of Alan's day is getting these reels in perfect alignment (with the moon and stars) so playback is perfectly neutral. Whatever subtle mastering changes Alan has made he has done so with the help of Joe Harley so our ears are in good hands. Joe has worked with Alan for many years and the relationship works well..

What can I say about the music? As Paul McCartney said about The White Album
"It's friggin' BLUE NOTE!"

The artwork and packaging is first rate and just like our Music Matters 45 RPM vinyl versions, the original photographic negatives were used in artwork design. I've never seen better!

I think there will be initially 20 or so of these and who knows? If the series is successful there might be more.

My buddy and Blue Note freak Joe Harley is part of this
Audio Wave Blue Note team and he along with Robert Bantz (president of Elusive Disc and now Audio Wave Music) and engineer Alan Yoshida along with Scott Warpool and the BN maven Michael Cuscuna deserve to be congratulated on this supreme effort. I know it is not easy dealing with major record labels and there must have been some intense backroom scenes in order to make this happen in a digital manner. I appreciate the effort and so will you.

I recommend these highly. If you want the best digital versions of these great Blue Note albums, grab these. In my opinion they are the best that have ever been done and probably the best that ever will be. They can't stay in print forever so don't delay!

I'm looking forward to hearing the rest as they come out.

La fabrication d'un protest singer...

ou comment Bertold Brecht a changé la vie de Bob Dylan...



Bertold Brecht et Kurt Weill, expatriés du nazisme
 
Passionnantes Chronicles de Bob Dylan... dans lequel Dylan, raconte, avec son style si puissamment imagé, la naissance de son style, ses influences, l'empreinte durable d'un Woodie Guthrie, d'un Robert Johnson... ses premières années à Greenwich, ses nuits de coach surfer, la quête d'engagements; puis, fast-forward, 25 ans plus tard, un Dylan célèbre mais désenchanté, l'épuisement de l'inspiration, la panne sèche, le dégoût, l'impuissance créatrice, jusqu'à sa rencontre avec un Shaman canadien-français (Daniel Lanois) qui accouchera de son phénix artistique, Oh Mercy.




Mais peut-être la section la plus révélatrice est la dernière du livre, qui nous le présente, jeune morveux ambitieux du nord du Minnesota, pays dur, austère, où la gauche et les syndicats sont particulièrement dynamiques ( visionnez l'excellent North Country avec Charleze Theron pour vous faire une idée). Le jeune folk-singer qui débarque à New York et qui se forge une identité: interprète pur et dur de Guthrie, folk-singer pénétré d'idéaux socialistes. Dylan, qui découvre la Grosse Pomme et qui, sous l'influence de sa petite amie du moment, fréquente les théâtres... et assiste, tétanisé, au Three-Penny Opera de Bertold Brecht et Kurt Weill, une oeuvre de 1928...

Dylan, qui se passera en boucle le vinyle de Pirate Jenny dans les semaines qui suivent... Les mots de Brecht, la musique de Kurt Weill, les expatriés du nazisme, qui viennent libérer, par la violence de leurs sentiments, leur âpre réalité et leur imaginaire débridé, la plume du jeune Zimmerman...

Et qui est Pirate Jenny? Jenny, pauvre hère, qui fait les lits d'un hôtel de passe miteux, en échange de quelques pennys... méprisée, miteuse... mais qui la nuit, à sa fenêtre d'hôtel, sourit en regardant le port, et les bourgeois qui se demandent ce qu'a cette va-nu-pieds, à sourire de la sorte...

Jenny, à qui on amène des bourgeois enchaînés la nuit, en lui demandant: Le tuons-nous maintenant ou plus tard?

Et Jenny, de répondre d'une voix froide, glaciale: RIGHT NOW.



Écoutez la version live de Nina Simone, de 1964. Ça pourrait vous filer des cauchemars... Brrr..

(Essayez d'imaginer une de nos divas à voix interpréter un tel texte aujourd'hui... sigh)

vendredi 18 décembre 2009

Ah les années soixante... Pink Floyd, 1968, télé française...

et qui est le MC de ce joli petit pas de danse? Drucker?

lundi 7 décembre 2009

La voix de Sarah

Ah la voix de Sassy... cette cascade chocolatée, ce flot d'harmoniques chaudes qui se déploie dans l'écrin enneigé du piano agile, dansant, de Jimmy Jones. Et puis les solos de Clifford Brown, si expressifs, et pourtant tout en retenue (écoute-le sur Jim), et l'élégance de Paul Quinichette, au ténor, qui devait rendre The Prez fier, lui qui avait si bien dialogué avec Lady Day à une autre époque.

Ce disque est un must Sephirot ! J'imagine comment ce devait être chaud de se lover dans les bras d'une fille en 1954 avec la voix de Sarah qui faisait couler du miel brûlant sur les corps. Sûr, Ella avait une luminosité irrésistible dans sa voix, Helen avait la nonchalance racée et Dinah la dégaine de celle qui vous perce avec son talon aiguille. Et Lady Day, c'était Lady Day, même dans le tordeur stupéfié de sa fin de vie. Mais Sarah chantant Lullaby of Birdland, c'est indescriptiblement nourrissant pour l'âme.


Disque mono, excellemment enregistré d'ailleurs.

mardi 1 décembre 2009

J'ai entendu... un grand solo de Bill Evans



On reconnaît surtout à Bill Evans ses capacités élégiaque set romantiques, mais rien ne me branche plus que lorsqu'il plaque des accords secs et rythmiques de la main gauche, semblant chercher une fracture rythmique dans laquelle son corps pourrait se dissoudre, comme dans ses ultimes interprétations de Nardis en 1979.

Toujours est-il que hier, j'écoutais le formidable 2e disque de l'édition 50e anniversaire de Kind of Blue de l'immense quintette de Miles Davis, lequel présente une session du groupe enregistrée l'année précédente (1958). Même studio, mêmes solistes, même rythmique: Cannonball et Trane aux saxos, Miles bien sûr, et Bill Evans, et la rythmique Chambers/Cobb... bref, le même son et le même esprit extraordinaires qui devaient accoucher l'année suivante de l'ultime référence jazz. Sauf qu'il s'agit cette fois de l'interprétation de standards..

C'est sur Love For Sale, après les solis de Cannonball et de Coltrane... soul et puissant avec Cannonball, tendu avec Trane... C'est au tour de Bill Evans...

Du fond de l'ignorance d'un mélomane moyen, je vous jure: extraordinaire solo.

J'ai une musique qui me colle au coeur...

... et ça s'appelle Dans un parc, d'un duo québécois des années '70, Valois-Jodoin. Pour le petit kid de Québec que j'étais alors, ça sonnait vachement urbain et ça racontait un Montréal mythique et dangereux.
Je ne crois pas avoir entendu ce morceau en 25 ans, et je ne crois pas que ce soit jamais sorti en CD. Mais c'est un beau petit chef d'oeuvre musical, avec entre autres une rare utilisation de la voix falsetto au Québec, Et j'adore!


Sur l'excellent site QuébecPop, voici ce qu'on raconte...


Issus de l'une des multiples variations du groupe "Les Sinners", les auteurs compositeurs Daniel Valois (voix, clarinette, guitare, mélotron, flûte) et Alain Jodoin (voix, guitare basse), s'unissent pour créer cet unique album qui, sans devenir un classique, est quand même devenu un pièce de collection.

L'album est une production d'un autre ex-Sinner, Louis Parizeau et tous les trois ont justement travaillé ensemble pour la production des albums du groupe Beauregard, Violletti et Ste-Claire (avant et après cet album). On peut noter la présence de Denis Violletti aux arrangements et aux guitares, de même que celle de l'ex-Sinner Richard Tate à la batterie.

Je recommande fortement les chansons "Clarinette", "Bonne nuit beaux rêves", "Dans un parc" et ma préférée, "Chez Mary-Ann".

Ils ont ensuite continué leur route avec des albums en solo.

mardi 24 novembre 2009

Coltrane et la Révolution: Giant Steps

Quel album extraordinaire!

Débarrassé de l'héroïne, secouant le joug bienveillant mais sûrement pesant de Miles, transformé peut-être par son bref, mais fructueux passage avec Thelenious Monk, John Coltrane entre en studio avec l'élégant Tommy Flanagan (qui dut quand même sen sentir un peu bousculé!), l'impeccable Paul Chambers et le dynamique Art Taylor et enregistre l'énorme album Giant Steps; un miroir diffracté, chaotique, sur-vitaminé du célèbre Kind of Blue auquel il participe. Dans sa toute nouvelle confiance, 7 titres ramassés, assez brefs, où se concentre la folle énergie d'un dingue qui peut pratiquer une vingtaine d'heures par jour son ténor. Il sera plus tard, au sein de son quatuor classique,  plus généreux, empathique, spirituel, emporté, événementiel; mais a-t-il été déjà plus punché que sur cet audacieux brûlot?



J'écoute en ce moment les 2 minutes 11 de Countdown. 2 minutes 11 où Trane parcourt les gammes à toute vitesse, sur une rythmique ultra-speedée, pour finir, dans les dernières secondes, par énoncer le thème! Nous sommes constamment ainsi, tenus en déséquilibre, par ce grand homme qui vient de trouver sa voie, sa voix, si indissociable chez le saxo de son souffle, et qui nous le fera partager, sans concession, pour les huit années suivantes, jusqu'à sa mort prématurée.

Coltrane, formidable auteur de ballades, formidable souffleur de thèmes poignants, en commet un seul sur cet album: la célèbre Naima, qu'il enregistre d'ailleurs avec la section rythmique de Kind Of Blue: mister PC, Wynton Kelly, Jimmy Cobb.

dimanche 22 novembre 2009

La musique dépasse la mémoire

When we listen to an old piece of music, we’re inevitably saddened by our inability to fully inhabit the era from which it came; the poetry of its historicity seems to slip through our fingers. The most we can do is seek out the people who lived through it, the surviving relics of times past who, for one reason or another, seem to have remained frozen in a smoky Harlem nightclub or a backwoods Appalachian village, as if they themselves were documents in an archive. These baroque personalities give the illusion of having an entire epoch condensed into their being, and even the lives they led have become sterling works of art. And as problematic as it sounds, we are lucky to have them. Our modern griots sacrificed their own progress for the sake of transmitting to us what were most likely the best years of their lives.
What does that have to do with the music?
Everything – because it makes manifest the fact that all music is a kind of storytelling, and that things as inert as brass can be made to sing the song of history. Music is a direct and vibrant sort of cultural expression, and it requires a hybrid form like the memoir-album to communicate its power with any degree of truthfulness. What we’re dealing with is not even an oral history, but a sonic one...
[tiré des notes de pochettes du disque de Warren “Baby” Dodds - Talking & Drum Solos]

dimanche 15 novembre 2009

Sur la platine: la meilleur pop de 2005, le meilleur disque inédit de 2007, un Luc de larochellière bonifié, un Bashung sanctifié

Je ne vous l'ai peut-être pas dit, mais j'ai un plaisir fou ces jours-ci à vagabonder dans ma discothèque, depuis qu'un très bon ami m'a passé un processeur AV Linn de grande qualité, un 5103. Lequel processeur a l'avantage indéniable de posséder un DAC plus flatteur que celui de mon vénérable Micromega Stage 4.

Mon Micromega s'est toujours distingué par ses hautes fréquences agressives. Le Linn a une approche plus équilibrée: de très belles mid charnues. Et il a, bien sûr, une entrée digitale. Ce qui signifie que je goûte, pour la première fois, de manière temporaire, aux grandes joies du serveur musical. Et croyez-moi, ce sera difficile de revenir en arrière.

Hier, je me suis tapé un grand carrousel de musiques, pour me retaper d'un 40 heures de travail sans sommeil. Cette faculté qu'a la musique à nous extirper de la broyeuse sociale et professionnelle ne lasse pas de me fasciner.



J'ai commencé par me jouer ce grand chef d'oeuvre pop de 2005, le "Come On Feel The Illinoise!" de Sufjan Stevens. 74 minutes fascinantes en compagnie d'un créateur intarissable qui nourrit l'ambitieux projet de composer un album par état américain. Sufjan demeure un obscur personnage pour le grand public, mais la critique l'a repéré depuis longtemps, et son Illinoise a pris le sommet des palmarès combinés de 2005, recensés par le site Acclaimed Music. Et pour cause.

Maintenant, vous le décrire pourrait être une entreprise hasardeuse. Pop raffinée, orchestrée avec art, qui me rappellerait du très très bon Al Stewart (Year of the Cat, vous vous rappelez?), genre folk-rock avec ambitions pédagogiques? Ou peut-être du Alan Parsons (mais avec quelque chose à dire, et la prétention en moins), pour le côté prog raffiné des arrangements. À moins que cette rythmique qui fait un peu band de collège, et ces cuivres chaleureux, et cette absence totale de pose, range Sufjans du côté du théâtre musical ou du jazz mainstream? Et puis il y a ces rythmiques à la Steve Reich, intégrées parfaitement. Ou ces chansons poignantes sur un ami perdu au cancer, ou sur un tueur en série qui a terrorisé l'Illinois, qui m'a rappelé le meilleur Eels. Sufjan est une éponge, et dans son creuset se ramasse les meilleurs saveurs de la pop récente. Un voyage de 74 minutes sans moments faibles.

Le seul, très léger reproche que je pourrais faire à cet orfèvre de la meilleur pop, c'est peut-être que son interprétation manque de nudité. Au sens émotionnel du terme, bien sûr. Stevens a une jolie voix de folk-singer, sans grand caractère, qui prend le siège arrière sur ses arrangements. C'est souvent là que certains créateurs n'arrivent pas à rejoindre un vaste public. L'engagement émotionnel existe sûrement. Mais s'il atteint notre intellect et nos oreilles, il ne nous foudroie pas le coeur. N'est pas Nina Simone ou Jeff Buckely qui veut.

Côté engagement émotionnel, ma galette suivante n'en manque pas. Et ce disque demeure pour moi le meilleur disque de 2007, même s'il n'est jamais sorti!



Thom Yorke a souvent rappelé que c'est Björk qui l'avait poussé vers des interprétations plus viscérales, après leur rencontre pour la bande-son (incroyablement émotionnelle d'ailleurs) de Dancer In The Dark. Ce n'est pas sa voix qui rend Yorke si poignant: c'est cet engagement émotionnel incroyable dans chaque syllabe, chaque chanson. L'impressiond 'être connecté au "guts" d'un artiste d'une sensibilité exacerbée.

Radiohead s'est fait reprocher, à la sortie du trop riche Hail To The Thief, une certaine complaisance. Trop de pièces abstraites, avec des sons électroniques bizarres, d'explorations de rats de studios hyper-actifs n'en finissant plus de pousser des boutons, et oubliant de nous pousser de bonnes pièces rock, comme à l'époque de The Bends. Critique un peu injustifiée à mon avis, mais enfin, pourquoi pas... Ils ne devaient pas être totalement en désaccord car l'album suivant, In Rainbows, s'en tenait à un solide 10 pièces et 42 minutes de musique qui furent salués par la critique et sa belle-mère comme une oeuvre solide, ramassée, des vraies chansons et une courbe émotive plus forte que jamais. En fait, In Rainbows a presque fait l'unanimité.

Sauf que... sauf que plusieurs des meilleures pièces de In Rainbows, on les trouve sur le CD bonus qui venait avec l'édition Deluxe vinyle 45-tours, pas achetable. 27 minutes et 8 pièces supplémentaires, parfaitement séquencées, qui rendent l'édition régulière de In Rainbows presque trop... sentimental... si vous voulez mon avis, et même si vous ne le voulez pas. Soyons francs: Down Is The New Up et Last Flowers To The Hospital écrasent le presque mièvre All I Need et le vraiment mellow House Of Cards. Et il n'y a pas une minute faible sur ce CD bonus, qui me rappelle beaucoup, dans l'humeur et la palette sonore, les meilleurs moments de Amnesiac. Maintenant, quand vous saurez que je préfère presque Amnesiac au sanctifié Kid A, vous saurez que je ne suis pas nécessairement toujours une référence de la gente critique. Mais ce diable de groupe intarissable est unique en son genre. Emo, expérimental, nu, rock, prog, et quoi encore... Chaque tranche de musique en leur compagnie est un sacré voyage dans les tripes d'une époque à la fois troublante et formidable. Essentiel, diraient les Français. Je suis bien d'accord.



Comment continuer après Radiohead? En coupant la fibre EMO et en reculant la montre de trente ans. Je prends un détour par des productions Ken Scott (ce que c'est le fun, un serveur!). D'abord, le sous-estimé Crisis... What Crisis? de Supertramp... lequel avait l'impossible tâche de succéder à Crime of the Century, et ce qu'il passe bien près de faire. Oh, c'est peut-être une infinitésimale coche en-dessous, et la pochette a mal vieilli. Rick Davies et son Ain't Nobody But Me, c'est formidable. C'est juste un peu en-dessous de l'insurpassable Asylum. Et le A Soapbox Opera de Roger Hodgson n'a pas l'attrait universel de Hide In Your Shell, le hit des adolescentes timorées. Mais c'est du bon, du très très bon Supertramp. Et quelle production, quelle prise de son! Ken Scott, qui a débuté avec les Beatles,  est un sapré magicien. Vous entendez ce piano incroyablement physique? Après ça, écoutez-moi les pianos de plastique des albums endisqués par Rudy van Gelder... Désespoir. Pourquoi, Rudy, avoir ruiné le son de tant de merveilleux pianistes???

(Au fait, excusez-moi mais sui vous voulez vraiment entendre le vrai son de ces albums, OUBLIEZ LES REMASTERS! Par erreur, c'est ce que j'ai mis en premier, et j'écoutais, médusé, déçu, ce son incroablement agressant dans les aigus, et sans relief dans les basses... jusqu'À ce que je réalise mon erreur, et que je change pour l'édition originale Target... Incroyable, la différence!)



Restons avec Ken Scott... On parle beaucoup, ces jours derniers, du piano flyé et libre sur le dernier Daniel Bélanger (que je n'ai pas encore entendu); et on se réfère au Bowie d'Aladdin Sane et au jeu délicieusement dissonant de Mick Garson. J'ai donc fait un croche sur Aladdin Sane, édition RCA des années '80 (ÉVITEZ les remasters de Peter Mew, des abominations sans nom). Quel son les amis! Quelle pièce de musique riche, complexe, inépuisable... Combien de fois pouvez-vous écouter Aladdin Sane de suite sans en épuiser les explosives propositions?



Tant qu'à se décrasser les oreilles, une obscurité merveilleuse... Connaissez-vous Goldley-Creme? Ces deux mecs formaient le noyau aventureux des excentriques créateurs pop 10CC (vous vous rappelez l'incroyable I'm Not In Love et ses infinis dubs de voix, sacré meilleure pièce pop des années '70 par plusieurs critiques éblouis?). Quittant le carcan pop, le duo se lança dans des albums merveilleusement flyés, mélangeant dans un joyeux bordel du krautrock, du pop, du art-rock à la Roxy Music, du Zappa, le tout dans une mise en sons jamais monotone.

Malheureusement, le timing n'aurait pu être plus mauvais. Prenez ce L dont je me régale en ce moment les oreilles. Sorti dans l'obscurité en 1977, en pleine explosion punk, je l'ai eu pour un ridicule 3$, avec son coin troué, disque usé avant même sa sortie. Et pourtant, This Sporting Life et Business Is Business, qui ouvrent et ferment l'album, sont des opéras pop en miniature délicieusement flyés... Tout l'album est une exploration sonore raffinée sur de belles mélodies pop.

Le succès leur échappant, Kevin Godley et Lol Creme devaient par la suite se recycler dans le cinéma et devenir les créateurs des meilleurs vidéo-clips des années '80 (Rock It de Herbie Hancock et ses robots animés, vous vous rappelez?). Avant de finir par créer la technique du morphing dans un clip qui a fait époque, qui fit d'une de leurs dernières pièces, Cry, un hit tardif bien mérité, en 1985. Je ne connais pas la suite de l'histoire, mais j'adore encore L.

Mais pour finir sur une note entièrement différente... je veux saluer d'un coup de chapeau bien bas deux excellents albums qui rappellent que le rock francophone a franchi des pas de géants dans ses dernières décennies... et que c'est souvent en mixant l'héritage de la grande tradition de la chanson et le sens de l'ambiance et de l'enveloppe sonore du rock anglais qu'on obtient les résultats les plus mirifiques.


D'abord, un petit bijou introspectif, inattendu. Luc de Larochellière a eu un succès précoce qui en a fait en deux albums à peine une grande star, au tournant des années '90. Rock contemporain, textes avec une juste dose de dérision et de cynisme, le jeune homme de Laval, dont on avait fait la rencontre à un showcase en première partie de Marie Philippe, était un délicieux paradoxe: timide et effacé, affecté d'un bégaiement à la ville, il nous terrassait tous lorsqu'il chantait ses textes engagés, d'une voix puissante, assurée, de rock star. L'ironie voulut que plus il devenait audacieux dans sa musique, plus le succès l'a déserté, et qu'on l'avait peu à peu oublié. Jusqu'à ce magnifique Un toi dans ma tête, sorti il y a quelques semaines.

Superbement habillé de cordes opulentes, le fidèle Marc Pérusse à la console, de Larochellière nous ouvre son coeur avec une touchante simplicité et raconte surtout des ruptures, des amours difficiles, des obsessions sentimentales qui témoignent de la maturité de son écriture, de la profondeur de sa plume. C'est beau comme du Jean Ferrat à son meilleur, ça sonne vrai comme du Félix, et il y a un peu de Nick Drake dans la mélancolie de ces nappes de cordes qui soulignent juste ce qu'il faut ces textes poignants. Les musiques de ruptures sont si belles qu'elles font de l'ombre aux autres pièces plus "détachées". Exception faite de la meilleure du lot: la délicieuse Non-amour, Mon amour, que je vous laisse découvrir. Faites-vous un cadeau.

Le temps me manque pour vous parler de l'ultime Bashung, Bleu pétrole. Poète des mots, poète des sons, Bashung a laissé derrière lui des volutes de beauté et son ultime album est émouvant, mais jamais sentimental. Chaque fois que j'entends Résident de la République, j'ai un petit frisson. Qu'il était unique, le Bashung... Comment parler de sa mort d'une manière plus élégante? Alain Brunet, grand fan, a bien résumé ce Bleu pétrole, permettez-moi d'emprunter sa très belle plume...




Bleu pétrole, un album de grande épuration, un album où la complexité n’est plus apparente et se dissimule dans l’essentiel. C’était l’aboutissement d’une oeuvre magistrale. Son protagoniste y aura fréquenté autant la légèreté que la densité, dont il a su allier culture pop (avec un fort argument rock, faut-il le rappeler) et recherche fondamentale. Assortie de cette voix ténébreuse dénuée de toute agressivité (et de toute puissance, à l’instar de grands interprètes tel Leonard Cohen), cette quête de substance a parfois produit une impression d’opacité mais bon, n’est-ce pas le lot de tous les artistes en quête de densité ? Dans les sons comme dans les mots, Bashung a toujours haussé la barre.

A-t-on ici au Québec un Bashung? Je n'en vois qu'un possible. Il s'appelle Daniel Bélanger. Nous y reviendrons.

lundi 26 octobre 2009

Like A Complete Unknown...


Sur le très nerdy et intéressant (pour un nerd) site Acclaimed Music, qui écume le maximum de listes du style Top 100 Albums of the 90's ou The Best Albums Of All Times, que retrouve-t-on au sommet du palmarès des singles les plus célébrés de tous les temps, tous critiques confondus?

Like A Rolling Stone de Bob Dylan.

Pendant 6 minutes 23, sur fond d'un blues-rock mordant, avec dans sa voix nasillarde cette espèce de lucidité poétique et terriblement réaliste qui fait de Dylan un des plus grands interprètes vivants (ou morts) du rock, avec des rimes si lucides et cinglantes qu'elles vous laminent l'intestin, Zimmerman narre sur le mode narquois la descente aux enfers d'une "princesse", "Miss Lonely", qui n'a plus qu'à quêter son prochain repas et accepter les "deals" douteux d'un Napoléon en haillons...
You've gone to the finest school all right, Miss Lonely
But you know you only used to get juiced in it
And nobody has ever taught you how to live on the street
And now you find out you're gonna have to get used to it
You said you'd never compromise
With the mystery tramp, but now you realize
He's not selling any alibis
As you stare into the vacuum of his eyes
And ask him do you want to make a deal?


How does it feel
How does it feel
To be on your own
With no direction home
Like a complete unknown
Like a rolling stone?

 (...)
You used to be so amused
At Napoleon in rags and the language that he used
Go to him now, he calls you, you can't refuse
When you got nothing, you got nothing to lose
You're invisible now, you got no secrets to conceal.

La voix de Corbeau de Dylan ne vous atteint pas? Essayez la version de Jimi Hendrix, sur le live de Monterey. Hendrix, grand artiste, grand homme, grand admirateur de Dylan, pouvait tout comprendre de ce récit pour ceux qui ont connu le sort des chats de gouttière, et qui s'en souviennent.

Le caniveau vous colle aux semelles, une fois que vous l'avez parcouru.

samedi 24 octobre 2009

Sur la platine: le chaleureux Cannonball, le splendide LaFaro, les époustouflants Bad Plus

L'automne, n'est-ce pas, lorsqu'il se fait froid, venteux et pluvieux, nous fait retraiter dans nos tanières. Le ciel gris, le bitume battu par les tombes d'eau... Nos fatigues et nos exaspérations sont comme des nuages gorgés d'hivers en devenir. On se sent partie d'un ciel indifférencié. Le H1N1 s'insinue dans nos bronches. Non, la vie n'est pas toujours une rigolade.

Alors, comme antidote, on recherche une expression généreuse, torride, voire emportée de l'âme humaine. On recherche la vigueur du geste artistique, la puissance expressive. Parce qu'on a beau se culpabiliser comme espèce biologique, on dira ce qu'on voudra, mais l'être humain laisse derrière de saprés belles ruines.
Alors, ce soir, pour une séance tardive de musique dans l'automne frigorifiée, j'ai privilégié le "live" dans sa forme la plus expressive: le jazz...



En commençant par cet océan de hard-bop qu'est Julian Cannonball Adderley, surtout connu pour être l'alto de l'immense Kind Of Blue, et le leader du presque aussi célèbre Something Else. La carrière de Cannonball comme leader d'un quintette est partie sur les chapeaux de roues avec The Cannonball Adderley Quintet in San Francisco, un des gros titres de cette immense année (1959), sans doute la plus chargée de grands titres de l'histoire du jazz. Gros titre qu'il me reste encore à découvrir (et quel plaisir de savoir que tant de disques restent vierges de toute écoute)... mais en attendant, au hasard d'une pérégrination sur E-Bay, j'ai acheté un "live" pratiquement aussi prisé des critiques: le Cannonball Adderley Sextet in New York, de 1961, enregistré au célèbre Village Vanguard, et qui marque l'arrivée dans la formation du multi-instrumentiste et rugueux ténor Yusef Lateef et d'un pianiste autrichien qui allait connaître la gloire en fondant Weather Report: Joe Zawinful.

La personnalité attachante de Cannonball ne s'exprime pas que dans son jeu suave et funk. Dès l'ouverture du set, il fait remarquer qu'on est hip ou on ne l'est pas, que ça ne s'acquiert pas, et que c'est peut-être à cause de cette absence de facteur hip qu'il n'avait jamais enregistré de live à New York... jusqu'à ce soir du 12 janvier 1962. Marrant, mais sérieux: le Cannonball Sextet, éclectique et puissant, fait dans le hard-bop musclé, comme les Jazz Messengers de Art Blakey, mais la présence de Lateef (ténor, flûte, hautbois) ajoute à la formation un supplément d'âme et de folie et permet aux cuivres une puissance à l'unisson qui rendent le concert particulièrement intéressant. Deux compos de Lateef (dans le groupe depuis seulement trois semaines) occupent près de 15 minutes de disque, dont le sensuel et sinueux Syn-anthesia; Zawinful contribue un blues très réussi (Scotch and Water) et le set passe à la vitesse de l'éclair.

Le son de mon édition OJC est assez ordinaire; peut-être que l'édition Keepnews Collection améliore les choses. Ce n'est pas un obstacle au plaisir, mais on aimerait sentir le son puissant de l'orchestre nous traverser un peu plus l'épiderme.


Pour passer à un registre peut-être plus "profond", mais sans quitter l'enceinte du Vanguard, j'ai spinné l'éternel Sunday At The Village Vanguard du Bill Evans Trio. Pour cette écoute, j'ai emprunté l'édition XRCD masteré par Alan Yoshida... et j'ai goûté plus que jamais la magnificence de la contrebasse de Scott LaFaro, à la tonalité riche et chocolatée, textures de bois sombre, et tant pis si mes comparatifs vinicoles n'ont aucune espèce de sens. Tout a été dit sur l'aura dramatique de ce set, le dernier du Trio avant que LaFaro ne se tue en voiture... Evans, inconsolable, qui abandonne la formule du trio pour des mois, non sans compiler cet extraordinaire album, en hommage à son explosif contrebassiste.

Je ne suis pas plus connaisseur qu'un autre; souvent, les contrebassistes m'indiffèrent malgré mes prétentions à la mélomanie mégalomane. Je veux qu'ils me disent quand taper du pied et c'est tout. Mais pas cette fois... pas ce soir en tout cas. L'échange entre le poète Evans et cet esthète flamboyant qu'est LaFaro est télépathique au plus haut point, et tout ça enrobé dans l'écrin des balais de Motian. Par moments, comme juste avant le solo du contrebassiste dans My Man's Gone Now, il remplit notre oreille de lignes si parfaites, qui font un si superbe contrepoint au pianiste, qu'on comprend à quel point celui-ci s'est senti déserté d'une partie de son être musical. Solar, de Miles, est l'occasion d'un échange plus musclé et permet à Motian de se délier les bras: écouter son soli, c'est un tel plaisir d'intelligence, de raffinement, un jeu si réussi de tonalités que n'importe quel batteur prog-rock doit se sentir rustre après. Et quel final que la compo de LaFaro, la brève, délicate, contemplative Jade Vision. Une fin parfaite... une épitaphe troublante.



Comment ajouter autre chose? J'ai mis au final une découverte récente: The Bad Plus et le dernier morceau du disque qui les a fait exploser sur la scène jazz: These Are The Vistas. Ce titre, Silence Is The Question, est un 8 minutes stupéfiant d'un trio jazz que je pensais iconoclaste, mais qui a un coeur immense. Projetant curieusement (et peut-être pas à son avantage) une image stéréo similaire à celle du concert de Evans de 1962 (piano dans un canal, contrebasse dans l'autre, la batterie au centre), Silence est une sorte d'envolée passionnée du pianiste Ethan Iverson, qui, après un début élégiaque, bien supporté par la contrebasse ronde et chaude du compositeur du titre, Reid Anderson, se lance dans une envolée de plus en plus émotive, puissante, emportée; par moment, une sorte de polyphonie fugale à la Jean Sebastien Bach nous emporte dans sa mécanique complexe; au final, la batterie de David King se déchaîne et le pianiste, lui, a quitté les zones équilibrées de la fugue et laisse éclater un lyrisme qu'un critique a judicieusement associé à Rachmaninov. C'est époustouflant, et en cette ère de cynisme, ça fait du bien d'entendre quelque chose qui sort autant des tripes; Brad Mehldau a dû sentir l'hommage en filigrane.

Inutile, après, d'en rajouter. On ferme la sono et on laisse les sédiments nous nourrir l'intérieur en lisant quelque chose de relevé. Du Romain Gary, genre, justement, dont je lis l'Angoisse du Roi Salomon. Excellent jazz, qui plus qu'aucune musique à mon avis, nourrit l'humain chez l'humain.

mardi 13 octobre 2009

L'art de la compil'


Excellente question, récemment, de Martin de QAV, sur les compilations d'artistes. Le CD aura au moins amener ça de bon: une pléthore de compilations, le concept même de l'archivage devenant drôlement attrayant par les promesses du digital: facilité de manipulation et de reproduction sans abîmer les bandes maîtresses d'orgine. Certaines maisons de disques se sont fait une gloire de faire de la compilation un Art, reléguant aux oubliettes les compilations Time Life et leur aspect muséal d'encyclopédie ennuyeux. Rhino, entre autres, s'est spécialisé dans les rééditions et les compilations funky, avec livrets détaillés, généreux bonus, pièces inédites et mixages rares.

Par définition, les compilations sur vinyle étaient un peu décevantes côté son. Au moins une génération éloignée des masters d'origine... si on partait des masters d'origine. En fait, on peut supposer que les compilations étaient souvent assemblées à partir de copies de bandes sous-maîtresses compressées pour le vinyle, lesquelles étaient déjà une, deux ou trois générations éloignées des bandes maîtresses d'origine, pour un peu qu'il y ait mixage entre pièces sur l'album original. En plus, la compilation suppose l'abondance; or, s'il est bien un désavantage au vinyle sur le CD, c'est bien de diminuer de qualité sonore à mesure que les minutes s'ajoutent. Vous avez déjà réécouté vos compilations K-Tel d'époque??? Dans le monde digital, ce problème n'existe plus. Si des gens dédiés acceptent de rechercher les bandes maîtresses d'orgine, vous êtes en route pour le nirvana sonore... en autant que l'ingénieur au remastering soit à la hauteur.

Je me méfie un petit peu de l'étiquette audiophile cependant. On a tous entendu de ces compil' de labels audiophiles qui sonnent bien et dont la musique est ennuyante comme la pluie. Comme si l'ingénieur de son avait pris le contrôle du studio et que les musiciens faisaient dans la perfection.

Alors, en vrac, mes compil' préférés, celles dont la musique, le sequencing ET le son ont un petit quelque chose qui nous font voyager et habiter d'autres époques...

Ray Charles, 41 Greatest Hits 1959-1972 (Frémeaux & Associés), masteré par Steve Hoffman, ça sonne ça les amis! Peut-être pas la période la plus "pure" de Brother Ray, mais comment résister à Hit The Road, Jack, les duos avec Betty Carter et Georgia On My Mind, surtout dans un mastering aussi convainquant? Un double, peut-être difficile à trouver.

Nat King Cole, Greatest Hits (attention: étiquette DCC), masteré par le même... comme si NCC était dans le salon et c'est pas une figure de style. Le son est cristallin.

Buddy Holly - From The Original Master Tapes (MCA), masteré par SH, et qui a fait sa réputation. Il avoue aujourd'hui qu'il a simplement roulé les tapes tellement ça sonnait bien... aucun traitement, aucun EQ. C'est dynamique en tab...

Elton John - Greatest Hits (attention encore: étiquette DCC)... idem... et si je me fie à mon Greatest Hits Vol. 2, dont j'ai l'édition "commerciale", la différence sonore est abyssale...

John Coltrane - A John Coltrane Retrospective - The Impulse Years (Impulse)... ce n'est pas un miracle de son, mais si comme moi les versions digipack masterés par Erik Labsen vous irritent quelque peu le tympan, et si vous réussissez à trouver ce CD-triple, le balance tonale me semble plus juste! En attendant mieux, les coffrets récents étant compressés.




Nina Simone - The Best of Nina Simone (Phillips)... facile à trouver, pas cher, un excellent, bien que trop bref, survol de la grande diva noire, masteré par Dennis Drake...

Wilson Pickett - A Man And A Half (Rhino)... un CD-double fantastique d'un shouter de R&B et soul à la Otis Redding... masteré par S. Innocenzi. Un style en puissance.

Bob Marley - Legend (Tuff Gong, 1990)... son fantastique, quelle basse!... attention de rechercher l'édition (discontinuée) masterée par Barry Diament.... tel qu'indiqué à l'endos de la pochette.

Bob Dylan - "The Bootleg Series Vol. 8 : Tell Tale Signs Rare and Unreleased 1989-2006 (Sony). Une compil' de outtakes, mais tellement fantastiques! (masteré par Greg Calbi)

Jimi Hendrix - The Jimi Hendrix Experience (Experience Hendrix). Le CD quadruple au coffret mauve. Comme le Dylan, des outtakes et des live, mais tellement hot! Il y en a qui trouvent ça compressé, mon système n'est pas assez transparent pour que j'en souffre!

David Sylvian - Everything and Nothing (Virgin). Fantastique double-cd masteré par Bob Ludwig. Un survol brillant d'une carrière passionnante, des titres de Japan, de Rain Tree Crow et de ses multiples collaborations (Sakamoto, Fripp). Sylvian a remixé certains titres. Certains seront déçus de cette version moins inquiétante du célèbre hit de Japan, Ghosts. Deux excellents inédits des sessions de Dead Bees On A Cake.

Talking Heads - Sand In The Vaseline. À mon souvenir, ce cd-double sonne très bien. Robert Ludwig encore.Mais honnêtement, une compilation des Talking Heads? Alors que les quatre premiers albums sont indispensables à toute collection? Mais pourquoi je prêche, moi? Puisque je l'ai, c'est que j'ai commencé mon exploration des Heads avec ça, non?

lundi 5 octobre 2009

Kraftwerk - alors le Catalogue???

Oups? Les premières critiques ne sont guère prometteuses. Surtout quand on sait que des magazines comme Uncut ne se posent pas comme des puristes des masterings!

Voyez plutôt:

"Computer World": Sadly, the remaster is a fiasco. The soft tones of "Computer Love" become sharp, the wide spaces of "Home Computer" contract into tunnels and "Pocket Calculator" bears down on us like a spiked ceiling in a horror film.

"Radioactivity": ...atmospheric crackles and hisses have been removed by noise reduction software. For pity's sake, they're part of the music!

"Autobahn", "Trans-Europe Express" and "The Man-Machine" have less sound quality issues but are all inferior to the original EMI CDs.

Un point important à ajouter: il semble établi que The Catalogue circa 2009 n'utilise pas les mêmes remasterings que le coffret promotionnel du même nom de 2004, avorté par les membres de Kraftwerk eux-mêmes. 

Vous pouvez les distinguer par la durée de The Telephone Call sur Electric Cafe: 8 minutes dans sa version originale, 3 minutes dans la version 2009, avec en bonus un remix de House Phone qui dure 5 minutes.

PS Le MOJO n'entend pas les mêmes choses...

"Yes, the remastering is a huge improvement. The sound shines like brand new - a punchier low end, crisper syndrums, even more shimmering neon lights. And warmer human voices"

dimanche 4 octobre 2009

Votre album le plus décevant?

Ben tiens, on parle toujours de nos albums préférés, mais qu'en est-il des albums qui vous ont le plus déçu? Qui vous ont sevré d'un artiste avec lequel vous ressentiez encore, quelques mois avant, une connexion particulière, voire un lien psychotronique?

Les carrières sont de plus en plus météoriques, mais je me rappelle une époque où chaque nouvel album de nos artistes favoris déclenchait une sorte d'obsession. Et je me rappelle très bien mes plus grandes déceptions. Les voici...

Styx - Cornerstone (1979)
Styx, je l'avoue sans honte, m'a initié au rock anglo-saxon. Ce fut mon premier show d'aréna. Je savourais chaque album (au rythme d'un par année) en me régalant des constructions baroques et un peu prétentieuses de Dennis De Young et du folk-rock électrique de Tommy Shaw, et en tapant du pied sur les rock carrés, prévisibles et virils de James Young. Je n'ai jamais pu digérer le déjeuner que je prenais le jour où Babe, l'ode de De Young à sa femme, a résonné pour la première fois à la radio. Styx, pop? C'était, pour moi, la fin du monde.


Queen - Jazz (1978)
Après News Of The World et son rock anthémique FM parfait, mélodique, puissant, qui nous donnait envie de chanter la nuit (Spread Your Wings, We Are The Champions, We Will Rock You) en courant dans la ville, Jazz et son rock syncopé, hachuré et son humour étrange (Fat Bottomed Girls) manquait singulièrement d'engagement. Et ce n'est pas le fameux poster de cyclistes nues (qu'on m'a piqué d'ailleurs!) qui allait compenser.

Genesis - And Then There Were Three (1978)
Oh, Steve Hackett, où es-tu?

Steve Hackett - Cured (1981)
Oh, je vois...

Kate Bush - The Red Shoes (1993)
Seul faux-pas d'une carrière remarquable. Kate, complètement déboussolée après une rupture, compose quelques pièces d'une vulnérabilité troublante (You're The One), mais pour le reste multiplie les collaborations ratées (Prince???)

Robert Charlebois - Swing Charlebois Swing (1977)
Il nous avait bien averti, dans un spécial télévisé aux Beaux dimanches qui m'avait laissé dévasté: le rock, pour lui, c'était fini. Mais devait-il se transformer en chanteur quétaine fini? Garou, Garou, pourquoi m'as-tu fait ça?

David Bowie - Let's Dance (1983)
Après le très riche  Scary Monsters qui, après son escale berlinoise, le sacrait fer de lance du art-rock eighties (et vedette de MTV), le passage de la guitare tranchante de Robert Fripp au funk de Nile Rodgers m'a profondément déprimé. Vu dans le contexte plus large de la popularité trépidante de Duran Duran, de Robert Palmer et de Power Station, on peut reconnaître à Bowie son flair légendaire... mais au niveau compos, cet album un peu trop mince n'est que le premier d'une longue série de chutes d'inspiration.

J'avoue qu'il en faudrait beaucoup aujourd'hui pour qu'un mauvais album vienne troubler mon sommeil... L'époque a changé, moi aussi. Bien que, si Radiohead sortait une merde... peut-être...

mercredi 30 septembre 2009

L'esprit de Miles: Miles From India

  


Un petit mot pour vous suggérer un album que je trouve plus indispensable chaque jour que je l'écoute.
Miles From India est un CD double réunissant, sous la houlette de Bob Belden, plusieurs ex-musiciens de Miles Davis, (période fusion surtout), et des musiciens indiens, pour une sorte de Bitches Brew au curry qui laisse pantois.

Ce qui laisse pantois, c'est, bien sûr, la grande virtuosité des musiciens d'exception de l'album (dont vous connaissez plusieurs noms: John McLaughlin, Lenny White, Chick Corea, Jimmy Cobb [eh oui, le batteur de Kind of Blue], Mike Stern, Wallace Roney); mais c'est aussi le mariage enlevant, surprenant, de deux traditions musicales qui se répondent dans le plus pure esprit coopératif du jazz; c'est cette bouffée de liberté musicale qui émane du projet, chacun ayant l'espace pour s'exprimer, mais s'exprimant dans une dynamique de groupe totalement cohérente; c'est de constater qu'au-delà de la tombe, l'esprit de Miles continue de féconder une musique explosive, enlevante, inspirante.

De grands moments? Le thème de All Blues à la sitar, l'énergie manique de la rythmique (Lenny White à la batterie, A. Sivamani aux percus indiennes) sur Miles Runs The Voodoo Down, la cavale et la section rytyhmique (encore) de Great Expectations, la virtuosité hypnotisante de U. Shrinivas à la mandoline, jouée dans des conceptions musicales indiennes, pour un résultat absolument surprenant, sur une compo de McLaughlin, Miles From India...

L'esprit de Miles, pendant deux heures. Un disque absolument thrillant.

lundi 28 septembre 2009

David Sylvian - art autistique

 


Si vous êtes un habitué de ce blogue, vous connaissez la grande admiration que je porte pour l'art de David Sylvian. Et si vous connaissez bien David Sylvian, vous savez que son travail peut parfois descendre dans les tréfonds de l'âme humaine... qu'il peut parfois s'approcher d'une forme d'autisme artistique où tous nos repères s'évaporent...
Alors, à quelle catégorie appartient le tout frais Manafon ?
S'agit-il d'une suite aux éblouissants albums de art-rock léché qui ont fait la popularité de l'ex-leader de Japan (Secrets of the Beehive, Nine Horses) et qui doivent rendre jaloux Bryan Ferry?
Ou s'agit-il... d'autre chose?
La réponse est B.
Atonal, élusif, minimaliste. À la limite de l'abstraction totale. Randonnée dans un paysage desséché de sons, où la voix grave et riche de Sylvian nous retient, d'un fil ténu. Très ténu, le fil.
Par petites touches impressionnistes (un solo de saxo ici, quelques notes de piano qui tombent), on suit notre guide dans sa randonnée nocturne. En se disant que ses collaborations des années '80 avec Holger Czukay étaient presque du Top 40, en comparaison.
Inécoutable? Non...
Mais défintivement un challenge...
La pièce "Emily Dickinson" est certainement la plus satisfaisante à l'esprit simple que je suis...
Pour ceux qui ont 'équipement, une version multi-canaux existe...